"Habitación Macbeth", la tragedia de Shakespeare que cobra nueva vida a través de Pompeyo Audivert

 

TEATRO

    Fue uno de los éxitos teatrales de los últimos cinco años. Sin embargo, siempre hay público dispuesto a verla. Así, casi con el inicio de 2026, sube de vuelta a escena “Habitación Macbeth”, el unipersonal donde Pompeyo Audivert hace un impresionante despliegue de situaciones y personajes basándose en la eterna obra de William Shakespeare.

      Una de las obras argentinas más premiada, llega al teatro Metropolitan desde el sábado 3 de enero con actuación y dirección de Pompeyo Audivert y música original en vivo de Claudio Cello Peña

      Desde su estreno en marzo de 2021, lleva más de 400 funciones realizadas y más de 250.000 espectadores la han ovacionado en el país y en el exterior

     Las funciones de “Habitación Macbeth” serán los sábados a las 18 y los domingos a las 21, en el teatro de Avenida Corrientes al 1300  con entradas disponibles en https://www.plateanet.com/obra/27719... Y en la boletería del teatro.

       A través del cuerpo de un actor (encontrado en la fosa del teatro), las Brujas Fatídicas del páramo de huesos representarán la tragedia Habitación Macbeth, para el goce, deleite, y catarsis metafísica de nuestra majestad creadora Hécate, vulgarmente conocida como El Público.

       Erigir un espejo para reflejar alguna circunstancia ficcional y producir así una unidad referencial con los espectadores es una estrategia muy común en la que el teatro suele quedar atrapado; apedrear el espejo en el momento en que esa unidad se ha producido y amenaza cristalizarse no lo es (por eso Shakespeare y Beckett son geniales, no quieren reflejar al mundo sino revelar su condición de lápida).

       El piedrazo rompe la promesa unidimensional del reflejo dejando que el espejo revele sus valencias secretas, sus misterios y su profundidad abismal, hasta el punto de volverse pozo ciego, antro que deglute la perspectiva ficcional del frente histórico, para devolver fantasmagorías alucinadas, preñadas de delirios y pasiones que dicen ser nosotros (nos otros).

     En Macbeth es el espíritu del crimen el que se presenta, atizado por una fuerza sobrenatural (Hécate) que lo reclama y despierta, que lo impele sin réplica, a encarnar y manifestarse, a tomar el poder.

      Shakespeare convoca los reflejos infieles que habitan más allá de la conciencia, fuerzas dorsales que viven larvadas en nosotros, rémoras de un crimen social que fundó nuestra perspectiva histórica y no cesa de producirse; somos una sociedad Macbeth, nacida de una voluntad de poder compulsiva, cargada de un imperio que no admite rechazo.

        Habitación Macbeth es el intento de arrojar junto a Shakespeare un piedrazo en el espejo también en el nivel de las formas de producción, violentando la actuación y exaltando su metáfora: el actor como habitáculo, zona de encarnaciones, estructura de una presencia desparasitada del yo histórico y en disposición de manifestarse, de salir a la luz, de representarse teatralmente. La actuación como fenómeno paranormal, como alcance teatral de esa identidad de estructura donde habita nuestra presencia.

         Esa es la apuesta paradojal de esta obra: por un lado señalar, a través de Macbeth y sus circunstancias, cómo la identidad histórica es arrastrada a las compulsiones criminales que rigen al mundo y por otro, hacerlo mediante un procedimiento que reestablezca y exalte las facultades sagradas de nuestra identidad poética, su capacidad de vibración y devenir: a través de un cuerpo habitado, un cuerpo habitación donde sucede la tragedia.

La zamba como ícono de Tucumán, y la obra de Virgilio Expósito en dos publicaciones del INAMU

 

MÚSICA

       El Instituto Nacional de la Música (INAMU) y el Ente Cultural de Tucumán presentaron el libro "Tucumán es Zamba", una publicación dedicada a poner en valor a este emblemático género, parte fundamental de la identidad musical argentina.

        El libro ya se encuentra disponible para su descarga libre en formato digital, mientras que la edición impresa será distribuida en instituciones educativas. En ambos casos, la publicación servirá como material didáctico para estudiantes, intérpretes musicales, docentes, escuelas, bibliotecas y el público en general.

       La presentación se realizó en San Miguel de Tucumán y contó con la participación del presidente del INAMU, Bernabé “Buco” Cantlon; el presidente del Ente Cultural de Tucumán, Humberto Salazar; el autor del libro, Rubén Cruz; y la coordinadora editorial del INAMU, Neli Saporiti.

    “Tucumán es Zamba” propone un recorrido por los orígenes, la evolución y la riqueza estética de la zamba en Tucumán, destacando sus obras más representativas, sus principales autores e intérpretes y el entramado cultural que le dio vida a lo largo de más de un siglo.

     La obra reúne letras con cifrado, partituras, comentarios históricos, síntesis biográficas y códigos QR que enlazan a versiones significativas de las canciones.

      Durante la presentación, Bernabé “Buco” Cantlon destacó la importancia de que esta publicación se encuentre disponible para su descarga libre, así como también el rol del INAMU como organismo de fomento que acompaña las decisiones culturales de las provincias y garantiza el acceso federal a materiales de estudio y difusión de la música argentina.

        El redactor general del libro, Rubén Cruz, señaló que la publicación es el resultado de varios años de investigación y trabajo sobre partituras, biografías y fuentes históricas, con el objetivo de aportar herramientas para comprender la identidad cultural tucumana a través de la zamba, integrando obras de autores locales y de otras provincias que le cantaron a Tucumán.

      La jornada incluyó un momento musical a cargo de Nacho Cuellar (voz) y Santiago Quipildor (guitarra), quienes interpretaron zambas tucumanas, aportando una dimensión sonora a una actividad dedicada a celebrar la identidad musical de la provincia.

        La obra fue posible con la redacción general de Rubén Cruz, edición y corrección de María Claudia Lamacchia, diagramación y diseño interior de Sofía Martina y arte de cubierta de Víctor Quiroga (“Solo Lüz”,2012) y fotografías de Víctor Martínez, Yehuda Mizrahi, Adobe Stock, Canva, Wikipedia, Freepik

 Tributo a la magia de Virgilio Expósito

      Además, el Instituto Nacional de la Música (INAMU) presentó el libro Magia y Verdad. Obra de Virgilio Expósito, una publicación dedicada a difundir y revalorizar la obra y la trayectoria de uno de los compositores más influyentes de la música argentina.

     La presentación se realizó en la Biblioteca Popular José Ingenieros, en la ciudad de Zárate, provincia de Buenos Aires, lugar de nacimiento de Virgilio Expósito.

    El libro ya se encuentra disponible para su descarga libre en formato digital, mientras que la edición impresa será distribuida en instituciones educativas.

       La presentación contó con la participación del presidente del INAMU, Bernabé “Buco” Cantlon; la coordinadora editorial del libro, Neli Saporiti; y la editora de la publicación, María Lamacchia, junto a familiares, músicos, referentes culturales y público de la ciudad.

      Estuvieron presentes Mónica y Patricia Expósito, hijas del compositor, en una jornada cargada de reconocimiento y homenaje. El encuentro permitió poner en diálogo la obra de Virgilio Expósito con su contexto histórico, su vigencia y su profunda influencia en la música argentina.

     El evento incluyó un momento musical a cargo de la pianista Analía Tártara, quien interpretó piezas de Virgilio Expósito, aportando una dimensión sonora.

      “Magia y Verdad. Obra de Virgilio Expósito” recorre la producción artística de Virgilio Expósito, compositor, pianista, arreglador y director de orquesta, integrante central de la llamada generación del 40. Junto a su hermano Homero Expósito, conformó una de las duplas creativas más relevantes de la música popular argentina, con obras que trascendieron fronteras y generaciones, como “Naranjo en flor”, “Vete de mí”, “Farol”, “Maquillaje” y “Chau, no va más”, entre muchas otras.

     La publicación reúne partituras, textos de referentes, testimonios, fotografías y materiales de análisis, ofreciendo un abordaje integral de su legado artístico y consolidándose como un aporte fundamental al estudio de la música ciudadana y del tango argentino.

      María Lamacchia remarcó que estas publicaciones del INAMU son muy importantes para la divulgación y valoración de personalidades destacadas de la música argentina, como Virgilio Expósito y la dupla creativa que conformó junto a su hermano Homero y contó que para la realización de estos libros es clave el acompañamiento de familiares, amistades y colegas, quienes aportan textos inéditos desde su propia experiencia con el artista y su obra.

El cubano José Franco y una antología de sus obras desde los años '80 hasta la actualidad en el MNBA

 

ARTES PLÁSTICAS

      El Museo Nacional de Bellas Artes está presentando la exposición “José Franco. Génesis”, que reúne en las salas del segundo piso una selección de pinturas, dibujos e instalaciones del artista cubano radicado en Argentina.

     Con curaduría de la coordinadora artística del Museo, Mariana Marchesi, la exhibición incluye desde pinturas y dibujos de los años ochenta, en las que el plástico cubano recrea tramas de pelaje animal con una estética pop, hasta sus últimas obras de 2025, en las que incorpora elementos electrónicos en instalaciones y acrílicos sobre tela.

      También podrán verse trabajos de la serie dedicada a versionar las selvas ecuatoriales que imaginó el artista francés Henri Rousseau (1844-1910), iniciada durante su estancia en Francia en 2007, como la obra “La Conversación”. Del mismo universo se presenta “Conversaciones en el tiempo Lam-Franco”, acrílico sobre tela en el que Franco rinde homenaje a Wilfredo Lam y que ofrecerá en donación para la colección del Bellas Artes.

      “En sus obras –telas, esculturas, objetos cubiertos de piel de cebra o de jaguar–, ‘Pepe’ Franco busca revelar un secreto: el conflicto entre naturaleza y técnica, entre lo sagrado y lo artificial”, expresa el director del Bellas Artes, Andrés Duprat.

    “Si en la naturaleza el camuflaje aflora como táctica de supervivencia primordial, Franco lo apropia como recurso estético para marcar la imbricación de mundos arbitrariamente separados: lo humano y lo no humano, la naturaleza y la cultura, lo primitivo y lo tecnológico”, opina por su parte Marchesi.

   “Esta exposición nos permite volver la mirada a los orígenes del artista, cuatro décadas atrás, para pensar los puntos de contacto entre las obras de entonces y las del presente. En la mutación como principio yacen la fortaleza y la coherencia de una práctica en constante transformación”, apunta la curadora.

      La exposición “José Franco. Génesis” podrá visitarse hasta el 8 de febrero de 2026 en las salas del segundo piso del Museo, de martes a viernes, de 11 a 19.30 (último ingreso), y los sábados y domingos, de 10 a 19.3, en Avenida del Libertador 1473, CABA.

      José Franco Codinach nació en La Habana, Cuba, en 1958. Estudió en la Escuela Nacional de Arte y en el Instituto Superior de Arte de La Habana, donde se graduó en Artes Plásticas y ejerció como profesor durante una década. Fue el primer artista cubano en recibir la beca Guggenheim, en 1991, por lo que dejó Cuba para residir en Nueva York durante un año. Luego, se instaló definitivamente en Buenos Aires, desde donde continuó proyectando su carrera.

     Franco es una figura clave del arte cubano, con el que nunca perdió contacto. Formó parte de la renovación de la escena plástica de la isla, en la que también se inscribe la creación de la Bienal de La Habana, para la que fue seleccionado en su primera edición de 1984.

     Sus obras se encuentran en colecciones públicas y privadas en Argentina, Estados Unidos, Cuba, República Dominicana, Panamá, Colombia, Italia, Brasil, México, Uruguay, Francia y España, entre otros países.

 

 

 

Fabricio Tocco entre la memoria y la identidad ; Levi-Strauss y su redescubrimiento de la América autóctona

 

LIBROS

“Parece diciembre”, de Fabricio Tocco 

          Argentina, diciembre de 2001. ¿Cómo es irse de un país en llamas? ¿Cómo se despide uno de su lengua, de sus calles, de una historia que ya no podrá continuar? Piero, un adolescente que pasó su infancia dividida entre San Pablo en Brasil y la zona oeste del gran Buenos Aires, no tiene voz en la decisión: su familia ya resolvió volver a irse, esta vez a Europa.

                Entre la euforia del rock, el descubrimiento del tango, el despertar político político y literario y las últimas noches con amigos, Piero enfrenta el vértigo de dejarlo todo atrás, una vez más.

              Años más tarde, desde Europa, escribe una novela sobre aquellos días, pero su familia y sus amigos la ponen en duda: ¿realmente fue así? ¿O la memoria, como la literatura, también inventa?

         “Parece diciembre” es una novela sobre crecer en medio del colapso y el desarraigo, la búsqueda por una identidad firme en un mundo cambiante, el dilema entre quedarse o partir y la distancia entre recordar y contar.

         "Una novela muy argentina, es decir: compleja, cosmopolita, atravesada tanto por la literatura como por la historia contemporánea. Con ecos de Ricardo Piglia y Roberto Bolaño, a través de una polifonía y una oralidad muy logradas, explora un mapa de relaciones personales que une Argentina con Brasil, Gran Bretaña, Italia y sobre todo España, para contar con tango y fuerza los ecos de una ausencia", dice                                                                                                                     Jorge Carrión

       Fabricio Tocco nació en Argentina en 1985. Es escritor, profesor universitario y músico. Creció entre Buenos Aires y Sao Paulo. Vivió en Tarragona, Barcelona, ParÌs y Vancouver, donde se doctoró en letras por la University of British Columbia. Actualmente, reside en Canberra, donde enseña lengua y literatura para la Australian National University.

           Es autor de dos libros de ensayo, uno de ellos que inspiró el documental Secretos Precarios: El thriller político en el Río de la Plata (SBS on Demand, 2025), filmado por Iván Cherjovsky. Esta es su primer novela.

           Como músico editó , además, tres álbumes: Rincones de allá (2019), Gringuinho y Las aventuras perdidas (ambos editados por Club del Disco, 2022), una musicalización del libro homónimo de Alejandra Pizarnik.

"Los horizontes más vastos del mundo", de Claude Levi-Strauss (FCE) 

      En 1935 un joven Claude Lévi-Strauss partió hacia Brasil para escapar de una carrera rutinaria como académico en Francia. En esa estadía, que se extendió hasta 1939, se desempeñó como profesor de sociología en la Universidad de San Pablo. Y ahí, con la curiosidad que lo caracterizaría toda su vida, descubrió la antropología, los estudios americanistas, a los poetas modernistas y a los pueblos indígenas.

    Las consecuencias de esa travesía son conocidas: sólido en sus investigaciones etnográficas, en particular sobre los caduveo, los bororo y los nambikwara, Lévi-Strauss se lanzó a una aventura que tuvo como resultado algunas de sus obras más importantes y significativas, con Tristes trópicos como su relato definitivo acerca de sus experiencias en Brasil.

      Este volumen incluye textos de ese período de efervescencia, que aparecieron en revistas, periódicos brasileños o estuvieron olvidados en cajones durante años, y que hasta ahora nunca se habían publicado en un libro.

        Además, contiene numerosos documentos iconográficos y recupera el estudio de cinco películas etnográficas que filmó junto a su primera esposa, Dina Dreyfus.

       “Los horizontes más vastos del mundo” ofrece un panorama fascinante de los años de formación de una de las figuras intelectuales más importantes del siglo XX.

       Claude Lévi-Strauss (Bruselas, 1908–París, 2009) fue uno de los exponentes más importantes del estructuralismo. Estudió filosofía y derecho en la Universidad de París y fue profesor de sociología en la Universidad de San Pablo.

         Entre 1950 y 1974 fue director de estudios de la Escuela Práctica de Altos Estudios en la Universidad de París, y en 1959 obtuvo la cátedra de antropología social en el Colegio de Francia. De sus obras, el FCE ha publicado El pensamiento salvaje, El totemismo en la actualidad y los dos primeros tomos de Mitológicas: Lo crudo y lo cocido y De la miel a las cenizas.

 

Cinco muestras retrospectivas de artistas plásticos argentinos cierran la temporada en el Centro Recoleta

  

 

ARTES PLÁSTICAS

        Se inauguraron en el  Centro Cultural Recoleta (CCR), las últimas muestras de este año:  "Antes del fulgor" de Valentín Asprella Lozano en la sala 6 y “KIKIN” de Juan José Souto en la sala 5; “Rocambole y el jardín de los fantasmas” por Ricardo Cohen en las salas 13 y 14, y las exposiciones dedicadas al maestro Carlos Gorriarena en la Sala Histórica y al escritor Carlos Busqued en las salas 2 y 3.

       En la Sala Histórica, a propósito del centenario del nacimiento de Carlos Gorriarena (20 de diciembre de 1925),(foto 2) el CCR rendirá homenaje al artista que formó parte de diez muestras colectivas dentro de la institución.

     En 2009, la Sala Cronopios albergó una exposición retrospectiva póstuma y hoy la Sala Histórica rendirá homenaje al maestro con la exhibición de  Vidriera  (2000, acrílico sobre tela) e  Irisada luz del atardecer (1977) de un artista fundamental que señaló las grandes encrucijadas de su tiempo: reclamos de justicia, burlas al hedonismo consumista, estigmatizaciones del poder, entre otras.

        En las  Salas 2 y 3 , el CCR rememorará el universo del escritor  Carlos Busqued con la muestra dedicada a la vida y obra de este escritor argentino de culto, fallecido en marzo de 2021.

       La muestra, curada por Juan Maisonnave, busca adentrarse en el complejo ecosistema material del autor que con solo dos novelas publicadas en vida ( Bajo este sol tremendo   y  Magnetizado ) construyó una de las obras más inquietantes y singulares de las primeras décadas del nuevo milenio.

        Esta exhibición póstuma reúne por primera vez los objetos personales que el escritor atesoraba no como una colección ordenada, sino como "restos, hallazgos y caprichos" que, según el curador, activaban su pensamiento creativo. Aeromodelos, cuadernos, libros subrayados, cómics, publicaciones y revistas, una mandíbula animal, un cuadro de Alack Sinner, sus remeras con leyendas o bandas de rock.

       En la Sala 5, Juan José Souto  —artista seleccionado en la convocatoria 2025 de la Recoleta— presentará “KIKIN ”, con curaduría de Javier Villa. Un proyecto concebido específicamente para la Recoleta donde las esculturas funcionan como dispositivos de revelación. Cada pieza explorará las formas en que la luz interactúa con la densidad operando como herramienta de conocimiento.

       En la Sala 6, Valentín Asprella Lozano,(foto 3) también seleccionado en la convocatoria CCR 2025, presentará “Antes del fulgor” (curada por Carla Barbero), una experiencia sensorial a través de un recorrido escultórico e instalativo, donde lo natural y lo sintético se vuelven una misma trama. Organismos híbridos se adentran en el imaginario de los procesos naturales de procesamiento y regeneración, eje central en la práctica del artista.

      En tanto, en  las Salas 13 y 14, Ricardo Cohen (foto 1)—más conocido como Rocambole—    presentará “Rocambole y El Jardín de los Fantasmas”, una exposición curada por Natalia Famucchi que reunirá una minuciosa selección de piezas documentales de la producción gráfica y plástica del artista.

       En el pasillo de Sala 13 se exhibirán obras originales que pertenecen a su trabajo para la banda de rock Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota (cuando se cumplen exactamente 40 años del lanzamiento del primer disco de Los Redondos,  Gulp!  ), mientras que en las Salas 13 y 14 podrán verse pinturas y acuarelas de diferentes momentos de su carrera.

          Las cinco muestras podrán disfrutarse hasta fin de año y durante los tres primeros meses de 2026 (salvo Rocambole, que concluye el 1 de marzo) a las 18 horas, con entrada libre y sin costo para residentes y argentinos de martes a viernes de 12 a 21 horas, sábados, domingos y feriados de 11 a 21 horas.

     La programación completa se puede ver en : http://www.centroculturalrecoleta.org/               

Hugo Fattoruso en trío, Antonio Hart y el Trío sin Tiempo cierran el año musical en Bebop Club

MUSICA

     Este fue sin dudas un año muy fructífero en cuanto a visitas de artistas del jazz y otros géneros. Pero en Bebop particularmente, se dieron cita las mejores expresiones de las distintas músicas populares. Por eso , asoma como un buen broche de oro la última semana con la presencia en el local de Uriarte 1658, de Palermo, de agrupaciones de alto nivel, tanto del jazz clásico y contemporáneo como de los sonidos rioplatenses y de fusión. Esta es la grilla de estos últimos shows:

UNNO TRÍO: Jueves 18 a las 20 y 22.30;  Domingo 21 a las 19 y 21.30.

      La formación más reciente de Hugo Fattoruso, junto a los jóvenes talentos Mateo Ottonello y Rolo Fernández, propone un encuentro donde el intercambio generacional es el motor creativo.

       Con el sonido montevideano como centro, el Unno Trío explora el candombe y lo fusiona con lenguajes contemporáneos, generando un universo musical vibrante, fresco y profundamente genuino. Libertad, vértigo y espiritualidad musical en un proyecto que honra la tradición uruguaya mientras la proyecta hacia el futuro. Entradas desde $15.000

ANTONIO HART con BEBOP BIG BAND :  Viernes 19 y sábado 20 a las 20 y 22.30 , y Lunes 22 a las 20.

     Bebop despide su temporada 2025 con tres funciones únicas junto al prestigioso saxofonista Antonio Hart, figura de la escena neoyorquina e integrante de la Dizzy Gillespie Big Band.

     Hart se presentará como solista invitado de la Bebop Big Band, dirigida por Mariano Loiácono, para celebrar el sonido poderoso, elegante y energético de las grandes orquestas de jazz de los años 40, en la tradición de Duke Ellington y Count Basie.

      Una experiencia inmersiva y majestuosa con dieciséis músicos en escena, que invita a vivir el jazz en su máxima expresión, como en los legendarios clubes de Nueva York. Entradas desde $35.000

TRÍO SIN TIEMPO: Viernes 26 y sábado 27 a las 20 y 22.30.

     Mariano Otero, Leo Genovese y Sergio Verdinelli presentan New York Session Vol. 2, su nuevo disco grabado en el mítico Rudy Van Gelder Studio (New Jersey), espacio histórico por donde pasaron figuras como John Coltrane y Herbie Hancock.

      Este regreso al vivo marca una nueva etapa para el proyecto, que expande la búsqueda sonora iniciada en New York Session Vol. 1 (2024) —primer registro del dúo Otero–Genovese— y que se consolida ahora como trío.

     Radicado en Nueva York, Genovese vuelve cada año para reencontrarse con Otero y Verdinelli, manteniendo viva una conexión artística que trasciende fronteras y el paso del tiempo. Trío Sin Tiempo es música sin estructuras rígidas: un espacio de libertad donde improvisación, escucha y poeticidad se vuelven protagonistas.  Entradas desde $13.000.

Dos obras que analizan desde distintas perspectivas los cuadros de situación en Cuba y Palestina

 

LIBROS

        El sociólogo cubano Frank García Hernández narra la historia política y social de la isla, entre la épica revolucionaria y la crisis actual. Desde la perspectiva de la izquierda crítica que no deja de crecer en la Cuba actual,” Cuba: una historia crítica (1959-2025). 65 años de revolución y contrarrevolución”, es una obra monumental y necesaria: historizar la Revolución cubana desde el levantamiento que le dio origen hasta la actualidad. 

     Lejos de la hagiografía y de la diatriba antirrevolucionaria, este libro permite recorrer las diferentes etapas, procesos, marchas y contramarchas de la Cuba socialista.

        La Revolución cubana es un mito y, se sabe, los mitos no se avienen a ser historiados. El autor, formado en la Cuba revolucionaria, logra taladrar esa estructura mítica y desarma creencias arraigadas.

       Con numerosas fuentes, muchas de ellas inéditas, indaga temas sensibles como la adscripción comunista del primer Fidel Castro, los motivos del alejamiento del gobierno revolucionario del Che Guevara, las causas de la radicalización política ininterrumpida del castrismo o la historia detrás de la Reforma Agraria.

       ¿Cómo vivió Cuba el fin de la Unión Soviética? ¿Cómo sobrevivió al “Período Especial”? ¿En qué momento Cuba comenzó a seguir el modelo chino? ¿Se encamina la isla hacia un capitalismo amparado en símbolos socialistas?

      Este ensayo reconstruye cómo la Revolución cubana –promesa de libertad y socialismo– desembocó en la crisis política que sacude hoy a la isla, sin borrar su camino heroico.

       Un libro imprescindible para comprender la verdadera complejidad histórica de Cuba y sus revoluciones, con profundidad y compromiso intelectual.

“Sobre los escombros de Gaza. Del ataque de Hamás a la destrucción planificada”, Elías Levy.

     Las artículos que componen este libro representan distintas formas de resistencia a un discurso que parece único en Israel: el de la guerra y la destrucción.

        Sobre los escombros de Gaza reúne por primera vez a intelectuales, militantes y periodistas israelíes que se oponen abiertamente a la brutalidad del gobierno de Benjamin Netanyahu, a la ocupación perpetua y al racismo institucional que han convertido a Gaza en un territorio devastado.

       Al mismo tiempo, el libro condena sin ambigüedades la violencia criminal de Hamás y su fanatismo teocrático, situándose en un lugar ético que rechaza el terrorismo y también la guerra planificada.

      Las voces convocadas conforman un mosaico de miradas que desafían el discurso monolítico de “seguridad” y destrucción que domina en Israel. Entre ellas aparecen sobrevivientes del 7 de octubre y habitantes de kibutz arrasados que, aun tras haber perdido todo, se mantienen firmes en el rechazo a la devastación sistemática y a la venganza.

        Se suman artistas palestinas-israelíes cuyas obras plásticas registran el duelo por niñas y niños asesinados, músicas perseguidas por negarse a actuar para el Ejército y fotógrafos que desde hace décadas documentan la ocupación y las masacres.

          El volumen también reúne análisis de economistas e historiadores que recorren la historia reciente de la región: Gaza como herida abierta desde 1948, el avance implacable de la colonización en Cisjordania y el derrumbe moral de una democracia que ya no consigue mirarse a sí misma.

      Elías Guillermo Levy (1967) se licenció en Sociología por la Universidad de Buenos Aires (UBA) y realizó estudios de posgrado en economía política. Es profesor de la carrera de Sociología, en la Facultad de Ciencias Sociales (UBA), y de la carrera de Abogacía, en la Universidad Nacional de Avellaneda (UNDAV). 

         Es compilador, junto con Daniel Feierstein, del libro Hasta que la muerte nos separe. Poder y prácticas sociales genocidas en América Latina (2004); autor y editor del libro de entrevistas Del país sitiado a la democracia. Diálogos a los 30 años (2013), entre otras obras.

Llegó al Bellas Artes “Ciencia y fantasía”, la muestra antológica sobre el legado artístico de Egipto

 

ARTES PLÁSTICAS

       Por primera vez se reúnen más de 180 piezas provenientes de colecciones egipcias públicas y privadas de nuestro país en la exposición “Ciencia y fantasía. Egiptología y egiptofilia en Argentina”, inaugurada en los últimos días en el Museo Nacional de Bellas Artes que por primera vez reúne en el Pabellón de exposiciones temporarias piezas de instituciones públicas y privadas relacionadas con esta antigua civilización.

        Con curaduría de los prestigiosos investigadores Sergio Baur y José Emilio Burucúa y el asesoramiento académico de los especialistas Diego M. Santos y Marcelo Campagno, la exhibición refleja el interés histórico y artístico que el Antiguo Egipto despertó en la cultura de nuestro país.

           Andrés Duprat, director del Bellas Artes expresó en la inauguraicón que : “Esta muestra ofrece una lectura histórica y crítica sobre la recepción del Egipto antiguo en nuestro país y celebra, así, la notable presencia que esa civilización tiene en la Argentina, en sintonía con el renovado interés que evidencian la reciente apertura del Gran Museo Egipcio en El Cairo y la exposición Egipto divino, del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York”.

         Y agregó: “A la vez, esta exhibición constituye un evento inédito tanto para el Museo Nacional de Bellas Artes como para el público argentino, pues se presentan por primera vez en la historia de la institución piezas egipcias que van desde antes del año 3000 a. C. hasta el siglo VI d. C”.

       Según Duprat “este invaluable legado cultural, integrado por máscaras, joyas, sarcófagos, papiros, estatuillas y amuletos pertenecientes a distintas dinastías faraónicas, se despliega aquí en diálogo con obras literarias, fílmicas y artísticas de los siglos XX y XXI, cuyos autores encontraron inspiración, desde nuestro país, en el imaginario del antiguo Egipto”.

    José Emilio Burucúa, co-curador de la muestra comentó: “Es muy gravitante la presencia de la Argentina en la egiptología, ya en el siglo XIX con los investigadores que coleccionaban libros sobre Egipto que después terminaron en la Biblioteca Nacional. Un interés que se ahonda en el siglo XX por viajeros como María Teresa Ayerza y Alfredo González Garaño, cuyas fotos de su viaje a Egipto en 1926 fueron la columna vertebral de esta muestra”.

       En tanto, Sergio Baur, el otro curador de la muestra, expresó: “La historia de Egipto se entrelaza con la historia política y cultural del país. Creo que esta exposición es como esos antiguos gabinetes de investigación. Espero que sean felices visitándola y adentrándose en el mundo de Egipto en la Argentina”.

Un patrimonio invalorable 

         En la sala puede verse, por primera vez reunido como conjunto, gran parte del patrimonio vinculado con el Egipto antiguo que se encuentra en el país, integrado por máscaras, joyas, sarcófagos, papiros, estatuillas y amuletos pertenecientes a distintas dinastías faraónicas, en diálogo con obras literarias, fílmicas y artísticas de los siglos XX y XX y un vasto corpus de documentos, libros, revistas, afiches y fotografías.

        Todas las piezas exhibidas pertenecen a las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo de Ciencias Naturales de La Plata, el Museo Nacional de Arte Oriental, la Colección Fortabat, el Museo Xul Solar, el Museo Municipal de Bellas Artes de Tandil, el Museo Etnográfico Juan B. Ambrosetti, entre muchos otros museos, salas y colecciones.

        La muestra toma como punto de partida el archivo documental y fotográfico reunido por Ayerza y González Garaño –hoy parte del acervo de la Academia Nacional de Bellas Artes–, que registra el viaje que el matrimonio argentino realizó por Egipto en 1926, en una época marcada por el impacto mundial tras el descubrimiento de la tumba de Tutankamón en 1922.

         La exposición también refleja la fascinación que el Antiguo Egipto despertó en intelectuales, artistas y científicos argentinos (figuras como Dardo Rocha, Lucio V. Mansilla, Oliverio Girondo, Xul Solar, Manuel Mujica Láinez o Jorge Luis Borges, entre otros), quienes incorporaron imágenes y símbolos de esta civilización en sus creaciones. En el presente, artistas contemporáneos como Facundo de Zuviría, Eduardo Costa y Karina El Azem resignifican ese legado desde lenguajes actuales.

      Como parte de la muestra, se exhibirán piezas audiovisuales, imágenes, croquis y dibujos de expediciones arqueológicas históricas y activas en la actualidad. También se proyectará en sala el documental "De la Nubia a La Plata”, escrito y dirigido por Ricardo Preve, que narra la misión liderada por Rosenvasser entre 1961 y 1963 en el complejo Aksha.

       “Ciencia y fantasía. Egiptología y egiptofilia en Argentina” puede visitarse en el Pabellón de exposiciones temporarias del Museo hasta el 1.° de marzo de 2026, de martes a viernes, de 11 a 19.30 (último ingreso), y los sábados y domingos, de 10 a 19.30.

       El Museo Nacional de Bellas Artes –que depende de la Secretaría de Cultura de la Nación y cuenta con el apoyo de Amigos del Bellas Artes–, está ubicado en Av. del Libertador 1473, Ciudad de Buenos Aires.

Aaron Parks Trio, una figura decisiva del jazz contemporáneo, llega al Bebop Club en cuatro funciones

 

MÚSICA

El pianista y compositor Aaron Parks, una de las figuras más influyentes del jazz contemporáneo, se presentará por primera vez en la Argentina el 15 y 16 de diciembre en Bebop Club, en dos funciones diarias: a las 20 y 22.30.

Conocido por su estilo lírico, sofisticado y emocional, Parks regresa al sello Blue Note Records con Little Big III, el más reciente álbum de su aclamado proyecto Aaron Parks Little Big, donde combina elementos del jazz moderno, el indie rock y las sonoridades orientales. En Buenos Aires se presentará en formato trío junto a Ben Street (bajo) y Eric McPherson (batería).

Desde su debut en Blue Note con Invisible Cinema a los 25 años, Parks ha sido elogiado por la crítica internacional —la BBC lo definió como “uno de los grandes discos de 2008” y JazzTimes lo llamó “un nuevo visionario”—.

A lo largo de su trayectoria ha colaborado con artistas como Terence Blanchard, Kurt Rosenwinkel, Terri Lyne Carrington, Ambrose Akinmusire y Marcus Miller, y es miembro fundador del cuarteto James Farm junto a Joshua Redman.

Su visita a Buenos Aires promete dos noches excepcionales, donde desplegará la sensibilidad, el virtuosismo y la libertad creativa que lo han convertido en una de las voces esenciales del jazz del siglo XXI.

       El concierto, en formato trío, promete ser un viaje musical que cruza fronteras estilísticas, convocando tanto a seguidores del jazz como a nuevas audiencias atraídas por propuestas frescas y profundas.

Maggie Cullen indaga en la identidad del folklore argentino y de toda América en su álbum "Décimas"

 

MUSICA

    La cantante Maggie Cullen viene presentando en distintos espacios su nuevo disco “Décimas”, el segundo de su trayectoria, integrado por 15 canciones que indagan en los sonidos del folklore argentino y la canción latinoamericana y que cuenta con la producción musical de Popi Spatocco y las colaboraciones de Raly Barrionuevo, Kevin Johansen e Ivonne Guzmán, entre otros artistas.

      El registro incluye gemas como El silbador (Castilla, Leguizamón);  El 180 (Acuña, Ruiz, Chazarreta);  Ay, carnaval (Cullen, Herrera);  Coplas del valle (Ramón Navarro) con Raly Barrionuevo; La sin pena (Marziali, Carnota); Décimas (Maggie Cullen),  El puente de los suspiros (Chabuca Granda, ) De qué callada manera (Guillén/Milanés) con Ivonne Guzmán  y hasta una despojada y hermosa versión de Cuando ya me empiece a quedar solo (Charly García

      “Décimas” confirma a Maggie Cullen  como la nueva voz del folklore y la canción latinoamericana, con una profundidad en su decir que la convierten en referente ineludible de una nueva generación de artistas que aborda el repertorio de raíz con una mirada propia.

     En este nuevo álbum Maggie ahonda en su faceta de compositora presentando canciones de su propia autoría, además de revisitar a algunos de los autores que influyeron en su formación como artista.

       Producido por Popi Spatocco, Décimas se compone de 15 canciones donde se despliega el universo interpretativo y musical de Maggie, quien combina en sus elecciones la música folklórica y los sonidos de nuestra cultura latinoamericana con una mirada sofisticada y contemporánea.

      “Trabajé dos años en Décimas y en ese tiempo de proceso creativo viví cambios muy personales e importantes para mí que derivaron en estas 15 canciones que hoy les comparto con mucha alegría”, dice Maggie sobre este estreno.

         “El disco fue pensado casi como una sucesión de Canciones del viento –mi anterior trabajo- y sigue en la misma línea de indagar en nuestra música latinoamericana. La particularidad de Décimas es que incorporé varias canciones propias, resultado de la experimentación en el desarrollo de una nueva herramienta expresiva. Así, hoy puedo compartir letras que hablan de mí sentir, de las cosas que elijo poner en valor, de lo que creo, construye, nuestra identidad”. 

     Maggie señala “a cada uno de los músicos que me acompañan en este camino, a Nacho Abad y a Seva Castro, compañeros de banda y arregladores, y a los hermosos invitados que se sumaron. Raly, querido amigo quien me invitó a grabar a Córdoba y le puso magia y corazón a la obra de Navarro; Kevin Johansen, con quien hacía mucho quería cantar y revolucionó el estudio con su  talento y creatividad e Ivonne, quien me regaló con su voz una versión original, potente y diferente del clásico cubano”.                                                                                                                 

       Maggie Cullen recorre un mapa de composiciones que atraviesa a obras y autores fundamentales de nuestra cultura argentina y latinoamericana. Luego de ganar los premios Gardel a mejor disco de Folklore por su álbum debut, “Canciones del viento” y como Mejor Canción de Folklore por su versión de “Canto versos” de Jorge Fandermole, Maggie está presentando su segundo disco, “Décimas”.

      En 2026 Maggie volverá al festival de Jesús María donde resultó Mención de honor 2025, regresará por cuarto año a Cosquín y seguirá recorriendo distintos escenarios presentando sus nuevas composiciones.

Carla Beretta expone su serie de acrílicos e instalaciones en la Casa del Bicentenario

 ARTES PLÁSTICAS

        Se inauguró en la Casa Nacional del Bicentenario, Riobamba 985, la muestra “Fui al río y lo sentía cerca de mí...”, la pintora Carla Beretta. La exposición reúne una serie de acrílicos sobre papel de seda, textiles e instalaciones que exploran el vínculo íntimo de la artista con el paisaje del río Paraná.

        A través de una poética visual que entrelaza materialidad, memoria y contemplación, Beretta propone una experiencia sensible que invita a detenerse, a escuchar el rumor del agua y a percibir lo que emerge en su superficie.

        Con texto de Ana María Battistozzi, la muestra podrá visitarse hasta el 22 de febrero de 2026 en el tercer piso y la vidriera de la Casa Nacional del Bicentenario, de miércoles a domingo entre las 15 y las 20.

       Carla Beretta nació en Rosario en 1965. Estudió en la Escuela Provincial de Artes Visuales Manuel Belgrano de Rosario y posteriormente cursó la Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad Nacional del Litoral de Santa Fe.

       Completó su formación con cursos y estudios libres de dibujo, pintura, técnicas gráficas y fotografía en diversos talleres de Rosario y Buenos Aires. También realizó residencias y clínicas de obra con artistas y críticos en centros e instituciones especializados.

           Participó en numerosas exposiciones y salones como, por ejemplo, las diversas ediciones del Salón Manuel Belgrano, Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, desde 2013; del Salón Nacional de Artes Visuales, Palais de Glace, desde 2014; del Salón Nacional de Grabado desde 2015; del Salón Nacional de Arte Textil desde 2018; de  Arte ba y de Ba photo desde 2013.

           Entre sus últimas presentaciones grupales cabe destacar Paraná (2025) junto con el artista Juan Sorrentino, Trama en América II (2024) y Trama en América I (2023), todas en Herlitzka & Co., Buenos Aires.

       Además participó en 2023 en  Ruido de agua, en el Espacio Cultural Universitario, Rosario; Río adentro, en el Museo de Arte Dr. Urbano Poggi de Rafaela, Santa Fe, y Sueño encendido, en Gabelich Contemporáneo, Rosario, en 2022; Paraná, en el Museo de Arte Contemporáneo Argentino de Junín, Buenos Aires, en 2021; Nocturnos, en Gabelich Contemporáneo, Rosario, en 2020.

         En ese último año participó del Gabinete 2020, estímulo a la producción artística rosarina, en el Museo Castagnino + Macro, de la I Bienal Internacional de Grabado y Arte Impreso-BIGAI, en el Palacio Ferreyra, Córdoba y de la IV Bienal de Arte Contemporáneo de Jerusalén, Israel.

       Sobre su producción, Carla cuenta: "Trabajo a partir de mis propias experiencias: los desplazamientos cotidianos y los viajes, las relaciones personales y los vínculos afectivos, lo que veo y siento en la naturaleza y en la sociedad. Utilizo los materiales que me rodean, como los papeles, las tipografías y los diseños; las herramientas, los materiales y todo aquello que pertenece al mundo de la gráfica; asimismo utilizo las telas, las calidades, las texturas y los estampados que forman parte del universo textil”.

     Explica además que “ Tomo fotos, imprimo o pinto telas y papeles, hago objetos con estos materiales y también los instalo produciendo inversiones o corrimientos de las especificidades y fronteras disciplinares. Sin embargo, aún con esa dominancia que, también, incluye juegos conceptuales, no me siento inserta exclusivamente en ninguna especialidad, sino que obro, muy genéricamente, como una artista visual".

La especial relación entre una madre, su hija y una biblioteca que tiene vida propia

 

TEATRO

         Paraiso Club, la innovadora comunidad de socios que financia y produce obras de teatro, danza y performance anuncia el estreno de su nueva producción: “Estos pequeños libros que quedan”, con autoría y dirección de la reconocida novelista, dramaturga y gestora cultural Cynthia Edul.

      La pieza ofrecerá nuevas funciones el 13 y 14 de diciembre a las 20 horas  en Arthaus Central  (Bartolomé Mitre 434, CABA) Además de las siguientes: sábados 15 y 22 a las 17 y sábado 29 a las 20. Domingos 16, 23 y 30 a las 20, y el martes 25 a las 20. 

         La obra, íntima y profunda, sumerge al espectador en el vínculo complejo entre una madre y una hija a través del prisma de una biblioteca con vida propia. La búsqueda de un objeto perdido en este laberinto de libros actúa como catalizador de un dolor que solo la literatura puede ayudar a nombrar.

      "La obra surge de una anécdota personal, que bien podría haber sido la consecuencia de haber leído mucho El Quijote. Entonces, fui a la biblioteca para encontrar en la ficción una forma de contar ese momento de mi vida", comenta  Cynthia Edul.

       Estos pequeños libros que quedan explora cómo las voces de poetas y escritores que habitan la biblioteca tejen imágenes y sentido para nombrar lo innombrable, desvelando capas de relaciones familiares y la historia de las mujeres.

      La escenografía presenta una biblioteca detallada que es casi una maqueta de ciudad, con libros que arman torres y conjuntos, y objetos que cuelgan, simbolizando los lazos e hilos invisibles que nos unen con lo que amamos y con lo que perdimos.

      Esta producción es el resultado del modelo de  Paraiso Club , una comunidad que transforma al público en productor del hecho artístico. A través de una membresía accesible, los socios financian la creación de una obra de teatro, danza o performance cada mes, y participan activamente del proceso creativo a través de talleres, debates y encuentros con los artistas.

       “El mundo, según Mallarmé, existe para un libro; según Bloy, somos versículos o palabras o letras de un libro mágico, y ese libro incesante es la única cosa que hay en el mundo: es, mejor dicho, el mundo”. Del culto de los libros, Jorge Luis Borges

      Protagonizan esta obra  Mónica Raiola, Agustina Muñoz e Ignacio Sánchez Mestre; con asistencia de dirección de  Amanda Minujin y música original de  Guillermina Etkin.

         Cynthia Edul  (1979) (foto) es novelista, dramaturga, directora de teatro y gestora cultural. Es licenciada en Letras por la Universidad de Buenos Aires (UBA) y en Dramaturgia por la Escuela Municipal de Arte Dramático (EMAD). Dirige la Maestría en Gestión de la cultura de la Universidad de San Andrés.

          Como curadora de artes escénicas, co-creó, Panorama Sur y en 2022 Paraíso club de artes escénicas. Es autora de las novelas La sucesión, La tierra empezaba a arder, último regreso a Siria, La Primera Materia  y de las obras de teatro  Miami, Familia Bonsái, A dónde van los corazones rotos  y El punto de costura.

 

 

 

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Tres noches de diciembre a pura murga con el regreso de Agarrate Catalina presentando su "Cantarola"

 

MÚSICA

       La murga uruguaya Agarrate Catalina, referente absoluto del género y uno de los proyectos culturales más queridos del Río de la Plata, vuelve a Buenos Aires con su formato Cantarola, una propuesta íntima, musical y profundamente humana.

         Tras su reciente paso por el Movistar Arena junto a Rubén Rada y luego de años recorriendo los mejores escenarios de Argentina, la murga uruguaya vuelve a la intimidad de La Trastienda, en el barrio porteño de San Telmo, los días 19, 20 y 21 de diciembre para despedir el año.

       El regreso tiene un gran valor simbólico: La Trastienda fue uno de los primeros escenarios argentinos que los recibió, cuando la murga recién comenzaba a conquistar al público porteño con su inconfundible mezcla de poesía, humor y crítica social.

        Desde entonces, Agarrate Catalina ha realizado más de 50 presentaciones en ese mítico espacio a lo largo de sus 24 años de historia , convirtiéndolo en uno de los lugares más entrañables de su recorrido artístico en Buenos Aires.

      El reencuentro en La Trastienda, en Balcarce 460, con entradas por Passline, desde las 20.30, promete ser una fiesta emocional, un repaso por canciones que ya son parte del imaginario rioplatense y una oportunidad para ver a La Catalina en su estado más puro: cantando, compartiendo y haciendo comunidad.

¿Qué es una Cantarola?

         Más que un concierto, es una celebración íntima y compartida. En Las Cantarolas, la murga deja de lado la teatralidad del género —el maquillaje, el vestuario, la puesta en escena— y se entrega a un encuentro más cercano.

        Son noches que se viven como una peña: repasando canciones emblemáticas de La Catalina , recorriendo la historia del carnaval uruguayo a través de repertorios de otras murgas y sumando la presencia de artistas invitados de distintos estilos. Todo en un entorno de mesas compartidas, con propuesta gastronómica incluida.

       Su más reciente espectáculo, “Terapia de Murga”, se presentó con enorme éxito en Uruguay y Argentina, incluyendo una noche histórica en el Movistar Arena de Buenos Aires junto a Rubén Rada.

        En esa puesta, Agarrate Catalina abordó con humor y sensibilidad los conflictos de una sociedad en crisis, cruzando música, teatro y reflexión colectiva. La repercusión fue masiva y reafirmó a la murga como una de las expresiones más potentes del teatro musical popular latinoamericano.

"Calma el fuego" un relato sobre la búsqueda de una hija entre la memoria y los recuerdos de su padre

 LIBROS

Calma el fuego, María Inés Bedia (Factotum)

      Un padre, sus cuadernos y una hija que busca entender. Con una prosa íntima y precisa, María Inés Bedia abre en “Calma el fuego” un territorio donde la memoria familiar se vuelve escritura y el duelo se convierte en lenguaje.

     La novela sigue la búsqueda de una hija: recuperar los cuadernos que su padre escribió durante su internación en un hospital psiquiátrico. Nadie sabe dónde están, nadie conoce lo que guardan, pero cada página ausente promete develar una verdad sobre ese hombre escindido entre la lucidez y la sombra.

        El relato es, a la vez, una investigación afectiva y un ejercicio de supervivencia: cómo narrar al padre, cómo descifrar sus silencios, cómo hacer literatura de aquello que duele. Entre recuerdos, escenas de infancia, preguntas sin respuesta y papeles perdidos, la protagonista se enfrenta a la complejidad de un vínculo marcado por la fragilidad y la intensidad.

       Como señaló Juan Diego Incardona, “Calma el fuego es un ejemplo de cómo la memoria se convierte en literatura… una búsqueda capaz de ordenar el caos del pasado y darle nombre al dolor innombrable”.

       Publicada por Factotum Ediciones dentro de la colección Fictio, Calma el fuego confirma la potencia literaria de María Inés Bedia (Campana, 1981), abogada por la Universidad de Buenos Aires, docente de talleres literarios y autora de “No destruya las señales” (La Crujía, 2023).

      Su recorrido personal y profesional está atravesado por una profunda relación con la memoria y los derechos humanos: trabajó en Abuelas de Plaza de Mayo y participó en numerosos juicios de lesa humanidad.

      En 2024, esta novela resultó finalista del Premio Hebe Uhart de Novela, organizado por Ediciones Bonaerenses, consolidándola como una de las voces más intensas y reveladoras de la narrativa argentina contemporánea.

     María Inés Bedia nació en Campana, provincia de Buenos Aires, en 1981.  Es abogada por la Universidad de Buenos Aires y docente de talleres literarios.  trabajó en Abuelas de Plaza de Mayo y participó en numerosos juicios de lesa humanidad.

"Tres tiempos", una historia de desencuentros familiares en la ópera prima de Marlene Grinberg

 CINE

        “Tres tiempos”, la ópera prima de Marlene Grinberg, será estrenada el 11 de diciembre en cines argentinos. El film tuvo su presentación en la Competencia Argentina del [40] Festival Internacional de Cine de Mar del Plata

     En una casa entre las montañas frente a un lago espejado viven Emma y su nieta adolescente Alicia. Emma le inculca su pasión por la danza y la cría como una madre, pero Alicia es presa de su crianza controladora.

         La llegada inesperada de Bárbara, madre de Alicia e hija de Emma altera la rutina de su pequeño mundo. Durante la convivencia emergen tensiones, deseos y secretos; y poco a poco, como en un juego de espejos, los roles de las tres generaciones de mujeres se desdibujan, se intercambian y se resignifican.

     El elenco está integrado por Mara Bestelli, Florencia Dyszel, Violeta Postolski, y Fernado Contigiani. Se trata de una coproducción entre Argentina, Chile, Uruguay y Francia, con guión y dirección de la misma Marlene Grinberg.

     La directora señala sobre su película que “me interesa explorar el límite de “lo real”, donde los roles se desdibujan, el pasado irrumpe en el presente y las ausencias se vuelven presencias.

     Agrega que “El otro lado del espejo” funciona como espacio simbólico donde se resignifican vínculos, mandatos y lugares comunes. Desde esa óptica concebí el universo de Tres tiempos en clave de cuento, donde los personajes emergen desde arquetipos familiares para romperlos, cuestionarlos y habitarlos en primera persona”.

    Señala que “mi primer contacto con el arte fue a través de la danza, comencé a estudiar danza a mis cuatro años. Puedo decir que mis grandes maestras de vida son bailarinas. De ahí nace la voluntad de querer contar una historia a través del movimiento de los cuerpos. La vida en relación a la danza. Bailar la vida.

    Marlene se pregunta: “¿Qué significa ser madre? Ser o no ser madre marca nuestra vida como mujeres. Y más aún, nuestras vidas están determinadas por las etiquetas de nuestra familia. Incluso antes de ser madres, hijas o abuelas, somos mujeres. De ahí la idea del espejo invertido de las generaciones”.

          Marlene Grinberg es directora y guionista argentina. Graduada en Diseño de Imagen y Sonido de la UBA. Trabaja en la industria del cine desde 2012 en las áreas de dirección y guión (trabajó con directores como Pablo Fendrik, Jeanine Meerapfel, Sebastián Borensztein, Martin Piroyansky, entre otros).

         Realizó los cortometrajes Mi reina (Festival de Montevideo, Ventana Sur), Hoy empieza otra vez (Bafici, La mujer y el cine) y Todas mis Lolas (Marché du film, Primeiro Plano Brasil). Y co-dirigió el documental Me gusta cuando hablas" (Fidba).

       “Tres tiempos”, su ópera prima, participó de los siguientes festivales: [40] Festival Internacional de Cine de Mar del Plata 2025 (Competencia Argentina, Argentina); [54] Festival Internacional Molodist 2025 (Competencia internacional, Kyiv, Ucrania); [40] Festival Iberoamericano de Trieste 2025 (Trieste, Italia); [13] Festival Internacional Rizoma 2025 (Competencia iberoamericana, Madrid, España).