El Centro Recoleta presentó su año con foco especial en tres grandes figuras de la cultura argentina

 

TODAS LAS ARTES

        El Centro Cultural Recoleta (CCR) realizó el lanzamiento de la programación 2026, con el anuncio de los principales ejes del año en materia de artes visuales, música, cine y literatura, que estarán signados por la celebración de tres figuras clave de la cultura popular argentina: el escritor Jorge Luis Borges, el artista visual Federico Klemm y la gran creación de Quino, el personaje de Mafalda.

      El acto contó con la presencia de la ministra de Cultura de la Ciudad, Gabriela Ricardes; el director de la institución, Maximiliano Tomas; el equipo de programación del CCR y la asistencia de artistas visuales, músicos, escritores, representantes de embajadas y organismos extranjeros, y diversos referentes del ámbito de la cultura local.

       Gabriela Ricardes dio la bienvenida al público asistente y destacó los principales ejes del Recoleta en 2026 poniendo énfasis en el homenaje al escritor Jorge Luis Borges, cuando se cumplen 40 años de su muerte, precisamente en el Auditorio El Aleph, conocido popularmente como “La Capilla”.

        “El CCR se supera cada año, con una programación de altísimo nivel. Esta temporada se destacan la exposición de Federico Klemm, la muestra inmersiva de Mafalda y la que conmemora los 40 años del fallecimiento de Borges. Todas estas expresiones componen un collage, un caleidoscopio donde se conjugan y se articulan distintas facetas de nuestra cultura porteña. En ese sentido la programación, más que un conjunto de acciones es una visión que las potencia y las carga de sentido”, expresó la titular de Cultura..

     Por su parte, Maximiliano Tomas, hizo un repaso por las principales propuestas del año que abrirá, en el mes de abril, con una gran exposición dedicada al legado de Jorge Federico Klemm: artista, mecenas, coleccionista, performer, galerista y figura central de la escena cultural y mediática argentina.

        La muestra antológica será realizada en coproducción con la Fundación Klemm, reunirá más de noventa obras, contará con la curaduría de Federica Baeza, Guadalupe Chirotarrab y Santiago Villanueva y estará en diálogo con las exhibiciones y performances emblemáticas de Klemm, algunas de las cuales tuvieron lugar en el CCR durante los años 90 y 2000.

        “Por otro lado, estamos trabajando desde hace meses junto a la Fundación Borges y un comité de especialistas para inaugurar en mayo una gran exposición sobre Borges que ocupará los 800 metros cuadrados de nuestra sala principal, la Cronopios, donde vamos a abordar su obra y su figura desde todos los ángulos posibles”.

       La exposición estará curada por Rodrigo Alonso y Daniel Fischer y contará con la colaboración de críticos e investigadores como Pablo Gianera, Lucas Adur, Germán Álvarez, Laura Rosatto, Gonzalo Aguilar, Matías Bauso, Patricio Zunini, Mariela Blanco y Martín Hadis.

Borges y sus fervores artísticos

    La celebración de Borges se extenderá a otras disciplinas del Recoleta como la musical (con el ciclo “Fervores y caprichos musicales de Borges” que en agosto incluirá la música que a Borges le gustaba y también la que aborrecía, de Johannes Brahms a Claude Debussy); la cinematográfica (que incluirá una retrospectiva de uno de los directores que más elogió el escritor: Josef von Sternberg) y la literaria, por supuesto, con el ciclo de charlas y ponencias Borges 360°, que irá de abril a octubre.

        Otros hitos a destacar de la programación de artes visuales son dos exposiciones que reconocerán la obra de artistas contemporáneos argentinos. En mayo se presentará por primera vez en Buenos Aires —con curaduría de Carla Barbero— una exposición individual institucional de Liv Schulman (Buenos Aires, 1985), artista de amplio reconocimiento internacional.

      En segundo lugar, con curaduría de Javier Villa, se presentará el Archivo Caminante de Eduardo Molinari (Buenos Aires, 1961), que propone un recorrido sensible por los legados visuales y gráficos de los imaginarios poético-políticos juveniles que incluirá instalaciones, collages, dibujos y fotografías intervenidas.

        Además, se rendirán homenajes en la Sala Histórica a las artistas Mireya Baglietto y Renata Schussheim, y se profundizará el diálogo con la cultura visual contemporánea a través de los artistas seleccionados en la convocatoria anual, abierta y federal.

       Y habrá al menos dos exposiciones de alcance internacional junto con instituciones y artistas extranjeros. En octubre se inaugurará una muestra individual de Marco Giordano curada por Javier Villa y Michele D'Aurizio, con el apoyo del Italian Council y Creative Scotland. Y en agosto se presentará una exposición del histórico conceptualista español Isidoro Valcárcel Medina con curaduría de Ferrán Barenblit y en coproducción con el CCEBA.

Mafalda y sus amigos

        También en octubre, el CCR recibirá en la sala Cronopios a la entrañable Mafalda, gran creación de Joaquín Lavado (Quino), en una iniciativa público-privada que ofrecerá una muestra de carácter inmersivo.

        Serán 15 salas para recorrer con proyecciones animadas, mapping, realidad virtual multiusuario de última generación, espacios de juegos interactivos, pantallas con animaciones, esculturas volumétricas de Mafalda, Susanita, Felipe, Manolito, Libertad, Guille, Miguelito y cientos de objetos icónicos para los fanáticos de la tira. La experiencia “Mafalda inmersiva” fue desarrollada durante dos años y medio por un equipo que trabajó desde la Argentina, España y Gran Bretaña, se podrá visitar desde octubre de 2026 y hasta marzo de 2027, y luego recorrerá ciudades como Madrid, Barcelona, CDMX, Roma y París, entre otras.

      Otros hitos destacados de la programación del CCR en el segundo semestre serán la Bienal de Arquitectura (septiembre); en octubre una gran exposición antológica de Mauro Guzmán (Rosario, 1977) que ofrecerá un recorrido amplio por su producción, donde confluyen el cine experimental, el teatro under, las prácticas camp, la estética trash y los lenguajes de la circulación digital contemporánea; en noviembre una nueva edición de la muestra de fotoperiodismo internacional World Press Photo; y finalmente el desembarco del gran coreógrafo Oscar Araiz con un estreno, “Quimera”, ejercicio escénico en cinco visiones sonoras que tendrá lugar en el escenario de La Capilla.

       El equipo curatorial del CCR está integrado por Javier Villa, Carla Barbero y Verónica Otero (artes visuales), Pablo Gianera y Laura Morgado (música), Leonardo D’Espósito (cine), Juan Maisonnave (literatura) y Lucía Roitbarg (talleres).

      El Centro Cultural Recoleta se puede visitar, con entrada libre y sin costo para residentes argentinos, de martes a viernes de 12 a 21, sábados, domingos y feriados, de 11 a 21 horas, siempre en Junín 1930. La Programación completa se puede encontrar en  http://www.centroculturalrecoleta.org/.

 

 

 

La agenda teatral porteña de marzo incluye varios unipersonales para no dejar de ver

 

TEATRO

“BOY”, unipersonal con Boy Olmi. 65’.

       Después de realizar una gira de verano por la costa argentina y uruguaya, se volvió a instalar los jueves de febrero y marzo en el Teatro Picadero, Enrique Santos Discépolo 1857, el unipersonal “Boy” que protagoniza el actor Boy Olmi.

      Un hombre se para en un escenario. No está actuando. No está dando cátedra. Vino a decir la verdad. A esta altura de su vida Boy Olmi se pregunta quién es. Si es su profesión, sus vínculos, sus heridas, sus recuerdos o todo eso mezclado.

        Con humor, con crudeza y con la calma de quien ya no necesita impresionar a nadie, comparte una historia personal que, en el fondo, podría ser la de cualquiera. Con las herramientas del teatro este experimento sorprendente, que no tiene nada de ficción, nos recuerda que, a veces, la pregunta es más importante que la respuesta.

“OKASAN, Diario de viaje de una madre”, con Carola Reyna. 75’

⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠      Una mujer viaja por primera vez a Japón para visitar a su único hijo que se fue a vivir a ese lejano país. En medio de esa cultura tan bella y extraña descubre que su hijo es parte de ese paisaje nuevo y desconocido.

      El viaje se convierte en la aventura de encontrar quién será ella a partir de ahora. La obra incluye poemas de Mori Ponsowy de su libro “Enemigos afuera”     

       Con dirección y adaptación de Paula Herrera Nobile, y la colaboración de Sandra Durán y Carola Reyna. En el Teatro Picadero, los días viernes 13 y sábado 14 de marzo a las 20, y el lunes 23 también a las 20.

“LA ROCA”, unipersonal de Nelson Rueda, dramaturgia y dirección de Ariel Gurevich. 65’.

      ¿Se puede grabar en piedra lo que no se alcanzó a vivir? ¿El padre de la clase popular tiene derecho a la representación?  Nelson vuelve cada año a Mar del Plata. Allí encuentra una roca y con ella, un diálogo con su padre, con su clase social, con un país. Lo que parecía sellado por el dolor, empieza a hablar.

      “La Roca” entrelaza lo íntimo y lo social, el duelo personal y la memoria colectiva. Parte de una experiencia autobiográfica – la muerte temprana del padre del actor– y se expande hacia una reflexión sobre la figura paterna y la memoria, vistas a través del verano y Mar del Plata.

        El cuerpo del hijo se transforma en médium, soporte y archivo. Es un diálogo imposible. Una manera de hacer brotar agua de las piedras. Y de decirle al padre impenetrable que su historia también importa, que todavía puede ser escuchado.

       Este espectáculo cuenta con el apoyo de PROTEATRO. Todos los sábados a las 20 en Espacio Callejón, Humahuaca 3759

“D-TEST”, con dramaturgia y dirección de Ernesto Kullock. 65’

    ¿No soy un robot, o sí? Una sala de interrogación. Una prueba de empatía. En un futuro regido por protocolos de vigilancia, la humanidad debe demostrarse.

      “D-TEST” surge del renovado desafío de preguntarse dónde termina la máquina y comienza lo humano. Situada en un espacio claustrofóbico y articulada a partir de un juego de investiduras, su trama explora la identidad, la memoria y el libre albedrío.

     Al preguntarse qué nos vuelve humanos, desdibuja la línea entre lo real y lo simulado, entre lo vivo y lo programado, y nos obliga a reconocer aquello que ya es imposible negar: la sensibilidad de las criaturas artificiales.

      Mark se especializa en detectar androides encubiertos. Es difícil de engañar. Domina el test como nadie. Pero nunca conoció a alguien como Vik. Cuando la entrevista se vuelva un enfrentamiento, el resultado ya no estará bajo control.

      Obra Ganadora del Concurso Contar 8 /AADET. Todos los sábados de marzo a las 22 horas en Espacio Callejón, Humahuaca 3759.

“SERÉ”, una obra de Lautaro Delgado Tymruk y Sofía Brito. 75’

       Desde marzo vuelve por únicos 8 sábados a las 19 horas, en su tercera temporada, en el Teatro Del Pueblo, Lavalle 3636.  

   El actor es tomado por una voz. ¿El espectador estará presenciando un acto de posesión? “Seré” es un manual de supervivencia. Un instructivo de fuga.  A partir del testimonio que dio Guillermo Fernández en 1985 durante el Juicio a las Juntas sobre su secuestro y fuga del centro clandestino de detención llamado Mansión Seré, un actor pondrá su cuerpo. ⁠

     La obra condena el horror y vuelve presente ese pasado de forma dialéctica en tres niveles: el pasado narrado por Guillermo, con todo lo que implicó el calvario del secuestro y la fuga; el presente de Guillermo en su declaración, con sus recuerdos, sus olvidos, sus fallidos y sus revelaciones; y, por último, el aquí y ahora de la obra, el tiempo de su representación, con su opinión sobre lo sucedido en esta actualidad, en esta época.

"BUENAS PALABRAS", unipersonal con Arturo Puig

En la Sala Cunill Cabanellas del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530) se presenta "Buenas palabras", una antología de lecturas que marcaron la memoria de Arturo Puig, autor de la idea y único intérprete en escena.

Con dirección de Rita Terranova, el recorrido incluye letras de canciones, fragmentos teatrales, poemas,

relatos breves, cartas de grandes personalidades y parlamentos de grandes películas.

Colorido y dinámico, en su variedad, Buenas palabras apunta a la emoción, al humor y a vislumbrar, de algún modo, la condición humana.

Con la participación del mago Quique Marduk. "Buenas palabras" transcurre sus últimas funciones durante este fin de semana, de miércoles a domingos a las 19.30 horas, como un recorrido por grandes textos junto con Arturo Puig

Luar Na Lubre en Argentina: la leyenda celta que, al celebrar 40 años, sigue escribiendo su historia

 

MÚSICA

       Justo cerca de cumplir sus 40 años de trayectoria, la banda gallega Luar Na Lubre vuelve a la Argentina en marzo como parte de su gira sudamericana aniversario.

      Referentes indiscutidos de la música celta a nivel internacional, los Luar celebran sus cuatro décadas con una serie de conciertos que abarcarán además recitales en   Uruguay y Chile, en el marco de un presente artístico marcado por nuevos lanzamientos, numerosos reconocimientos y una intensa actividad en vivo en España y el mundo.

      El grupo se presentará en dos recitales en La Tratienda, en pleno San Telmo, el martes 10 y el jueves 12 de marzo, a partir de las 21 horas. Y también brindarán otros dos shows en el teatro Lavardén de Rosario el viernes 13, y en el Teatro Real de Córdoba, el sábado 14.

       Con más de 2.500 conciertos en más de 60 países y 20 discos clave dentro del folk europeo, Luar Na Lubre se inició su camino en la ciudad de A Coruña (Galicia) en 1986 con la idea de interpretar, desarrollar y difundir la música de raíz gallega, con una sonoridad propia que combine respeto por la tradición con una perspectiva de modernidad y sensibilidad actual.

     Así su repertorio es sinónimo de identidad cultural y renovación permanente, y su música conecta la tradición gallega con los sonidos del mundo, construyendo un lenguaje propio que atraviesa generaciones y fronteras.

      El grupo vive uno de sus momentos más activos y creativos: actualmente trabajan en “Lubre”, un nuevo álbum que gira en torno al significado ancestral de esta palabra y que sintetiza su recorrido, su presente y su mirada hacia el futuro. Se trata de un trabajo que dialoga con las raíces sin perder frescura.

     Un dato curioso: La Real Academia Gallega incorporó la palabra “lubre” a su diccionario, a propuesta de su fundador y líder, Bieito Romero, reconociendo el peso simbólico del universo creativo del grupo.

       Siguiendo esa línea, La Xunta de Galicia anunció la entrega de la Medalla Castelao, uno de los máximos reconocimientos culturales, en homenaje a su aporte sostenido a la difusión de la cultura gallega en el mundo.

      A lo largo de cuatro décadas, Luar Na Lubre -que significa “luz de luna en el bosque sagrado de los celtas”- se convirtió en una referencia indiscutida del folk europeo, colaborando con artistas de alcance global como Mike Oldfield y The Corrs, y participando de los principales festivales internacionales.

    Además, en muchos de sus discos han colaborado intérpretes y creadores como el inolvidable Pablo Milanés y el madrileño Ismael Serrano (en una hermosa versión conjunta de “Chove in Santiago”)

      Esta gira 2026 -que cuenta con el apoyo de la Xunta de Galicia- incluirá shows en Uruguay, Chile y Argentina (con presentaciones en Rosario, Córdoba y CABA), además de actividades culturales y encuentros institucionales en Buenos Aires, reforzando ese lazo que crece con cada visita.

      Desde sus primeras giras latinoamericanas, Luar Na Lubre construyó una relación única con el público del continente. En cada visita, los conciertos se transforman en encuentros intensos, donde la música celta dialoga con la sensibilidad local y genera una conexión inmediata.

       El concierto que traen en esta oportunidad recorre los clásicos que marcaron su historia, con piezas líricas y temas más festivos donde suenan gaitas, flautas, acordeones y violines, entre otros instrumentos.

         Además, adelantarán algunas composiciones inéditas de su próximo trabajo discográfico, “Lubre”, suerte de mapa sonoro que va de lo ancestral a lo contemporáneo, con una puesta escénica cuidada, poderosa y profundamente emotiva. 

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La Primera Bienal de Arte Indígena expone el valor y la importancia de las culturas originarias de América

 ARTES PLÁSTICAS

      Hasta el 12 de abril se puede visitar la Primera Bienal de Arte Indígena de Buenos Aires en el Pabellón de las Bellas Artes de la Universidad Católica Argentina (UCA)., en Alicia Moreau de Justo al 1300, en Puerto Madero. 

         Este evento, organizado por la Fundación Redes Solidarias y la directora del Pabellón de las Bellas Artes de la UCA, Cecilia Cavanagh, cuenta con el apoyo de Mecenazgo, las embajadas de Perú, Paraguay, Brasil y Chile, así como fundaciones y entes provinciales de Salta y Chaco.

         Participan 45 artistas indígenas de Chaco, Formosa, Salta, Jujuy y Tucumán, así como de Perú, Paraguay, Brasil y Chile. Las obras en cerámica, pintura, madera, textil y artes visuales de estos artistas trascienden los formatos tradicionales e interpelan al visitante para reflexionar sobre la importancia de las culturas indígenas en la actualidad.

            La Bienal busca dar visibilidad y reconocimiento a los artistas indígenas y a sus voces, ofreciendo un espacio único para apreciar la cosmovisión, la espiritualidad y la historia de sus comunidades.

          Esta Primera Bienal de Arte Indígena reúne a artistas de la Argentina y países vecinos en una muestra que busca legitimar sus obras dentro del circuito contemporáneo, promover el contacto directo con el público y revalorizar las cosmovisiones originarias como parte activa del presente cultural.

      En el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA, en Alicia Moreau de Justo al 1300 en Puerto Madero, la Primera Bienal de Arte Indígena de Buenos Aires abrió un espacio inédito bajo el lema “Voces indígenas contemporáneas: una mirada desde el corazón de las comunidades”.

     Organizada  por la Fundación Redes Solidaria, basa su propuesta en algo más que una exhibición: busca modificar la forma en que el sistema del arte mira y legitima la producción indígena.

       La idea, según explicó su creadora y fundadora, la antropóloga Mercedes Avellaneda de Bocca, surgió tras observar la creciente presencia de artistas indígenas en espacios internacionales como la Bienal de Venecia en los últimos años. La iniciativa busca generar una “gran vidriera” donde cada artista figure con su nombre y datos de contacto, de modo que coleccionistas e interesados puedan vincularse directamente con ellos, sin intermediarios.

      La Bienal reúne obras en cerámica, pintura, talla en madera, textil y artes visuales contemporáneas, y puede visitarse hasta el 12 de abril, de lunes a lunes, de 11 a 19, en Av. Alicia Moreau de Justo 1300.

    Los materiales también hablan de un vínculo directo con el territorio: telas de tocuyo teñidas con cortezas de árbol, barros naturales y pigmentos orgánicos. “No son acrílicos, todo es natural”.

       Para la organizadora, la Bienal llega en un momento clave para el arte contemporáneo regional. “Es un arte genuino, que nace de las entrañas de las comunidades”, sostuvo. Muchos de los jóvenes participantes pertenecen a familias donde la práctica artística se transmite de generación en generación, y en esa continuidad incorporan nuevas miradas sin romper con la tradición.

      En esa tensión entre tradición y renovación, la Primera Bienal de Arte Indígena propone revisar jerarquías y ampliar el canon desde el corazón mismo de las comunidades.

        La Bienal estuvo rodeada de una polémica, ya que a fines de enero, en pleno montaje en el Palacio Libertad (ex CCK) las autoridades nacionales avisaron que la organización no podía avanzar con la muestra Desde el Corazón del Gran Chaco. Arte y Cultura de la Región, un conjunto de obras del colectivo de los artistas pintores de Misión Chaqueña, impulsada por la Fundación Siwok y Tesoros del Gran Chaco, que formaría parte del circuito paralelo de muestras.

      En su momento, se calificó a este veto como “un acto de discriminación y censura”, según la antropóloga Mercedes Avellaneda, del comité organizador de la bienal, porque desde la secretaría de Cultura nacional se dijo que la muestra "no cumplía con la impronta que se le quería dar al lugar donde se exhibiría".

       Finalmente, el Espacio Vitriol, en la calle Juan Domingo Perón 1253, prestó su espacio para que se lleve a cabo la muestra cuyas obras ya estaban en Buenos Aires al momento de darla de baja desde el centro cultural dependiente de la secretaría de Cultura de la Nación.

         La organización trabajó durante un año y medio para poder montar la bienal con la colaboración de las provincias y las embajadas de los artistas participantes, además de contar con la ayuda económica de sponsors y de Mecenazgo de la Ciudad de Buenos Aires.

Lisandro Penelas y un libro que indaga en dos de sus obras desde obsesiones hasta vínculos amorosos

 

LIBROS

         Días atrás el actor, director y docente teatral Lisandro Penelas presentó su libro “El Tipo/Actriz”, basado en dos obras para un solo personaje, una de las cuales, “El Tipo”, ya pudo ser vista durante 2022en el Moscú Teatro, mientras que “Actriz” aún aguarda su estreno.

       El libro "El tipo" de Lisandro Penelas, que forma parte del Catálogo INT PRESENTA del Instituto Nacional del Teatro Obra, fue nominado a los Premios Trinidad Guevara en la Categoría Mejor Autor Festival Latitudes - Barcelona 2024.

        La obra narra la historia de un policía que, al conocer por casualidad a una chica, se obsesiona con ella, confundiendo amor con manía y actuando de manera inapropiada. La obra ha sido bien recibida por su capacidad para abordar temas de violencia hacia las mujeres de manera original y empática.

    Según señala en el prólogo Santiago Llach,  “El tipo nace de escuchar el murmullo de alguien que no puede escapar del loco que nos habla en la terraza. Máscara ambigua, tiro al fleje de la inmoralidad, tiene miedo”.

   Agrega que “puede recogerse hacia atrás un hilo de precursores, perdedores que como él emiten un monólogo alucinado: el hombre del subsuelo de Dostoievski, el Humbert Humbert de Nabokov, el Holden Caulfield de Salinger. (...) En el caso de este atroz perdedor de Penelas, sólo hay una línea recta que acaba con la muerte. Pero en el medio, en el corazón pícaro de las cosas, hay una sonrisa a medias que nos desconcierta.”

    En tanto, en relación a ”Actriz” ,  Víctor Borràs Gasch destaca que “el teatro es una verdad tan pura que por sí sola ya te hace vivir y crear vínculos, amistades, amores. Lisandro y yo, con el permiso de la maravillosa Ana, tenemos un vínculo que se construye a partir del teatro. Y es que el teatro, con su lenguaje y sus códigos, es la verdad más transparente. Y, quizá por esta razón, es un lenguaje tan perfecto para escribir y hacer vivir historias tan auténticas como la que nos cuenta Actriz”.

   Penelas explica que “de alguna manera, el texto de Actriz dialoga con el de El tipo, conformando una suerte de contrapartida mucho más que en términos de género. El “yo fantaseo” inicial de El tipo es el punto de conexión entre ambos materiales y se expande por Actriz al galope y en la búsqueda de perderse en la ficción."

       El libro representa el lanzamiento para la editorial Qeja de una nueva línea editorial llamada Nuevas dramaturgias. Además, contó con el apoyo de Proteatro para su edición.

    En la presentación estuvo presente Víctor Borràs Gasch, dramaturgo español que colaboró con el autor en lecturas durante el proceso de escritura.

      “El tipo” fue nominada a los Premios Trinidad Guevara 2022 en la categoría Mejor dramaturgia y a los 23° Premios Teatro del Mundo, en la categoría: Mejor actor.

        También participó del Ciclo Más Teatro de la Fundación Sagai, formó parte del Catálogo INT Presenta del Instituto Nacional del Teatro y fue material de estudio de las carreras de Medios y Artes Escénicas de la UADE. También se presentó en Barcelona, España, en octubre de 2022 y mayo de 2024, dentro del Festival Latitudes. Ese mismo año giró por Sant Martí de Tours, España.

 

 

Ed Pareta y "las emociones que nos habitan" presenta en cuarteto su nuevo disco en Borges

 

MUSICA

     Ed Pareta, el trompetista y compositor nacido en Lincoln,, presenta su tercer disco "Pareta Hotel, las emociones que nos habitan" el próximo viernes 27 de febrero a las 23 horas junto a su cuarteto en Borges (Borges 1975, CABA) con Sergio Burián acordeón y Gabriel Rivano bandoneón como músicos invitados.

      El cuarteto está integrado por Nacho Bianchi en bajo eléctrico, Lautaro Huerín en piano, Santiago Hernández en batería y el propio Ed Pareta en trompeta, flugelhorn y composición.

     "Pareta Hotel" es un trabajo de jazz fusión que parte de ritmos folclóricos americanos para explorar composiciones originales y revisitar clásicos del género, con arreglos pensados especialmente para cuarteto. La propuesta musical combina tradición y vanguardia, en un cruce estético que invita tanto a la contemplación como al movimiento.

       En palabras del propio Pareta: “Éste disco, el tercero, es muy importante para mí porque pude capitalizar la experiencia de los anteriores y, en lo compositivo, pude ampliar los timbres al incorporar sonidos de bandoneón y acordeón a la formación de cuarteto. Para lo cual, invité a grabar el disco a músicos muy queridos: Sergio Burián en acordeón y Gabriel Rivano en bandoneón”.

    El autor e intérprete señala que “los temas tienen que ver con las emociones que me habitan, o dicho de otra manera; un hotel con distintos cuartos y cada uno de ellos expresa deseos, alegrías, recuerdos.  El nombre del disco es un homenaje a un hotel que perteneció a mi abuelo a quien no conocí. El hotel funcionó en la localidad de El Triunfo – provincia de Buenos Aires. Una placa recuerda al hotel que, funcionó desde antes de la fundación del pueblo.”.

       Con una trayectoria de más de 36 años, Pareta ha sido parte de formaciones como Satch Big Band, No Alineados , el ensamble de Alejandro Santos y la Big Band de Mariano Tito (h). También colaboró como trompetista con figuras como Palito Ortega, Daniel Lezica, Alcides, Manuel Wirtz, María Marta Serra Lima y Martín Bossi, entre otros.

     En los últimos años, ha centrado su actividad en la composición y desarrollo de un repertorio propio, donde confluyen el jazz, la música latinoamericana y la raíz folklórica argentina.

       Su presentación en Borges propone una nueva instancia de exploración en vivo de este universo sonoro, donde escritura e improvisación funcionan como partes de un mismo proceso creativo.

     Edgardo "Ed" Pareta es compositor, trompetista, docente y escritor, oriundo de Lincoln, Provincia de Buenos Aires. Su obra se caracteriza por una fuerte impronta jazzística fusionada con músicas latinoamericanas y raíces folklóricas argentinas.

      Estudió en el ex Conservatorio Nacional "Carlos López Buchardo" (hoy Universidad Nacional de las Artes - UNA), donde se formó como Profesor Nacional de Música con especialización en trompeta. Actualmente dicta la cátedra de trompeta en la Escuela de Música Popular de Avellaneda (EMPA).

 

"Violeta Rauch", una fábula contemporánea sobre el consumo y el colapso interior

 

CINE

    En los próximos días se estrena en el cine Gaumont la película “Violeta Rauch”, sobre un personaje de ficción protagonizado por Clara Kovacic, que nos cuenta la historia de una influencer que cree estar viviendo una vida plena y contagiando a sus seguidores de experiencias únicas, pero en realidad descubrirá que su mundo es toda una farsa.

      Escrito y dirigido por Gerard Marcó de Mas, este film saca a la luz no solo las trampas de las redes sociales y quienes las utilizan sino también las distintas tácticas políticas a nivel mundial para aprovechar este tipo de medios de comunicación masiva actuales.

      Vivimos inmersos en un mundo digital lleno de consumismo donde cada reel que vemos se estético y apetitoso, listo para llevarnos a querer comprar lo que estamos viendo, aunque no lo necesitemos realmente.

       ¿Qué pasa cuando la persona que está del otro lado del video no vive lo que refleja realmente? Violeta Rauch es un personaje de ficción protagonizado por Clara Kovacic.

    Este film nos muestra cómo Violeta intenta ser manipulada por el mayor poder del país y a medida que pasa el tiempo se hunde más y más en sus engaños. El director define a esta película como un “experimento cinematográfico” filmado en una sola jornada.

      Con una duración de 68 minutos, esta producción argentina de 2025 propone una experiencia incómoda y profundamente contemporánea: una disección del vacío existencial en tiempos de hiperconexión, consumo y aislamiento.

       Como la metáfora de la rana que hierve sin advertir el peligro, la protagonista ha quedado atrapada en los engranajes del poder, el consumismo voraz, la incomunicación afectiva y el espejismo de las redes sociales.

       La película se pregunta, sin concesiones: ¿Es posible despertar antes de que sea demasiado tarde? ¿Puede alguien salvarse del hastío cuando el sistema que lo rodea lo empuja lentamente hacia la anestesia emocional?

       Por su parte, Clara Kovacic presenta el que será el primero de tantos estrenos del 2026, luego de un éxito total como protagonista de una de la minipelículas de “Homo Argentum”.

      Desde el cine de terror hasta la música, Kovacic ha construido una carrera meteórica. “La Scream Queen” argentina no solo ha conquistado pantallas nacionales e internacionales, sino que también supo mantenerse auténtica en un medio que pocas veces perdona.

        Nacido en Barcelona en 1981 y residente en Argentina desde 2014, el director Gerard Marcó de Mas es graduado en Producción de Cine por la E.S.C.A.C. (Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña) y en Filosofía por la Universidad Autónoma de Barcelona. Actualmente se desempeña como profesor en la Universidad de Belgrano.

     Su filmografía incluye: Salm 51 (Cortometraje, 2008); Tesoros en el cielo (2016); Látex Rojo (2020); Vainilla (2022, co-dirección); Grasas Saturadas (2023); Violeta Rauch (2025)

     Con una trayectoria marcada por el cruce entre reflexión filosófica y exploración de los márgenes sociales, Marcó de Mas consolida aquí una mirada crítica sobre el presente.