viernes, 13 de marzo de 2026

Andrés Cedrón y un testimonio sobre las heridas del extractivismo en su nuevo documental

 



CINE

         A partir del 25 de marzo comenzará a exhibirse el nuevo documental de Andrés Cedrón, "Argentina sangra por las barrancas del río Paraná".

        El realizador de “La Caracas” (2012), “Cuellos blancos, el caso Vicentin” (2024) y “Brigadistas” (2025), vuelve al documental con un film basado en el libro homónimo de Luciano Orellano, con una producción independiente que continúa y profundiza la línea de investigación iniciada en Cuellos Blancos, el caso Vicentin

      La película se presenta como una denuncia cinematográfica urgente, sobre las heridas profundas que el modelo neoliberal extractivista ha dejado en el cuerpo social argentino. A través de una mirada comprometida, el documental aborda la pobreza estructural, el saqueo territorial y las luchas contemporáneas por la soberanía.

       Con testimonios de referentes sociales, trabajadores, académicos y habitantes de los territorios afectados, la narrativa conecta conflictos locales con problemas estructurales del país, visibilizando un modelo que empobrece a las mayorías mientras concentra la riqueza en manos de grandes corporaciones y capitales extranjeros.

         A más de treinta años de la privatización del río Paraná durante el menemismo, distintos sectores sociales vuelven a organizarse frente a una nueva amenaza de entrega a intereses foráneos (el próximo mes de abril se resuelve la nueva licitación de la mal llamada “Hidrovía”). La profundización del río aparece como un riesgo concreto de ecocidio, con consecuencias ambientales, económicas y sociales de escala irreversible.

      La soberanía sobre los ríos y el mar, así como la soberanía alimentaria, se constituyen como ejes centrales de la lucha de movimientos y organizaciones que, aunque fragmentadas, permanecen activas y en resistencia.

      Andrés Cedrón se inscribe en una tradición cinematográfica argentina que tiene sus raíces en los pioneros del cine político nacional. Su motivación para realizar Argentina Sangra surge del trabajo que aprendió junto a cineastas como Pino Solanas y Coco Blaustein.

        Uno de los elementos artísticos centrales de Argentina sangra por las barrancas del río Paraná es su música, a cargo del histórico Cuarteto Cedrón, referencia de la canción popular argentina. Bajo la dirección de Juan Tata Cedrón, no actúa solo como gran acompañamiento musical, sino que además vincula la historia presente con una memoria cultural atravesada por las luchas populares.

       Tras la censura del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) al documental Cuellos blancos, el caso Vicentin en agosto de 2024, el nuevo film fue realizado de manera independiente. Aun así, iniciará su recorrido en cines comerciales, circuitos alternativos, organizaciones e instituciones que lo proyectarán como una herramienta cultural y política en defensa de nuestra cultura.

En su primera semana de estreno se exhibirá en:

     CABA el 25 de marzo a las 20 horas En el Centro Cultural y de Capacitación Pr, Dr, Ramón Carrillo, de la Asociación de Médicos de la Actividad Privada, calle Venezuela 1283, CABA.

     Rosario el 26 de marzo a las 20 horas en el Teatro de la Asociación de Empleados de Comercio de Rosario, calle Corrientes 450, Rosario y el  9,10 y 11 de abril a las 20.30 en Cine El Cairo. Santa Fe 1120

      Mar del Plata el 27 de marzo a las 20 en la Sala Ástor Piazzolla, Teatro Auditórium. Avenida Patricio Peralta Ramos 45, Mar del Plata.

       Ciudad de Santa Fé el 30 de marzo a las 20 en el Cine América, calle 25 de Mayo 3075, Ciudad de Santa Fe.; en Reconquista el 31 de marzo a las 21, Cine Teatro Español, calle Habegger 565, Reconquista, Provincia de Santa Fe. Y en Necochea el 10 de abril a las 20.

Una variada oferta de muestras temporarias y permanentes propone el Museo de Bellas Artes en marzo

 



ARTES PLÁSTICAS

           El Museo Nacional de Bellas Artes propone en el mes de marzo una programación de actividades gratuitas pensadas para que todos los públicos puedan disfrutar de la colección permanente y de la exitosa muestra “Ciencia y fantasía. Egiptología y egiptofilia en la Argentina”, que podrá visitarse hasta el 19 de abril en el Pabellón de exposiciones temporarias.

              La exhibición, curada por los investigadores Sergio Baur y José Emilio Burucúa, que presenta una selección de más de 180 piezas egipcias pertenecientes a colecciones de nuestro país, ofrecerá visitas guiadas los martes, miércoles y viernes a las 18, y los sábados y domingos a las 14 y a las 16.

            Además, continúa en la muestra el taller de dibujo en sala para adolescentes y adultos “Bocetos guiados”, que se realiza los jueves a las 18, y los recorridos en Lengua de Señas Argentina (LSA), destinados a la comunidad sorda, todos los miércoles a las 15 y los domingos 1°. y 15 de marzo a la misma hora.

         En cuanto a las visitas guiadas por la colección permanente, el ciclo “Los imperdibles del Bellas Artes” (martes a las 18) pone el foco en las obras emblemáticas del acervo, mientras que “Desafíos del siglo XX” (viernes a las 18) ofrece un recorrido dedicado a las vanguardias artísticas de este período.

          Como parte de las actividades accesibles, el sábado 28 de marzo, a las 11, se realiza la visita guiada para personas ciegas o con baja visión “El retrato en tus manos”, un acercamiento a diferentes piezas escultóricas mediante el tacto y el relato.

        Los sábados y domingos a las 17 también hay más actividades para familias: “Historias entre telas y botones”, con narraciones de cuentos a partir de obras de la colección, y “Una aventura en colores: azules profundos”, para descubrir sensaciones y sentimientos escondidos en las pinturas.

Muestras temporarias y visitas guiadas

        Ciencia y fantasía. Egiptología y egiptofilia en la Argentina; Curaduría: Sergio Baur y José E. Burucúa.Hasta el 19 de abril. Pabellón de exposiciones temporarias.

         Próximamente: Eugenio Dittborn. Historias del rostro; Curaduría: Justo Pastor Mellado. Inauguración: Jueves 19 de marzo, a las 19. Primer piso.

       Como visitas guiadas se proponen “Los imperdibles del Bellas Artes” . A 130 años de la inauguración del Museo Nacional de Bellas Artes, se invita al público a conocer las obras más emblemáticas de la colección. A cargo de Gabriela Canteros y Pablo Hofman. Martes 3, 10, 17 y 31 de marzo, a las 16.

       “Auguste Rodin. Cuerpo y movimiento”. Un recorrido por las obras del afamado artista francés que, con su estilo expresivo y transgresor, transformó la escultura tradicional, abriéndose paso hacia la modernidad.

        Gracias al ojo agudo del primer director del Museo, Eduardo Schiaffino, el Bellas Artes cuenta con piezas fundamentales de Rodin que nos reciben en la sala central de la planta baja. A cargo de Daniela Guido  y Pablo Hofman. Miércoles de marzo, a las 16.

       Paseo de las Esculturas. Este recorrido guiado propone sumergirnos en las obras del Paseo de las Esculturas, al aire libre. Abordaremos creaciones tan diversas como “El arquero”, de Émile Antoine Bourdelle, o “Marejada”, de Noemí Gerstein. A cargo de Gabriela Canteros y Florencia Stáffora. Jueves de marzo, a las 16.

          “Desafíos del siglo XX” . Rupturas y continuidades. Un recorrido para mirar desde diferentes perspectivas, profundizar y cuestionar algunos de los nuevos lenguajes y materialidades que se gestaron en las artes visuales del siglo XX.   A cargo de Daniela Guido, Florencia Stáffora y Ana Lobeto.Viernes de marzo, a las 16.

jueves, 12 de marzo de 2026

Cien funciones de "La Revista del Cervantes" , y una obra que homenajea a Alejandro Zingman

 



TEATRO

          La Revista del Cervantes llega a su función número cien en la sala María Guerrero del Teatro Nacional Cervantes, con récord de ventas durante la temporada 2025 y más de setenta mil espectadores.

       “La Revista del Cervantes”, con libro original de Alfredo Allende, Sebastián Borensztein, Juan Francisco Dasso, Marcela Guerty y Juanse Rausch, dirección musical de Fernando Albinarrate, dirección coreográfica de Andrea Servera y dirección general y puesta en escena de Pablo Maritano, se puede ver en la sala María Guerrero del TNC.

       El elenco, por orden de aparición lo integran Monina Bonelli, Carlos Casella, Marco Antonio Caponi, Sebastián Suñé, Mónica Antonópulos, María Rojí, Javier Marra, Fabián Minelli, Iride Mockert, Fran Andrade, Nacho Pérez Cortés, Romina Groppo, Jessica Abouchain, Pablo Fusco, Julia Montiliengo y Pedro Velázquez. También participan la Compañía Nacional de Danza Contemporánea y la Orquesta del Cervantes.

       La obra se presenta de jueves a domingo a las 20 horas hasta el 31 de mayo., con  Palcos y platea: 35.000 pesos. Platea balcón: 30.000 pesos. Tertulia: 20.000 pesos. Descuento a jubilados y estudiantes. Las entradas están disponibles en Alternativa Teatral y en la boletería del TNC (Libertad 815).

       Gonzalo DeMaria, titular del TNC dice que   "Nuestro teatro nacional se lo debía. Revisitar la revista, espectáculo popular que dio a nuestra escena grandes artistas pero al que se mira por encima del hombro, es rescatar nuestro patrimonio teatral.

        Aclara que “para decirlo rápido y simple: la revista es la contribución más importante del teatro argentino a la cultura pop. Esta afirmación puede escandalizar porque lucha contra prejuicios de un siglo y medio, cuando nacía el llamado “género chico”.

          Muchas veces se anunció la muerte de la revista. Sin dudas, aquella que hizo glorioso al género ya no existe. Pero revisar su legado y ponerlo en valor es reconocer su importancia histórica y asumir nuestra cultura.

    “La Revista del Cervantes” es un espectáculo que celebra el esplendor de los años locos en Argentina y recrea un mito. El trabajo de curaduría involucró una investigación archivística y el rescate de partituras originales que la orquesta volverá a hacer sonar después de un siglo. En la obra desfilan los principales referentes del género, entre ellos el inolvidable Tato Bores.

            La puesta tiene colaboración artística de Carolina Basaldúa, diseño de iluminación de Verónica Alcoba, diseño de escenografía de Andrea Mercado, diseño de vestuario de María Emilia Tambutti, coreografía de Andrea Servera, coreografía de tap de Florencia del Rivero, diseño audiovisual de Juan Selva, diseño de sonido de Ariel Gato y Camilo Zentner, arreglos musicales de Fernando Albinarrate y Gerardo Delgado, arreglos vocales de Fernando Albinarrate, orquestación y transcripción de partituras, pianista de ensayos y grabación de Gerardo Delgado y transcripción de partituras de Bárbara Gargiulo.

"El ávido espectador", humor entre amigos

    Un grupo de amigos se reúne a comentar la obra de teatro que acaban de ver. Como en un absurdo juego de cajas chinas, el espectador se irá dando cuenta de que no todo es lo que parece y que la “alegre e intrigante” obra que vieron tiene mucho de ellos mismos.

       Alejandro Zingman, con el humor que lo caracterizaba, escribió su obra póstuma en homenaje al teatro, a sus espectadores y a la generación de la cual formó parte.

        Más allá de mis amores y desamores con el teatro, siempre quise defenderlo. Porque es una fuente de virtudes y un arte que no puede dejar de admirarse por su nobleza que resiste a los siglos, y porque siempre estuvo a mano para multiplicar el sentido de la experiencia humana.”

      Zingman, quien falleció en enero de 2024 a los 58 años, estudió de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD) en 1989. Impartió clases de actuación en el Centro Cultural Rojas, en el Teatro General San Martín, entre otros lugares. Fue miembro de la Asociación Argentina de Actores y Actricesy yparticipó de diversas obras como actor y director teatral.

    Con Carolina Adamovsky, Javier Lorenzo, Juliana Muras, Analía Sánchez, Mariano Sayavedra y Carolina Tejeda, se puede ver de jueves a domingos a las 21 horas, hasta el 10 de mayo, en el Teatro Cervantes.

          Colaboración artística Gabriel Baigorria; diseño sonoro y composición musical Marcelo Katz; diseño de iluminación Alejandro Le Roux; asistencia de iluminación Magalí Perel; diseño de vestuario Mariana Seropian; diseño de escenografía Cecilia Zuvialde, con producción de Romina Ciera y dirección de Carolina Adamovsky

 

 

viernes, 6 de marzo de 2026

El Ballet Contemporáneo del TSM presenta "Stekelman en tres tiempos", en el Parque Centenario

 




MÚSICA

    Después del éxito en el Teatro San Martín, desde el viernes 6 al domingo 8 de marzo a las 20 horas, el Ballet Contemporáneo —dirigido por Andrea Chinetti y codirigido por Diego Poblete— presentará nuevamente Stekelman en tres tiempos en el Anfiteatro de Parque Centenario, en Leopoldo Marechal y Av. Lillo. 

         Se trata de una retrospectiva integrada por tres obras de la gran coreógrafa que supo combinar como nadie el tango y la danza contemporánea: Bailando en la oscuridad (1988), el dúo Romance del diablo (2001) y La consagración del tango (1998). Siempre con entrada sin costo, hasta completar la capacidad del Anfiteatro.

          Los integrantes del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín son Constanza Agüero, Brenda Arana, Camila Arechavaleta, Adriel Ballatore, Lucía Bargados, Juan Camargo, Carolina Capriati, Matías Coria, Francisco De Assis, Lautaro Dolz, Rodrigo Etelechea, Fiorella Federico, Gastón Gómez, Darcio Gonçales, Jonás Grassi, Alejo Herrera, Benjamín Lameiro, Daniela López, Vicente Manzoni, David Millán, Silvina Pérez, Boris Pereyra, Eliana Picallo, Andrea Pollini, Lara Rodríguez, Rubén Rodríguez, Damián Saban, Ivana Santaella, Manuela Suárez Poch, Camila Vanoni, Federica Wankiewicz, Catalina Weber y Antonella Zanutto. Las asistentes coreográficas son Elizabeth Rodríguez y Melisa Buchelli.

      “Para la Dirección del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, dedicar un programa a la retrospectiva de las obras de Ana María Stekelman en la temporada 2026 es un gesto fundamental de reconocimiento y de construcción de identidad”, afirman Andrea Chinetti y Diego Poblete, responsables de la compañía de danza del San Martín.

       “Su lenguaje coreográfico —riguroso, inventivo y profundamente ligado a la historia estética de nuestra compañía— marcó hitos que definieron el perfil del Ballet y ampliaron los horizontes de la danza contemporánea argentina. Revisitar estas piezas no sólo permite poner en valor un legado creativo de enorme vigencia, sino también ofrecer al público nuevas lecturas sobre obras que continúan dialogando con el presente".

El programa está integrado por las siguientes coreografías: "Bailando en la oscuridad", Dúo Romance del diablo (fragmento del espectáculo Bocca Tango), Música: Astor Piazzolla; "La consagración del tango", música: Igor Stravinski, Astor Piazzolla. Reposición coreográfica: Andrea Chinetti, Melisa Buchelli, Diego Poblete  

      Fundadora del Ballet Contemporáneo y del Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín, creadora de la compañía Tangokinesis, es además docente invitada en el American Dance Festival (Estados Unidos), Centre National de la Danse (Lyon, Francia) y Jacob´s Pillow (Estados Unidos). 

       Realizó numerosas obras para el Ballet Contemporáneo, para el bailarín Julio Bocca y el Ballet Argentino, para el Teatro Colón, Tangokinesis y renombradas compañías de ballet en el exterior. Fue la única coreógrafa argentina que recibió la invitación para que su compañía cierre el Festival de Avignon en el Palais des Papes.

       Su obra La consagración del tango se estrenó mundialmente en la Ópera Garnier de París. En cine creó escenas coreográficas de la película Tango de Carlos Saura y la coreografía de la secuencia de ballet de la película Tetro de Francis Ford Coppola. En el exterior recibió el American Choreography Award (Estados Unidos) y la nominación al Premio Benois de la Danse otorgado en el Teatro Bolshoi de Moscú.   

       Con casi 50 años de existencia ininterrumpida (1977 a la actualidad) el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín está considerado como la compañía de danza más importante de la Argentina. Actualmente dirigido por Andrea Chinetti y codirigido por Diego Poblete, en distintos períodos lo condujeron Ana María Stekelman, Oscar Araiz, Mauricio Wainrot, Norma Binaghi, Lisu Brodsky, Alejandro Cervera y Miguel Ángel Elías (como codirector).

          Ha sido distinguida en distintas oportunidades: entre otras, Premio del Consejo Argentino de la Danza en 1990; Premios Konex de Platino en 2009 y 2019, en la categoría “Compañía de danza”; Mención especial del Premio Luisa Vehil en 2022 por Cantata de Mauro Bigonzetti; Premio Teatro del Mundo por Mujeres en red de Andrea Chinetti, Folia de Mourad Merzouki y Colossus de Stephanie Lake en 2024, y Premio Martín Fierro a la Trayectoria en la Danza Contemporánea Argentina en 2025.

 

viernes, 27 de febrero de 2026

El Centro Recoleta presentó su año con foco especial en tres grandes figuras de la cultura argentina

 



TODAS LAS ARTES

        El Centro Cultural Recoleta (CCR) realizó el lanzamiento de la programación 2026, con el anuncio de los principales ejes del año en materia de artes visuales, música, cine y literatura, que estarán signados por la celebración de tres figuras clave de la cultura popular argentina: el escritor Jorge Luis Borges, el artista visual Federico Klemm y la gran creación de Quino, el personaje de Mafalda.

      El acto contó con la presencia de la ministra de Cultura de la Ciudad, Gabriela Ricardes; el director de la institución, Maximiliano Tomas; el equipo de programación del CCR y la asistencia de artistas visuales, músicos, escritores, representantes de embajadas y organismos extranjeros, y diversos referentes del ámbito de la cultura local.

       Gabriela Ricardes dio la bienvenida al público asistente y destacó los principales ejes del Recoleta en 2026 poniendo énfasis en el homenaje al escritor Jorge Luis Borges, cuando se cumplen 40 años de su muerte, precisamente en el Auditorio El Aleph, conocido popularmente como “La Capilla”.

        “El CCR se supera cada año, con una programación de altísimo nivel. Esta temporada se destacan la exposición de Federico Klemm, la muestra inmersiva de Mafalda y la que conmemora los 40 años del fallecimiento de Borges. Todas estas expresiones componen un collage, un caleidoscopio donde se conjugan y se articulan distintas facetas de nuestra cultura porteña. En ese sentido la programación, más que un conjunto de acciones es una visión que las potencia y las carga de sentido”, expresó la titular de Cultura..

     Por su parte, Maximiliano Tomas, hizo un repaso por las principales propuestas del año que abrirá, en el mes de abril, con una gran exposición dedicada al legado de Jorge Federico Klemm: artista, mecenas, coleccionista, performer, galerista y figura central de la escena cultural y mediática argentina.

        La muestra antológica será realizada en coproducción con la Fundación Klemm, reunirá más de noventa obras, contará con la curaduría de Federica Baeza, Guadalupe Chirotarrab y Santiago Villanueva y estará en diálogo con las exhibiciones y performances emblemáticas de Klemm, algunas de las cuales tuvieron lugar en el CCR durante los años 90 y 2000.

        “Por otro lado, estamos trabajando desde hace meses junto a la Fundación Borges y un comité de especialistas para inaugurar en mayo una gran exposición sobre Borges que ocupará los 800 metros cuadrados de nuestra sala principal, la Cronopios, donde vamos a abordar su obra y su figura desde todos los ángulos posibles”.

       La exposición estará curada por Rodrigo Alonso y Daniel Fischer y contará con la colaboración de críticos e investigadores como Pablo Gianera, Lucas Adur, Germán Álvarez, Laura Rosatto, Gonzalo Aguilar, Matías Bauso, Patricio Zunini, Mariela Blanco y Martín Hadis.

Borges y sus fervores artísticos

    La celebración de Borges se extenderá a otras disciplinas del Recoleta como la musical (con el ciclo “Fervores y caprichos musicales de Borges” que en agosto incluirá la música que a Borges le gustaba y también la que aborrecía, de Johannes Brahms a Claude Debussy); la cinematográfica (que incluirá una retrospectiva de uno de los directores que más elogió el escritor: Josef von Sternberg) y la literaria, por supuesto, con el ciclo de charlas y ponencias Borges 360°, que irá de abril a octubre.

        Otros hitos a destacar de la programación de artes visuales son dos exposiciones que reconocerán la obra de artistas contemporáneos argentinos. En mayo se presentará por primera vez en Buenos Aires —con curaduría de Carla Barbero— una exposición individual institucional de Liv Schulman (Buenos Aires, 1985), artista de amplio reconocimiento internacional.

      En segundo lugar, con curaduría de Javier Villa, se presentará el Archivo Caminante de Eduardo Molinari (Buenos Aires, 1961), que propone un recorrido sensible por los legados visuales y gráficos de los imaginarios poético-políticos juveniles que incluirá instalaciones, collages, dibujos y fotografías intervenidas.

        Además, se rendirán homenajes en la Sala Histórica a las artistas Mireya Baglietto y Renata Schussheim, y se profundizará el diálogo con la cultura visual contemporánea a través de los artistas seleccionados en la convocatoria anual, abierta y federal.

       Y habrá al menos dos exposiciones de alcance internacional junto con instituciones y artistas extranjeros. En octubre se inaugurará una muestra individual de Marco Giordano curada por Javier Villa y Michele D'Aurizio, con el apoyo del Italian Council y Creative Scotland. Y en agosto se presentará una exposición del histórico conceptualista español Isidoro Valcárcel Medina con curaduría de Ferrán Barenblit y en coproducción con el CCEBA.

Mafalda y sus amigos

        También en octubre, el CCR recibirá en la sala Cronopios a la entrañable Mafalda, gran creación de Joaquín Lavado (Quino), en una iniciativa público-privada que ofrecerá una muestra de carácter inmersivo.

        Serán 15 salas para recorrer con proyecciones animadas, mapping, realidad virtual multiusuario de última generación, espacios de juegos interactivos, pantallas con animaciones, esculturas volumétricas de Mafalda, Susanita, Felipe, Manolito, Libertad, Guille, Miguelito y cientos de objetos icónicos para los fanáticos de la tira. La experiencia “Mafalda inmersiva” fue desarrollada durante dos años y medio por un equipo que trabajó desde la Argentina, España y Gran Bretaña, se podrá visitar desde octubre de 2026 y hasta marzo de 2027, y luego recorrerá ciudades como Madrid, Barcelona, CDMX, Roma y París, entre otras.

      Otros hitos destacados de la programación del CCR en el segundo semestre serán la Bienal de Arquitectura (septiembre); en octubre una gran exposición antológica de Mauro Guzmán (Rosario, 1977) que ofrecerá un recorrido amplio por su producción, donde confluyen el cine experimental, el teatro under, las prácticas camp, la estética trash y los lenguajes de la circulación digital contemporánea; en noviembre una nueva edición de la muestra de fotoperiodismo internacional World Press Photo; y finalmente el desembarco del gran coreógrafo Oscar Araiz con un estreno, “Quimera”, ejercicio escénico en cinco visiones sonoras que tendrá lugar en el escenario de La Capilla.

       El equipo curatorial del CCR está integrado por Javier Villa, Carla Barbero y Verónica Otero (artes visuales), Pablo Gianera y Laura Morgado (música), Leonardo D’Espósito (cine), Juan Maisonnave (literatura) y Lucía Roitbarg (talleres).

      El Centro Cultural Recoleta se puede visitar, con entrada libre y sin costo para residentes argentinos, de martes a viernes de 12 a 21, sábados, domingos y feriados, de 11 a 21 horas, siempre en Junín 1930. La Programación completa se puede encontrar en  http://www.centroculturalrecoleta.org/.

 

 

 

La agenda teatral porteña de marzo incluye varios unipersonales para no dejar de ver

 




TEATRO

“BOY”, unipersonal con Boy Olmi. 65’.

       Después de realizar una gira de verano por la costa argentina y uruguaya, se volvió a instalar los jueves de febrero y marzo en el Teatro Picadero, Enrique Santos Discépolo 1857, el unipersonal “Boy” que protagoniza el actor Boy Olmi.

      Un hombre se para en un escenario. No está actuando. No está dando cátedra. Vino a decir la verdad. A esta altura de su vida Boy Olmi se pregunta quién es. Si es su profesión, sus vínculos, sus heridas, sus recuerdos o todo eso mezclado.

        Con humor, con crudeza y con la calma de quien ya no necesita impresionar a nadie, comparte una historia personal que, en el fondo, podría ser la de cualquiera. Con las herramientas del teatro este experimento sorprendente, que no tiene nada de ficción, nos recuerda que, a veces, la pregunta es más importante que la respuesta.

“OKASAN, Diario de viaje de una madre”, con Carola Reyna. 75’

⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠      Una mujer viaja por primera vez a Japón para visitar a su único hijo que se fue a vivir a ese lejano país. En medio de esa cultura tan bella y extraña descubre que su hijo es parte de ese paisaje nuevo y desconocido.

      El viaje se convierte en la aventura de encontrar quién será ella a partir de ahora. La obra incluye poemas de Mori Ponsowy de su libro “Enemigos afuera”     

       Con dirección y adaptación de Paula Herrera Nobile, y la colaboración de Sandra Durán y Carola Reyna. En el Teatro Picadero, los días viernes 13 y sábado 14 de marzo a las 20, y el lunes 23 también a las 20.

“LA ROCA”, unipersonal de Nelson Rueda, dramaturgia y dirección de Ariel Gurevich. 65’.

      ¿Se puede grabar en piedra lo que no se alcanzó a vivir? ¿El padre de la clase popular tiene derecho a la representación?  Nelson vuelve cada año a Mar del Plata. Allí encuentra una roca y con ella, un diálogo con su padre, con su clase social, con un país. Lo que parecía sellado por el dolor, empieza a hablar.

      “La Roca” entrelaza lo íntimo y lo social, el duelo personal y la memoria colectiva. Parte de una experiencia autobiográfica – la muerte temprana del padre del actor– y se expande hacia una reflexión sobre la figura paterna y la memoria, vistas a través del verano y Mar del Plata.

        El cuerpo del hijo se transforma en médium, soporte y archivo. Es un diálogo imposible. Una manera de hacer brotar agua de las piedras. Y de decirle al padre impenetrable que su historia también importa, que todavía puede ser escuchado.

       Este espectáculo cuenta con el apoyo de PROTEATRO. Todos los sábados a las 20 en Espacio Callejón, Humahuaca 3759

“D-TEST”, con dramaturgia y dirección de Ernesto Kullock. 65’

    ¿No soy un robot, o sí? Una sala de interrogación. Una prueba de empatía. En un futuro regido por protocolos de vigilancia, la humanidad debe demostrarse.

      “D-TEST” surge del renovado desafío de preguntarse dónde termina la máquina y comienza lo humano. Situada en un espacio claustrofóbico y articulada a partir de un juego de investiduras, su trama explora la identidad, la memoria y el libre albedrío.

     Al preguntarse qué nos vuelve humanos, desdibuja la línea entre lo real y lo simulado, entre lo vivo y lo programado, y nos obliga a reconocer aquello que ya es imposible negar: la sensibilidad de las criaturas artificiales.

      Mark se especializa en detectar androides encubiertos. Es difícil de engañar. Domina el test como nadie. Pero nunca conoció a alguien como Vik. Cuando la entrevista se vuelva un enfrentamiento, el resultado ya no estará bajo control.

      Obra Ganadora del Concurso Contar 8 /AADET. Todos los sábados de marzo a las 22 horas en Espacio Callejón, Humahuaca 3759.

“SERÉ”, una obra de Lautaro Delgado Tymruk y Sofía Brito. 75’

       Desde marzo vuelve por únicos 8 sábados a las 19 horas, en su tercera temporada, en el Teatro Del Pueblo, Lavalle 3636.  

   El actor es tomado por una voz. ¿El espectador estará presenciando un acto de posesión? “Seré” es un manual de supervivencia. Un instructivo de fuga.  A partir del testimonio que dio Guillermo Fernández en 1985 durante el Juicio a las Juntas sobre su secuestro y fuga del centro clandestino de detención llamado Mansión Seré, un actor pondrá su cuerpo.

     La obra condena el horror y vuelve presente ese pasado de forma dialéctica en tres niveles: el pasado narrado por Guillermo, con todo lo que implicó el calvario del secuestro y la fuga; el presente de Guillermo en su declaración, con sus recuerdos, sus olvidos, sus fallidos y sus revelaciones; y, por último, el aquí y ahora de la obra, el tiempo de su representación, con su opinión sobre lo sucedido en esta actualidad, en esta época.

"BUENAS PALABRAS", unipersonal con Arturo Puig

En la Sala Cunill Cabanellas del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530) se presenta "Buenas palabras", una antología de lecturas que marcaron la memoria de Arturo Puig, autor de la idea y único intérprete en escena.

Con dirección de Rita Terranova, el recorrido incluye letras de canciones, fragmentos teatrales, poemas,
relatos breves, cartas de grandes personalidades y parlamentos de grandes películas.

Colorido y dinámico, en su variedad, Buenas palabras apunta a la emoción, al humor y a vislumbrar, de algún modo, la condición humana.

Con la participación del mago Quique Marduk. "Buenas palabras" transcurre sus últimas funciones durante este fin de semana, de miércoles a domingos a las 19.30 horas, como un recorrido por grandes textos junto con Arturo Puig

jueves, 26 de febrero de 2026

Luar Na Lubre en Argentina: la leyenda celta que, al celebrar 40 años, sigue escribiendo su historia

 




MÚSICA

       Justo cerca de cumplir sus 40 años de trayectoria, la banda gallega Luar Na Lubre vuelve a la Argentina en marzo como parte de su gira sudamericana aniversario.

      Referentes indiscutidos de la música celta a nivel internacional, los Luar celebran sus cuatro décadas con una serie de conciertos que abarcarán además recitales en   Uruguay y Chile, en el marco de un presente artístico marcado por nuevos lanzamientos, numerosos reconocimientos y una intensa actividad en vivo en España y el mundo.

      El grupo se presentará en dos recitales en La Tratienda, en pleno San Telmo, el martes 10 y el jueves 12 de marzo, a partir de las 21 horas. Y también brindarán otros dos shows en el teatro Lavardén de Rosario el viernes 13, y en el Teatro Real de Córdoba, el sábado 14.

       Con más de 2.500 conciertos en más de 60 países y 20 discos clave dentro del folk europeo, Luar Na Lubre se inició su camino en la ciudad de A Coruña (Galicia) en 1986 con la idea de interpretar, desarrollar y difundir la música de raíz gallega, con una sonoridad propia que combine respeto por la tradición con una perspectiva de modernidad y sensibilidad actual.

     Así su repertorio es sinónimo de identidad cultural y renovación permanente, y su música conecta la tradición gallega con los sonidos del mundo, construyendo un lenguaje propio que atraviesa generaciones y fronteras.

      El grupo vive uno de sus momentos más activos y creativos: actualmente trabajan en “Lubre”, un nuevo álbum que gira en torno al significado ancestral de esta palabra y que sintetiza su recorrido, su presente y su mirada hacia el futuro. Se trata de un trabajo que dialoga con las raíces sin perder frescura.

     Un dato curioso: La Real Academia Gallega incorporó la palabra “lubre” a su diccionario, a propuesta de su fundador y líder, Bieito Romero, reconociendo el peso simbólico del universo creativo del grupo.

       Siguiendo esa línea, La Xunta de Galicia anunció la entrega de la Medalla Castelao, uno de los máximos reconocimientos culturales, en homenaje a su aporte sostenido a la difusión de la cultura gallega en el mundo.

      A lo largo de cuatro décadas, Luar Na Lubre -que significa “luz de luna en el bosque sagrado de los celtas”- se convirtió en una referencia indiscutida del folk europeo, colaborando con artistas de alcance global como Mike Oldfield y The Corrs, y participando de los principales festivales internacionales.

    Además, en muchos de sus discos han colaborado intérpretes y creadores como el inolvidable Pablo Milanés y el madrileño Ismael Serrano (en una hermosa versión conjunta de “Chove in Santiago”)

      Esta gira 2026 -que cuenta con el apoyo de la Xunta de Galicia- incluirá shows en Uruguay, Chile y Argentina (con presentaciones en Rosario, Córdoba y CABA), además de actividades culturales y encuentros institucionales en Buenos Aires, reforzando ese lazo que crece con cada visita.

      Desde sus primeras giras latinoamericanas, Luar Na Lubre construyó una relación única con el público del continente. En cada visita, los conciertos se transforman en encuentros intensos, donde la música celta dialoga con la sensibilidad local y genera una conexión inmediata.

       El concierto que traen en esta oportunidad recorre los clásicos que marcaron su historia, con piezas líricas y temas más festivos donde suenan gaitas, flautas, acordeones y violines, entre otros instrumentos.

         Además, adelantarán algunas composiciones inéditas de su próximo trabajo discográfico, “Lubre”, suerte de mapa sonoro que va de lo ancestral a lo contemporáneo, con una puesta escénica cuidada, poderosa y profundamente emotiva. 

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Andrés Cedrón y un testimonio sobre las heridas del extractivismo en su nuevo documental

  CINE          A partir del 25 de marzo comenzará a exhibirse el nuevo documental de Andrés Cedrón, "Argentina sangra por las barranc...