"Penumbra", una muestra que destaca lo mejor del arte contemporáneo, en la Fundación Proa

 

ARTES PLÁSTICAS

        Fundación Proa inauguró “Penumbra: Dia Art Foundation”, una exhibición que presenta por primera vez en la Argentina obras destacadas de la colección Dia Art Foundation, institución clave en la historia del arte contemporáneo de la segunda mitad del siglo XX.

        Curada por Humberto Moro, con asistencia de Ella den Elzen, reúne a artistas fundamentales como Agnes Martin, Andy Warhol, Felix Gonzalez-Torres, James Turrell, John Chamberlain, Richard Serra, Robert Irwin, Tehching Hsieh y Walter De Maria.

        El conjunto permite trazar un panorama de las prácticas que redefinieron el arte como experiencia: materia, escala, percepción, luz y tiempo se convierten en elementos esenciales de la muestra, desplazando el foco de la representación hacia la vivencia directa del espectador.

      Esto será en Avenida Pedro de Mendoza 1929, la Boca, durante todo abril. 

      El curador Humberto Moro señala: “Penumbra toma su título de la zona de sombra parcial que se sitúa entre la iluminación y la oscuridad: una condición liminal en la que la luz no está plenamente presente ni completamente retirada”

   Destaca que palabra y concepto casi idénticos en más de una docena de lenguas, penumbra designa un espacio de incertidumbre perceptiva, de vacilación y suspensión, donde la forma se distiende, los contornos se desdibujan y el sentido se resiste a cerrarse”.

        A lo largo de las cuatro salas de Proa -y el ventanal del primer piso (con la obra de Felix Gonzalez – Torres), el espacio invadido por el concepto de “penumbra” recorre el espacio con la presencia no solo de la luz sino de los límites imprecisos presentes en los videos (Walter de Maria y Tehching Hsieh), como también las maquetas de Richard Serra buscando un equilibrio inestable.

     La colaboración entre Dia Art Foundation y Proa se consolidó en 1998 cuando se presentó con la curaduría de Michael Govan, la primera retrospectiva de Dan Flavin en el país. Dos años después Sol Lewitt con sus Wall Drawings, y en este año con artistas exhibidos por primera vez en la Argentina, a excepción de Andy Warhol.

       En palabras del curador: “En conjunto, las obras reunidas en la exhibición que se presenta en Proa expresan un compromiso compartido con aquello que permanece sin resolver, ya sea en el plano visual, espacial o conceptual”. “Penumbra” cuenta con el auspicio permanente de Tenaris – Ternium – Tecpetrol

Para Borges, las Malvinas no fueron solo un par de islas alejadas y casi inhabitadas en un mar indómito

 

LIBROS

    Lejos de permanecer ajeno ni en una cúpula de cristal con respecto al mundo en que le tocó vivir, y pese al estilo intrincado que algunos le adjudican, Jorge Luis Borges a su manera retrató y reflejó sus sentimientos con respecto a episodios fundamentales de nuestra historia. 

       Al punto que muy poco antes de dejar este mundo, el autor de "El Aleph" expresó a su modo el hecho casi maldito de Malvinas a través de dos poemas que con el tiempo quedaron como marca indeleble de su sensibilidad frente a un suceso sin retorno como es las víctimas de una guerra absurda, como en general lo son todas.

        Por eso, en esta fecha, donde la conmemoración y el recuerdo hacia los héroes casi olvidados se mezcla con la locura de un grupo de exaltados de una dictadura que enviaron al cadalso a muchos jóvenes,  rescatamos estos dos poemas que Borges dio al mundo en 1984 (dentro de su libro Los Conjurados) y en 1985, solo un año antes de su partida. 

MILONGA DEL MUERTO

Lo he soñado en esta casa  // entre paredes y puertas.

Dios les permite a los hombres // soñar cosas que son ciertas.

Lo he soñado mar afuera // en unas islas glaciales.

Que nos digan lo demás // la tumba y los hospitales.

 Una de tantas provincias // del interior fue su tierra.

(No conviene que se sepa // que muere gente en la guerra.)

Lo sacaron del cuartel, // le pusieron en las manos

las armas y lo mandaron // a morir con sus hermanos.

 Se obró con suma prudencia, // se habló de un modo prolijo.

Les entregaron a un tiempo // el rifle y el crucifijo.

Oyó las vanas arengas // de los vanos generales.

Vio lo que nunca había visto, // la sangre en los arenales.

 Oyó vivas y oyó mueras, // oyó el clamor de la gente.

Él sólo quería saber // si era o si no era valiente.

 Lo supo en aquel momento // en que le entraba la herida.

Se dijo No tuve miedo // cuando lo dejó la vida.

Su muerte fue una secreta // victoria. Nadie se asombre

de que me dé envidia y pena // el destino de aquel hombre.

 Jorge Luis Borges, Los conjurados, 1984

 

 JOHN LOPEZ Y JUAN WARD

Les tocó en suerte una época extraña.

El planeta había sido parcelado en distintos países, cada uno 

provisto de lealtades, de queridas memorias, de un pasado sin

duda heroico, de derechos, de agravios, de una mitología

peculiar, de próceres de bronce, de aniversarios, de

demagogos y de símbolos. Esa división, cara a los

cartógrafos, auspiciaba las guerras.

López había nacido en la ciudad junto al río inmóvil; Ward, en

las afueras de la ciudad por la que caminó Father Brown.

Había estudiado castellano para leer el Quijote.

El otro profesaba el amor de Conrad, que le había sido revelado

en una aula de la calle Viamonte.

Hubieran sido amigos, pero se vieron una sola vez cara a cara, en

unas islas demasiado famosas, y cada uno de los dos fue

Caín, y cada uno, Abel.

Los enterraron juntos. La nieve y la corrupción los conocen.

El hecho que refiero pasó en un tiempo que no podemos

entender.

Jorge Luis Borges- 1985

Cortázar, entre el engaño y las pérdidas ante el dolor; el temor a la partida en una crisis de pareja

 

­   TEATRO        "La salud de los enfermos" de Julio Cortázar, llega al escenario en su versión original, con dirección de Leandro Cóccaro en el Teatro del Pueblo.             Uno de los autores más grandes de la literatura argentina, reconocido mundialmente desembarca en el teatro con este texto que formó parte de “Todos los fuegos el fuego”, cuarto libro de cuentos del escritor publicado en 1966 que hoy sube a escena celebrando los 60 años de su primera edición.      En "La salud de los enfermos" Cortázar pone sobre la mesa la relación siempre compleja entre la pérdida y el criterio de realidad acompañados por las dosis de humor y ternura tan propios del autor.         Ante una madre enferma, los miembros de la familia deciden ocultarle un hecho doloroso. En la obra, el escritor juega con los conceptos de verdad, realidad y ficción para preguntarnos: ¿Quiénes producen esa ficción? ¿Los familiares para con la madre? ¿o es más bien la madre quien sostiene esa ficción hacia el resto de la familia? ¿Quién necesita de la ficción para poder sobrevivir a un contexto hostil, para poder soportar aquello que resulta indecible?        “Enamorado de la obra de Cortázar desde mi adolescencia, este cuento en particular me conmovió muchísimo por su cercanía con mi propia historia familiar. La salud de los enfermos me interpela directamente en relación con los vínculos familiares retratados por el escritor”, comenta su director Leandro Cóccaro.       La puesta recupera el texto literario de Cortázar y lo convierte en un contundente hecho teatral donde ficción y realidad dialogan permanentemente invitando al público a ingresar a esa casa, que a la vez es un artificio, para ser parte de una familia que intenta ser feliz a pesar de todo. El espacio, la iluminación y el trabajo sonoro construyen una comedia dramática en la que se va tejiendo una ficción dentro de otra ficción, envolviendo a los miembros de la familia hasta alejarlos de la realidad.       ¿Se puede engañar a otro sin engañarse a uno mismo? ¿Cuál es la realidad? ¿Hay realidad no ficcionada? son sólo algunas de las preguntas que quedarán resonando en el espectador.        Con actuaciones de Gabriel Schapiro, Cecilia Cósero, Paula Thie, Edgardo Marchiori y Martha Sosa Quintana, y música en escena de Michel Gaudin, "La Salud de los enfermos" cuenta con dirección de Leandro Cóccaro y asistencia de Guillermina Arciniega, y se puede ver todos los domingos de abril a las 18 horas en el Teatro Del Pueblo, Lavalle 3636, con localidades disponibles en Alternativa Teatral.  El temor a la partida           El 7 de abril a las 21 horas estrena "Temer partir", la nueva obra de la elogiada directora y dramaturga Cecilia Meijide, en NÜN Teatro Bar (Juan Ramírez de Velasco 419, CABA).       Con las actuaciones de Paula Staffolani y Nacho Ciatti, la obra expone la intimidad de una pareja durante una madrugada sofocante en Buenos Aires. En la habitación donde transcurre la acción, los intérpretes desnudan la cotidianidad del vínculo y revelan, a través del diálogo, las tensiones que habitan en lo aparentemente trivial y/o cotidiano.        Una pequeña discusión doméstica —sobre el uso del ventilador en una noche de calor agobiante— mantiene a los protagonistas despiertos durante toda la noche. A partir de ese incidente mínimo, la conversación deriva hacia preguntas más profundas sobre el amor, la convivencia y la fragilidad de los vínculos humanos.       La punzante dramaturgia de Meijide construye un intenso duelo verbal que expone la desintegración de la pareja al poner en palabras miedos, inseguridades y deseos largamente silenciados. Lo cotidiano se vuelve así el territorio donde emergen tensiones acumuladas que han crecido con el tiempo.       Bajo el pretexto de una situación casi banal, Temer partir indaga en las fisuras invisibles de la vida en común. Temas aparentemente menores —como el ahorro, la conciencia ecológica o el valor del dinero— revelan conflictos más profundos: la dificultad de comunicarse, el temor a la pérdida y la necesidad de ser escuchado.        Sobre el proceso de escritura, la autora señala: “Me interesaba situar la acción en el presente absoluto del diálogo, utilizando la palabra para diseccionar la pareja. Quería indagar en la propia naturaleza del vínculo: qué es lo que lo sostiene y qué es lo que, sutilmente, termina por desarticularlo”.         Escrita y dirigida por Cecilia Meijide, "Temer Partir" se puede ver a las 21 horas en Nün Teatro Bar, Juan Ramirez de Velasco 419, Villa Crespo, CABA, con funciones: martes de abril y mayo a las 21.

"Metamorfo", una muestra con obras de artistas de Latinoamérica, inaugura la temporada de Malba Puertos

 

ARTES PLÁSTICAS

Durante el último fin de semana de marzo, y coincidiendo con el 25º aniversario del museo, Malba Puertos inició su programación con una muestra dedicada a las colecciones Malba y Eduardo F. Costantini, que investiga el modo en que los artistas han hecho visibles la naturaleza del cambio y la transformación.        El calendario se abre con "Metamorfo. Continuidad y transformación en la colección Malba-Costantini", exhibición que se mantendrá hasta el  próximo 30 de agosto, con la curaduría de Alejandra Aguado, en la Sala del Lago de el museo ubicado en la ciudad de Escobar..        Tomando la pintura Rompecabezas (1969) de Jorge de la Vega como punto de partida —una obra compuesta por múltiples partes que encarna la posibilidad infinita del cambio— esta exposición reúne alrededor de cincuenta obras producidas entre el siglo XX y el XXI donde el flujo, la integración, la distorsión, la disolución o la densidad de formas cargadas de potencia traen al frente la sensación de un movimiento incontenible o permanente     . Revelan, también, cualidades, sentimientos, fuerzas o formas invisibles, y manifiestan así la capacidad única de la imaginación y de la plasticidad para dar cuenta de la vibración que define el mundo psíquico y emocional, y de la trama de energía y materia en la que se despliega lo vivo.         Formas antagónicas que se enfrentan y funden, organismos que resisten o anuncian una transformación inminente, figuras que manifiestan cambios de estado, las obras permiten pensar en la movilidad como una fuerza constante que migra entre todo lo viviente, que desafía las contradicciones y cuyos resultados no están siempre a la vista.         Mientras parecen capturar apenas un momento de un proceso extenso y dinámico, las imágenes a las que nos enfrentan los artistas nos proponen imaginar desde donde vienen y hacia donde van, acercando, así, pasado, presente y futuro.           Si, como reflexionó el filósofo italiano Emanuele Coccia, “venimos siempre de la misma forma: somos su deformación, su variación, su metamorfosis”, estas obras presentan un ensayo sobre el pasaje constante que se da en y entre las formas como condición y como posibilidad.    Los artistas participantes son:   Belkis Ayón (Cuba, 1967 - 1999)  Roberto Aizenberg (Argentina, 1928 - 1996)  Juan Batlle Planas (Argentina, 1911 - 1966)  Valerie Brathwaite (Trinidad y Tobago, 1938)  Mildred Burton (Argentina 1942 - 2008)  Juana Butler (Argentina 1928 - 2017)  María Magdalena Campos-Pons (Cuba, 1959)  Feliciano Centurión (Paraguay, 1962 - 1996)  Alejandro Cesarco (Uruguay, 1975)  Flavia Da Rin (Argentina, 1978)  Jorge de la Vega (Argentina, 1930 - 1971)  Juan del Prete (Argentina, 1897 - 1987)  Claudia del Río (Argentina, 1957)  Tomás Espina (Argentina, 1975)  Sara Facio (Argentina, 1932 - 2004)  León Ferrari (Argentina, 1920 - 2013)  Noemí Gerstein (Argentina, 1908 - 1996)  Edgardo Giménez (Argentina, 1942)  Mónica Giron (Argentina, 1959)  Víctor Grippo (Argentina, 1936 - 2002)  Enio Iommi (Argentina, 1926 - 2013)  Liliana Maresca (Argentina, 1951 - 1994)  Roberto Matta (Chile, 1911 - Italia, 2002)  Ana Mendieta (Cuba, 1948 - E.E.U.U, 1985)  Carlos Motta (Colombia, 1978)  Aldo Paparella (Italia, 1920 - Argentina, 1977)  Amelia Peláez (Cuba, 1896 - 1978)  Anselmo Piccoli (Argentina, 1915 - 1992)  Rogelio Polessello (Argentina, 1939 - 2014)  Liliana Porter (Argentina, 1941)  Marcelo Pombo (Argentina, 1959)  Emilio Renart (Argentina, 1925 - 1991)  Juan Pablo Renzi (Argentina, 1940 - 1992)  Florencia Rodríguez Giles (Argentina, 1978)  Anatole Saderman (Rusia, 1904 - Argentina, 1993)  Zilia Sánchez (Cuba, 1928)  Rubén Santantonín (Argentina 1919 - 1969)  Juan Tessi (Perú, 1972)  Clorindo Testa (Italia, 1923 - Argentina, 2013)

A 50 años del golpe a la democracia, dos libros ayudan a recuperar la memoria sobre esa violencia sin límites

 

LIBROS

El año 1976 marcó un antes y un después en la reciente historia argentina. Un año signado a fuego por un golpe de Estado cívico-militar que desencadenó la noche más oscura: el Estado nacional vuelto verdugo de su propio pueblo.         Con su lúcida mirada, y apelando –entre otros testimonios y fuentes– a documentos y archivos recientemente desclasificados, Felipe Pigna analiza en "76. Crónica de un año que cambió nuestra historia para siempre" los hechos más importantes de este primer año de la dictadura militar. Sin dudas, y nodal: el trazado de un plan económico empobrecedor que no podía llevarse adelante sin una feroz represión centralizada y sistematizada.        Una maquinaria de muerte que se venía gestando desde mucho antes del golpe, activada por una parte de la sociedad civil en complicidad con las Fuerzas Armadas. Pero también, y en esto 76 se vuelve un libro necesario, este minucioso trabajo echa luz sobre aquello que latía en las sombras: la resistencia de la cultura, del movimiento obrero, de las organizaciones estudiantiles y de derechos humanos.       Cerca de la idea de “comprender” más que de “justificar”, Felipe Pigna mantiene viva, en su nuevo libro, la memoria de quienes, pese a todo, sabían –y saben– que siempre existe un mañana.       El libro incluye entrevistas a figuras tan disímiles y polémicas como José Alfredo Martínez de Hoz, Ramón Díaz Bessone, Juan Gelman, Enrique Gorriarán Merlo, Mario Firmenich, Antonio Cafiero, Rodolfo Terragno, Leonardo Favio, Tulio Halperín Donghi, Adriana Calvo y Charly García

Felipe Pigna (1959, Mercedes, prov. de Buenos Aires) como profesor de Historia dirigió el proyecto “Ver la Historia” de la Escuela Superior de Comercio Carlos Pellegrini de la Universidad de Buenos Aires, con el que se realizó el documental fílmico 200 años de historia argentina, de trece capítulos.

En televisión condujo Historia confidencial, vida y vuelta, Lo pasado pensado y El espejo retrovisor por Tv Pública. Fue conductor junto con Mario Pergolini de Algo habrán hecho por la historia argentina, basado en sus libros Los mitos de la historia argentina, emitido por Canal 13 y Telefé que alcanzó los 25 puntos de rating en el prime time y obtuvo el premio Martín Fierro 2006 y 2007 y el premio Clarín en 2006 y 2009.        Condujo por The History Channel la serie de documentales sobre los bicentenarios latinoamericanos Unidos por la Historia, ganadora del Martín Fierro del cable. En 2012 condujo el ciclo Historia clínica, emitido por Telefé.     Autor de casi un centenar de libros sobre nuestra historia, fue conductor del programa Historias de nuestra historia en Radio Nacional hasta el 2023 por el cual obtuvo el Martín Fierro en el 2019, 2020, 2021 y 2022 como mejor programa cultural educativo. En la TV Pública su último programa como conductor fue Archivo general de la emoción.      Actualmente es columnista en Radio Con Vos, en Urbana Play y en el sitio web Cenital como especialista en encontrar vínculos entre el pasado y el presente. Como docente está a cargo de la Diplomatura Historia Argentina y Mundial del Siglo XX.      Es director de la Colección Bicentenario de la Editorial Emecé, de la revista Caras y Caretas y de la página www.elhistoriador.com.ar, el sitio de historia más visitado de la Argentina. En su página de Facebook tiene más de 1.5 millones de seguidores, en Twitter, 468.1 mil y en Instagram más de 1.1 millones de seguidores. En la plataforma de Youtube, en la que ya cosecha más de 305 k de suscriptores, los lectores pueden encontrar semanalmente contenido audiovisual exclusivo.   "CORRUPCIÓN Y DICTADURA", de Martín Astarita          La última dictadura argentina no solo tuvo un plan sistemático de desaparición de personas: también montó una “campaña anticorrupción” orquestada para poder enjuiciar al derrocado gobierno peronista.                  En Corrupción y dictadura, Martín Astarita detalla los mecanismos que desplegó el gobierno de facto para acusar y castigar a exfuncionarios del tercer peronismo y otros dirigentes sociales por supuestos delitos de corrupción.        Fueron encarcelados tres expresidentes y una gran cantidad de ministros, gobernadores, intendentes y dirigentes sindicales. Hubo intervenciones de empresas y desapoderamientos de sus dueños. Como en Lava Jato, la palabra “corrupción” reorganizó la escena pública.         ¿Fue esta cacería consecuente con la prevención de actos de corrupción del gobierno de facto? ¿Se usó la corrupción para encuadrar opositores, equiparándolos al “enemigo interno”?        Con una investigación minuciosa, Astarita reconstruye cada variable de la campaña anticorrupción y muestra cómo se articularon sus distintos brazos (acusaciones, detenciones, intervenciones) y para qué. Subraya, además, un aspecto muy poco estudiado: la dictadura recurrió a estas denuncias como delitos individuales y también como degeneración social.         En definitiva, la represión fue acompañada por un dispositivo anticorrupción que ordenó discursos, causas y economía. Después de leer Corrupción y dictadura, la “lucha contra la corrupción” deja de ser un concepto moral y se revela como una estrategia de poder.      No deja margen para la ingenuidad, porque demuestra que la campaña no fue un remedio, sino la implementación de una herramienta con fines políticos, ideológicos y económicos.

Matias Rojas y un repertorio de canciones que tributan al río y a la naturaleza del paisaje entrerriano

  

MÚSICA

       El próximo domingo 29 de marzo, el guitarrista, compositor y arreglador Matías Rojas  presentará temas de su nuevo disco, "El mismo Río", en la Sala BB de Galpón B, Cochabamba 2536, a partir de las 20 horas. Contará con invitados como Cecilia Palh y Enzo Demartini.

       Matías Rojas es oriundo de Concordia Entre Ríos, y se encuentra presentando el EP “El mismo rio”, editado por Shagrada Medra. El trabajo se posiciona en esa vertiente de la guitarra argentina que valora tanto el silencio como la profundidad armónica. Su capacidad para unir la tradición de Eduardo Falú con la precisión universal de Narciso Yepes sugiere un trabajo de texturas muy finas, donde el agua de Concordia no es solo tema, sino lenguaje, ese diálogo intimista entre el paisaje entrerriano y la técnica académica.     

 

     El EP de Matías está inspirado en el río Uruguay: Recuerdo Itú, La creciente y Salto Chico. El recorrido comienza con “Recuerdo Itu”, una pieza en ritmo de guarania, íntima, dulce y reflexiva. Luego sigue “La Creciente”, un rasguido doble en tono menor que refleja la parte más dura de vivir en la costa del río, cuando las subidas del agua obligan a muchas familias a dejar sus casas.

       Por último, “Salto Chico” una chamarrita con un aire un poco más esperanzador, inspirada en otro paisaje de la zona de Concordia. A diferencia de otros, este lugar no fue modificado por los intereses del desarrollo económico y todavía puede disfrutarse.

        “El mismo río” hace referencia a lo que fue el gran Salto Grande antes de la represa, un lugar hermoso que no llegué a conocer, pero que me llega a través de las historias y fotos de mis abuelos y mi familia, que solían acampar allí en los veranos”, según señala Matías. 

 

       Guitarrista, compositor y docente oriundo de la ciudad de Concordia, Entre Ríos. está radicado en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires desde 2015. Egresó de la Tecnicatura en Guitarra del Conservatorio Superior de Música Manuel de Falla y se encuentra próximo a recibir el título de Profesor Superior.

      A lo largo de su formación estudió con maestros como Carlos Moscardini, César Angeleri y Pedro Rossi, entre otros. 

 

      Tiene tres discos editados: Parte del aire (en dúo con Alejandro Randazzo en voz), Angirû (en dúo con Nicolás Chamorro en flauta traversa),  “Reflejo”, su primer álbum solista, lanzado en 2024 por el sello Shagrada Medra como “El mismo río” editado por el mismo sello.

 

        Con diversos proyectos ha grabado y se ha presentado en distintos escenarios de la Argentina. En 2017 obtuvo el segundo puesto en el Concurso de Alumnos de Guitarra Clásica del Conservatorio Manuel de Falla. En 2019 se presentó en el festival Guitarras del Mundo, compartiendo escenarios con destacados artistas nacionales e internacionales, y ha participado en numerosas ediciones del festival Día Nacional del Guitarrista, en homenaje al maestro Eduardo Falú.

      En 2023 participó con el dúo Angirû en el festival Guitarras en las Puertas del Sur, realizado en Bahía Blanca. Actualmente estudia composición con Diego Schissi y trabaja en la creación de obras originales para guitarra.

 

     El disco fue grabado este mismo año en el estudio Puntoar, con Ariel Gato a cargo del sonido y Esteban Saccone acompañando la escucha y el proceso para asegurarse de que todo saliera como buscaba.  El arte de tapa estuvo en manos de Simón Grosman Rovira.

 

Se exhibe en Bellas Artes una retrospectiva de Lily Salvo, que recorre todas las dimensiones de su obra

 

ARTES PLÁSTICAS   

       Por primera vez en Argentina, el Museo Nacional de Bellas Artes presenta una exhibición dedicada a la artista rioplatense Lily Salvo (1928–2010), figura singular del arte latinoamericano cuya obra se desarrolló entre América y Europa.

       La muestra “En el umbral del misterio”, que se inaugurará el próximo 7 de abril, y se extenderá hasta el 10 de mayo, en una retrospectiva del MNBA, propone un recorrido centrado en la producción gráfica de la artista —dibujos, bocetos y grabados— muchos de ellos inéditos para el público. Estas obras revelan un universo visual que oscila entre lo surreal, lo poético y lo político, y que dialoga con distintas dimensiones de su vida artística.

       Además de su trabajo plástico, Salvo desarrolló una intensa actividad vinculada a las artes escénicas, diseñando vestuarios y colaborando con importantes figuras del teatro y la danza europea, entre ellas el coreógrafo Micha Van Hoecke. La exhibición incluye también materiales vinculados a este aspecto de su trayectoria.

       El proyecto surge del trabajo conjunto entre Andrés y Mara Neumann, familia de la artista y custodios de su obra, y la gestora cultural Sofía Bresler, quien realizó el archivo, inventariado y estudio de su producción gráfica. La muestra cuenta con la curaduría de María Florencia Galesio, responsable del Área de Investigación y Curaduría del Museo Nacional de Bellas Artes, junto a Bresler.

          La exhibición cuenta con el apoyo de Amigos del Bellas Artes, la Embajada de Italia en Argentina, el Instituto Italiano de Cultura, el Senado de la República Italiana y el Ministerio de Educación y Cultura de Uruguay. El catálogo de la muestra se realiza con el acompañamiento de Colección Balanz, a través del Régimen de Promoción Cultural (Mecenazgo) del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires.

       Lily Juana Salvo Zorich, conocida como Lily Salvo, nació en La Plata en 1928 y desarrolló su formación artística en Montevideo, donde estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes y en el histórico Taller Torres García, núcleo de la Escuela del Sur.

           Desde muy joven participó activamente de la vida cultural uruguaya, colaborando con el semanario Marcha y con el Cine Club-Cinemateca de Montevideo. En 1972 se trasladó a Europa, donde vivió durante cuatro décadas —principalmente en Florencia y Roma— desarrollando la mayor parte de su obra y exponiendo en ciudades como Nueva York, Milán, Roma, Cracovia y Montevideo.

       Su producción abarca pintura, grabado, dibujo e ilustración, y se caracteriza por un lenguaje figurativo de fuerte intensidad simbólica y emocional. Lily Salvo falleció en Roma en 2010, dejando un legado artístico presente en colecciones públicas y privadas de América Latina y Europa.

     La muestra se puede visitar en el segundo piso del MNBA, Avenida del Libertador 1473, Ciudad de Buenos Aires,