Un tributo en imágenes a la figura de Nora Cortiñas, una abanderada de la dignidad y la lucha por los derechos

 FOTOGRAFÍA

          En el segundo aniversario del fallecimiento de Nora  Cortiñas, Madre de Plaza de Mayo se inaugura la muestra fotográfica “Nora Siempre nos cuidó” en Monte Grande.

         Una muestra con idea y producción de Ana Bianco y Alejandro Andam, su editor fotográfico, de tributo a su memoria y legado, que se podrá visitar durante todo junio en General Rodriguez 321, en la localidad bonaerense de Monte Grande

      Andam, un fotógrafo y reportero gráfico de larga trayectoria en medios de nuestro país, convocó a un grupo de colegas que solían acompañar a las Madres de Plaza de Mayo en sus rondas hacia finales de los años setenta y comienzos de los ochenta.

      La exposición incluye imágenes de Horacio Villalobos, Daniel García, Eduardo Longoni, Pablo Lasansky, Fernando Gens, Mónica Hasenberg, Olga Morales, Julio Menajovsky, Marcelo Ranea, Enrique Shore, Enrique Rosito, Rolando Andrade Stracuzzi y Alejandro Amdan.

     Esta muestra ya se estuvo presentando en otros espacios culturales de CABA (como el Centro cultural de la Cooperación) y en otros predios del interior.

      La convocatoria es del Centro Cultural Metamorfosis Suburbana y el ciclo de charlas Falta Envido y Truco, y la entrada es libre y gratuita.

      Se puede visitar los lunes, miércoles, viernes y sábados de 9 a 21 horas, y los martes y jueves de 17 a 20.

"La habitación desconocida", radiografía de una separación traumática y un duelo casi sin retorno

 

TEATRO

     Se podría definir a “La Habitación desconocida” como una obra casi  ”de cámara” que indaga en una crisis de pareja, y que habla del hastío, de las diferencias, de los reproches, pero también de cierta esperanza en poder entenderse al menos por un momento, y comprenderse mutuamente, pese a heridas e historias que parecen insalvables para reconstituir un vínculo.

        Es la radiografía de una separación, del armado de lo familiar. Encontrar partenaire amoroso es un abismo. La cronología de los hechos se interrumpe. Está estallada. Como los corazones de estos seres que siguen latiendo bajito pero constantes.

         Convaleciendo, pero sanando a pesar de ellos. Paula y Horacio serán todas las parejas del mundo. Paulas y Horacios teniendo que atravesar el duelo. En esa lucha por el desamor que es esta obra, se esgrime el alma toda. Un vidrio espejado y móvil que, en el centro de la escena, parece simbolizar que lo mismo le sucede a los dos, que no casualmente alternan las mismas palabras y los mismos resentimientos como en una letanía sin descanso.

     “La habitación desconocida”, obra escrita por Gonzalo Martinez,  es la radiografía de un duelo, un documental apócrifo sobre un matrimonio que en su disputa ubica a sus tres hijos en el medio, que se separa y que da cuenta del desarmado de lo familiar, en el que la cronología de los hechos se interrumpe y está estallada. Al punto que no pueden mantener un diálogo en calma y reflexionando, sino en una tensión y crispación casi permanente.

     Una obra pequeña, pero que dispara el debate sobre el amor, el sentimiento y también la angustia cuando los buenos tiempos ya no existen. Con Sofía Brito Guillermo Angelelli como protagonistas, y la dirección de Lautaro Delgado Tymruk

       Se puede ver de miércoles a domingos, 19.30 horas, hasta el 5 de julio en la Sala Cunill Cabanellas, Teatro San Martín, Av. Corrientes 1530.

           “La habitación desconocida” cuenta con diseño de escenografía y vestuario de Paola Delgado, diseño de iluminación de Ricardo Sica, música original de Marco Bailo, dirección de video holográfico de Lautaro Delgado Tymruk, diseño de video de Federico Castro y asistente de iluminación, Diego Becker.

        Las fotografías son de Carlos Furman, y participan en video holográfico: Federico Cherr, Fermín Nogueira, José Mehrez, Natacha Delgado y Vera Nogueira.

Los días de la Revolución de Mayo a través de una documental creado con Inteligencia Artificial

 

CINE

      Sobre la irrupción meteórica de la IA (Inteligencia Artificial) en nuestra vida se encendieron numerosas polémicas, acerca de su utilidad, su capacidad de reemplazar funciones del ser humano, y sobre la posibilidad de que se adultere la realidad hasta límites insospechados, y a veces peligrosos.

      No obstante, también la IA puede ofrecer alternativas y opciones que valga la pena tener en cuenta como aportes al arte y la cultura. Este es el caso de “El camino hacia la Revolución”, un documental animado íntegramente armado con IA y que, no casualmente, estrenó el canal Encuentro días pasados, al cumplirse un nuevo aniversario de la Revolución de Mayo, sobre los acontecimientos de la semana de Mayo de 1810.   

      Se trata de una producción especial para redes y que se puede ver también en el you tuve de ese canal con el link  https://www.youtube.com/@encuentro

        Este unitario, aseguran sus creadores, es un material didáctico y educativo fundamental para la utilización en las aulas.

        A lo largo del video, se retratan los momentos clave ocurridos entre el 18 y el 25 de Mayo de 1810, así como también los hechos previos en Europa que desencadenaron la Revolución de Mayo -la Revolución francesa y la destitución de Carlos IV y Fernando VII a manos de Napoleón Bonaparte- y las Invasiones Inglesas de 1806 y 1807 en el Virreinato del Río de la Plata.

      El documental permite seguir el desarrollo de los acontecimientos y conocer el papel de nuestros próceres, como Cornelio Saavedra, Manuel Belgrano, Juan José Castelli, Juan José Paso y Nicolás Rodríguez Peña.

       También se aborda la participación de Domingo French y Antonio Beruti junto con la denominada Legión Infernal, así como los sucesos que llevaron a la pérdida de apoyo al virrey Cisneros y al inicio del proceso revolucionario.

      “El camino hacia la Revolución” es un desarrollo de la gerencia de medios Digitales de Contenidos Artísticos e Informativos S. A. U., que apuesta a la producción a través de la utilización de las nuevas herramientas de realización audiovisual como recurso creativo y narrativo para reconstruir los hechos históricos más importantes de nuestro país con el lenguaje propio de las redes digitales.

      Esta innovación también se vio reflejada en producciones previas de reels y shorts para el 12 de octubre (la batalla de la Vuelta de Obligado) y para el 25 de febrero (día del nacimiento del general José de San Martín).

    El documental puede verse también en las siguientes redes:

https://www.youtube.com/@encuentro

 https://www.instagram.com/canalencuentro/

https://www.facebook.com/share/v/18xoNp4zfv/

Trailer:

www.youtube.com/watch?v=UKfKHCsqwaI&t=4s

 

 

Las invasiones inglesas y un musical con Elena Roger que une nuestra historia con la obra de Charly García

 

TEATRO MUSICAL

      Ya entró en su segundo mes de funciones una de las propuestas más impactantes y originales que ofreció el Complejo Teatral Buenos Aires en los últimos tiempos, en base a una idea sobre la que sus gestores y creadores trabajaron durante mucho tiempo.

    “Invasiones I: No bombardeen Buenos Aires” es una experiencia que aunque no se puede encasillar en un estilo, puede ser definida como una “ópera-rock”, un musical en el que confluyen los sucesos de 1806 durante las invasiones inglesas a Buenos Aires con la música de uno de los más grandes creadores argentinos: Charly García.

      Figura fundamental de esta puesta sin dudas, es Elena Roger, cantante y actriz que asumió un desafío para nada sencillo. Con idea, libro y dirección de Ricardo Hornos, “Invasiones I: No bombardeen Buenos Aires” une un episodio de nuestra historia, con el rock y el teatro, mezclando realidad y ficción en partes iguales.

       La puesta se presenta en la Sala Martín Coronado del Teatro San Martín y cuenta con la presencia en escena, además de la protagonista principal, de una treintena de figuras, entre cantantes, actores, actrices y bailarines, en base a la singular coreografía de Elizabeth de Chapeaurouge.

        Pero además hay un ingrediente fundamental, y ese es la banda de música que acompaña (desde una plataforma “sumergida” delante del escenario) y da marco durante toda la obra esta ficción, con los arreglos musicales de Murci Bouscayrol, e integrada por Javier López del Carril (guitarra acústica y eléctrica), Carlos Britez (piano), Christine Brebes (violín y sintetizador), Juan Bayón (bajo), Lisandro Etala (guitarra eléctrica), Francisco Paz (batería) y Octavio Estrin (efectos de sonido y sintetizador).

       Como una  producción conjunta del Complejo Teatral de Buenos Aires y Club Media junto con Carlos Mentasti y Alephmedia, “Invasiones I: No bombardeen Buenos Aires” se puede ver de miércoles a sábados a las 20.30 horas y los domingos a las 19.30, con un par de días a precios populares.

       A partir de una ambiciosa puesta en escena con gran despliegue, la obra refleja los momentos de desconcierto y resistencia que precedieron a la defensa del Río de la Plata, a través del universo musical del incomparable Charly García.

        Ricardo Hornos define a “Invasiones I: No Bombardeen Buenos Aires” como “una ópera rock que propone una ficción histórica sobre un episodio clave de nuestra historia, creada a través de la obra de uno de los artistas esenciales de la música argentina”.

      El director comenta que “el guion contiene múltiples guiños para fanáticos de Charly, como el hecho de que la protagonista se llame Cassandra —en referencia a la banda Cassandra Lange y al mito griego al que García alude en El Tuerto y los Ciegos— o que durante la obra, Cassandra responda también al nombre de Charly”.

     “Para contar el devenir de las Invasiones Inglesas, además de los próceres habituales, recurrimos a personajes ficticios, principalmente los faroleros, que funcionan como un coro griego y representan simbólicamente la influencia que la masonería y otras sociedades secretas tendrían en las revoluciones latinoamericanas”, completa Hornos.

       La trama de Invasiones gira en torno a Cassandra, interpretada por Elena Roger, una muchacha que debido a circunstancias fuera de su control, encuentra refugio entre los faroleros, quienes en esa época también cumplían la función de sereno, y que se hace conocer con el no casual nombre de Charly.

          Si bien la obra está basada en ese episodio histórico, su autor desarrolló una versión libre, novedosa, con toques de humor y hasta con guiños a nuestra actualidad contemporánea además de jugar con personajes ilusorios (como la misma protagonista, una excusa para trazar un eje desde el cual contar la historia) , aunque la pieza muestra a personajes reales como el virrey Sobremonte, el capitán inglés Beresford, o figuras como Santiago de Liniers, Martín Miguel de Güemes, Martín de Alzaga o Juan Martín de Pueyrredón.

      Al mismo tiempo, se logró hilvanar los textos en base a más de 50 canciones de Charly García de todas sus épocas (Sui Generis, Porsuigieco, La Máquina de Hacer Pájaros, Seru Girán y su etapa solista) que van adquiriendo una acertada inclusión acorde con el desarrollo de la obra,  con textos y acciones que hablan sobre la dominación, la represión,  los sentimientos de patria, y la búsqueda de algo esencial: la libertad del pueblo. Un término que hoy parece estar muy bastardeado. 

       Acompañan a Elena Roger en el escenario: Christian Alladio, Nath Aponte, Pablo Arias Garcia, Pamela Baigun, Carmela Barsamian, Facundo Basso, Juan Diego Bros, Matías Bruno, Walter Canella, Fede Couts, Francisco Cruzans, Juan Martín Delgado, Abril Ferrería, Angel Hernández, Julián Kohl, Alan Madanes, Julián Mardirosian, Fernando Margenet, Nicolás Martínez, Luis Rodríguez Echeverría (LARE), Agustín Pérez Costa, Lisa Queti, Federico Salles, Violeta Socas, Fernando Ursino, Wally Valli, Pedro Vega, Pato Witis y Sebastián Ziliotto

         Además de la dirección musical de Javier López Del Carril, la obra cuenta con dirección vocal de Ana Carfi, diseño de escenografía Gonzalo Córdoba Estévez, diseño de vestuario de Graciela Galán, diseño de iluminación de Matías Sendón, diseño sonoro de  Rodrigo Lavecchia, diseño de video de Federico Luis Lamas y  Johanna Wilhelm,  y curaduría histórica a cargo de Felipe Pigna.

 

"Lejos del agua", un rompecabezas que intenta bucear en los secretos y traumas de una historia familiar

 

TEATRO

     Volvió a escena durante este mes “Lejos del agua. La pieza performática”, con dramaturgia de Viviana Kalbermatter y Analía Yáñez, que se presenta en  MIL80 Teatro, Muñecas 1080, en Villa Crespo, con la actuación de Viviana Kalbermatter bajo la puesta en escena y dirección general de Analía Yáñez.

          A partir de un hecho traumático en el árbol genealógico de la línea materna de la actriz un duelo transgeneracional se despliega un relato que, lejos de ser lineal, se presenta como las piezas de un rompecabezas. Imágenes del pasado, sonidos y acciones se suceden para dar cuerpo a esta experiencia que invita a bucear en las profundidades de la historia personal para transformar dolores arraigados del propio linaje.

          La propuesta visual está delineada como un ensamble material e inmaterial de imágenes y acciones que surgen a partir de una trama de tres ejes: cuerpo, espacio y proyecciones. Las tecnologías se presentan aquí como el soporte de un relato.

         De hecho, este unipersonal resulta una mixtura entre partes de la historia de la actriz – los videos, las fotos y las referencias periodísticas son reales- y el vuelo propio del relato, que adquiere una dimensión simbólica fuerte, y que la protagonista logra transmitir con un caudal emotivo muy especial.

        “La puesta es un ensamble donde el video-mapping y el sonido no son accesorios, -agregan Kalbermatter y Yáñez- sino que funcionan como la voz de la subjetividad; son el soporte tecnológico que nos permite mostrar lo que el cuerpo orgánico calla.”

        Este universo se completa con un mundo sonoro que propone paisajes de polifonía, combinando sonidos reconocibles, con texturas abstractas y electrónicas que denotan el carácter repetitivo de los recuerdos. De hecho, la guitarrista Andrea Zurita acompaña el devenir de la obra con su propia música brindando un clima incidental que se relaciona con cada tramo de la pieza.  

     Como el nombre lo indica, el agua cumple un rol fundamental en la trama, ya que habla de la experiencia fatal de un tío de la protagonista, y de sus propios temores resultantes de esa historia sobre la cual era difícil hablar en la familia,

     “Lejos del Agua” propone una resignificación del pasado en el presente. Aunque parte de un hecho particular, la fragmentación de los recuerdos y las imágenes poéticas terminan resonando en el espectador, activando sus propias piezas sueltas y sus propios silencios.

        Se puede ver esta obra todos los viernes de mayo y junio a las 20 en Mil80, Muñecas 1080. Diseño audiovisual y videos Mariano Antonetti; Asesora audiovisual Verónica Vitullo;  Actores en video: Alejo dos Santos y Carmela Mendoza; Producción general Carla Almirón; Puesta en escena y dirección general Analía Yáñez

     Analía Yañez es actriz egresada de la EMAD. Completó su formación con referentes como el Grupo Yuyachkani, Jan Ferslev (Odin Teatret) y Marcelo Savignone, entre otros. Posee formación técnica en canto, percusión, danza contemporánea y tango. Cursó el Profesorado en Letras (UBA) y es instructora de Hatha Yoga.

       En tanto, Viviana Kalbermatter es actriz egresada de la EMAD, Locutora Nacional (ISER) y facilitadora en Constelaciones Familiares. En teatro participó en obras las Siete mujeres en busca de un nombre...” Premio mejor obra regional, Festival Nacional de Teatro Tucumán- Argentina; Acreedores, Imposturas, entre otras. Cuenta con una extensa trayectoria en locución comercial y conducción de noticias en TV y radio. Actualmente es docente de teatro en la EMAD, el IVA e institutos de formación de CABA.

"Una canción para mi tierra", un valioso manifiesto de lucha por la defensa del medio ambiente

 

CINE

       En un pueblo rural argentino, Ramiro, un carismático maestro de música, descubre una situación alarmante que afecta a su comunidad: aviones y máquinas fumigadoras aplican agroquímicos cerca de las escuelas, poniendo en riesgo la salud de sus alumnos.

       Decidido a actuar, convoca a sus muy jóvenes estudiantes   para componer canciones que expresen lo que viven y despierten conciencia en la comunidad. Lo que empieza como un proyecto de aula crece hasta convertirse en un movimiento colectivo: otros docentes, músicos y artistas de todo el país —especialmente Silvia Ghio, directora de la escuela rural que abre las puertas y se convierte en pilar del proyecto— se suman a la iniciativa.

        Frente a las resistencias y el silencio de algunos medios, Ramiro decide ir más lejos: organizar un "Woodstock ambiental" en el campo, donde la música y el compromiso colectivo amplifiquen el mensaje más allá de sus fronteras.

        Sin dudas, “Una canción para mi tierra”, película que entra en su quinta semana de exhibición en el cine Gaumont, es una de las experiencias más innovadoras y eocionantes que se pudieron ver en los últimos tiempos en el cine nacional. Un documental que por momentos toma ritmo de ficción, pero que es totalmente real, y un protagonista que no actúa, simplemente desarrolla una tarea propia del quijote que rema contra todos los poderes para luchar por lo que cree justo. 

        Este docente se llama, en la realidad y en el film, Ramiro Lescano, y junto a Silvia Ghio y un grupo carismático y espontáneo de chicos y chicas de entre 8 y 12 años, junto a otros docentes de escuelas rurales argentinas, son capaces, con la acción colectiva, de desafiar todos los obstáculos para llegar a su objetivo: crear conciencia sobre un desastre ambiental que lleva consigo enfermedad y también muerte en aras de un interés económico sin límites.

        El film cuenta con la participación especial de artistas como León Gieco ( que hace punta en el apoyo a esta iniciativa), Lito Vitale, Gustavo “Chizzo” Nápoli (La Renga), Mavi Díaz, Andrea Echeverri, Héctor Buitrago, y varios más que se suman a esta “cruzada” a través de  un video o un pequeño mensaje.

       “Una Canción para mi tierra”, coproducción entre Argentina, Colombia y Alemania, fue dirigida por Mauricio Albornoz Iniesta, con un excelente montaje de Sofía Merle, música original del mismo Ramiro Lescano, dirección de fotografía de Pablo Nuñez Galardo, sonido de Pedro Joaquín Gerbelli, producción ejecutiva de Sebastián Carreras y Matías Carnaghi como jefe de Producción.

 Un forma de creación colectiva

          A través del registro del trabajo en el aula, los ensayos musicales y los encuentros con artistas, la película observa cómo la creación colectiva se convierte en una forma de expresión y participación.

         "Canciones Urgentes para mi Tierra", la iniciativa que dio origen al film, nació como una iniciativa de aula en escuelas rurales de Córdoba y Santa Fe, impulsada por Ramiro Lezcano. En internet se puede encontrar información en el link: https://cancionesurgentesparamitierra.com/

           El documental  acompaña este recorrido creativo y social, mostrando cómo la música se convierte en una herramienta de expresión, conciencia ambiental y construcción comunitaria. 

          Mauricio Albornoz Iniesta es director, productor y docente en la Universidad Abierta Interamericana. Formado en Diseño de Imagen y Sonido en la UBA, ha trabajado en roles clave en la industria audiovisual.

        Entre sus logros más recientes destaca la serie documental “Ara San Juan: el submarino que desapareció” (Netflix), junto a otras producciones para Red Bull y la televisión pública argentina. Actualmente, está en postproducción de su largometraje documental “El yoga y yo”.

       Tras su paso por festivales internacionales, el documental obtuvo premios y reconocimientos. “Meternos en esa lógica de los chicos nos hizo aprender que algunos sueños son posibles, pero hay que intentarlos. Ellos decían ‘hagamos un concierto’ y nosotros, como adultos, tratamos de acompañar algo que parecía imposible sin tener los recursos”, señala Iniesta.

       En tiempos de búsqueda de respuestas inmediatas y salidas fáciles, Mauricio Albornoz Iniesta y su grupo de la Compañía Productora Cactus iniciaron una película casi siguiendo los tiempos de la naturaleza. En 2013 se pusieron a buscar temas relacionados con la ecología y se encontraron con periodistas que estaban “investigando las consecuencias de la fumigación con agroquímicos cerca de las poblaciones: habían sacado fotos a chicos con malformaciones, a madres, con un impacto periodístico muy fuerte”, cuenta Albornoz Iniesta, director de Una canción para mi tierra, documental que se estrenó en Buenos Aires y otras ciudades del país tras recorrer 30 países y cosechar numerosos premios.

          Hasta que un día los contactan con Ramiro, “un maestro de música de escuelas rurales que había hecho una canción con sus alumnos sobre esta problemática y la había grabado invitando a cantar con los chicos a un montón de figuras de la música argentina”.

        Se puede decir que fue amor a primera vista, “tanto del personaje como de los personajes que son los protagonistas, los alumnos: de esas clases donde surgían estas ideas increíbles, canciones que están buenísimas, tremendas canciones que armaban y que estaban copando a un montón de artistas argentinos y latinoamericanos”.

          Durante más de dos años, Albornoz y un equipo reducido fueron una o dos veces por mes a filmar a las escuelas siguiendo el proceso: “Desde que nace una canción hasta cómo hacen para que sea cantada frente a la comunidad”. Algo que también parece sencillo, pero tampoco lo es.

 

"Sustancia", una reflexión en imágenes sobre la presencia, la ausencia y la existencia humana

 

FOTOGRAFÍA

         Una obra que trasciende lo visual para proponer al observador una reflexión sobre la presencia, la ausencia y la esencia de la existencia humana. Así se ha caracterizado la serie “Sustancia”, de Santiago Carrera, artista que utiliza la fotografía como un medio para explorar el tiempo y la espera, y logra composiciones de una delicadeza y sofisticación únicas.

         El concepto de substantia se presenta como la materia que determina el contenido, al concentrarse en lo primario y evidente que suele estar "debajo", eliminando lo abundante e inútil para dar lugar a lo necesario.

       La muestra, que se puede ver en la FotoGalería Sara Facio del Teatro San Martín,  explora cómo la forma difiere y determina el contenido, utilizando la fotografía para definir el espacio de cada ser. La obra presenta figuras femeninas en posturas compuestas, delicadas, pero a la vez seguras y sólidas. Estas protagonistas están envueltas en tramas sofisticadas y líneas elegantes que definen sus perfiles.

          Una característica central es la voluntad del artista de no revelar los rostros de sus protagonistas. Este recurso otorga un "impulso surreal" a las imágenes y refuerza el axioma principal de la muestra: encontrar “en la ausencia la más aguda presencia”.

           En síntesis, el trabajo alude a la espera humana y al concepto filosófico del hic et nunc (aquí y ahora), vinculando la obra con la inmortalización de momentos efímeros

           Santiago Carrera (Buenos Aires, 1982) se formó en el Estudio Diego Ortiz Mugica y colaboró con destacados artistas como Marcos López y Julieta Escardó. Su obra ha sido reconocida a través de premios y selecciones en concursos como Arte x Arte, Gente de mi Ciudad e Itaú Artes Visuales 2016.

         Expuso individualmente en Suiza y en exposiciones colectivas en Polonia y Japón. Su enfoque artístico se centra en la relación humana con el tiempo y la inmortalización de momentos efímeros, como en su serie “Sustancia”, que explora la presencia, la ausencia y la existencia. Desde 2017, su obra integra la colección completa de la Biblioteca Hirsch del Museo de Bellas Artes de Houston, Estados Unidos.

         La FotoGalería Sara Facio —actualmente dirigida por Claudio Larrea— está situada en Av. Corrientes 1530 y ofrecerá la muestra “Sustancia” de Santiago Carrera de martes a viernes de 14 a 21 horas, y los sábados y domingos de 13 a 20 horas.