Valiosas muestras de arte experimental con obras de Mauro Guzmán y Marco Giordano en el Centro Recoleta

 

ARTES PLÁSTICAS

     El jueves 29 de octubre, el Centro Cultural Recoleta inaugurará dos destacadas exhibiciones de artes visuales. “TrashGuzmanía 2001-2030”, una retrospectiva dedicada a Mauro Guzmán (Rosario, 1977) con la curaduría de Carla Barbero, que se expondrá en las salas 7, 8 y 9. Y “Slip Touch”, la primera exposición individual del artista italiano Marco Giordano en Sudamérica, que se presentará en la sala 6.

     Esta última cuenta con la curaduría conjunta de Michele D’Aurizio y Javier Villa y con el apoyo de la Dirección General de Creatividad Contemporánea del Ministerio de Cultura de Italia, a través del programa Italian Council, en colaboración con Creative Scotland y la Fundación Proa.

        Mauro Guzmán es una de las figuras más singulares del arte experimental argentino contemporáneo: protagonista de una práctica que atraviesa el objeto, el video, la fotografía, el cine, la performance y el teatro, que asume el artificio y el exceso como método de investigación.

        La muestra recorre más de dos décadas de una propuesta nacida en el residuo y el descarte. En sus obras, el artista asume distintos roles —autor, director, escritor, técnico, performer— para producir cruces entre lenguajes, materiales y formas de trabajo, articulando imaginarios trash y queer con una sensibilidad que recupera, deliberadamente, zonas marginales de la cultura.

       Organizada en cuatro núcleos, el primero reunirá las primeras obras de Guzmán realizadas a partir de materiales de descarte y elementos domésticos. El segundo estará dedicado a su investigación cinematográfica, con films y obras del proyecto Linda Bler.

        El tercer núcleo se concentrará en La Guzmanía, universo de instalaciones, objetos y situaciones donde el artista despliega una particular combinación de humor y experimentación material. El cuarto y último espacio presentará un archivo de su trabajo escénico reciente, que permite reconstruir procesos, colaboraciones y dispositivos vinculados con sus producciones teatrales y performáticas.

Las videoinstalaciones de Giordano

        En la sala 6, “Slip Touch” de Marco Giordano reunirá dos series de obras: un conjunto monumental de videoinstalaciones que reutilizan gasoductos industriales como dispositivos cinematográficos y un grupo de dibujos sobre papel de arroz.

       Ambas series profundizan la investigación del artista sobre las relaciones entre los flujos de energía y los de comunicación. A través de la escultura, la performance y las prácticas basadas en texto, Giordano viene examinando sistemas y estructuras que obstaculizan los encuentros significativos entre individuos y comunidades.

      Al cuestionar el imperativo de fluidez que gobierna las infraestructuras globales, Giordano pone en tensión las contradicciones del futuro energético, todavía ligado a prácticas extractivistas. Entre ellas, la creciente dependencia de las baterías de ion-litio para el almacenamiento de energías renovables, cuyos procesos de extracción producen efectos persistentes sobre territorios y comunidades sometidos durante largo tiempo al despojo material.

        “TrashGuzmanía 2001-2030” (salas 7, 8 y 9) y “Slip Touch” (sala 6) podrán visitarse desde el 29 de octubre a las 18 h en el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930) con entrada libre y sin costo para residentes y argentinos, de martes a viernes de 12 a 21 horas, sábados, domingos y feriados de 11 a 21 horas..

"Martha Foz", entre crímenes y demonios, un unipersonal de suspenso y tensión dirigido por Rita Terranova

 

TEATRO

           La obra “Martha Foz. crímenes y demonios” extenderá su temporada 2026 hasta el último viernes de octubre, siempre en El Camarín de las Musas a las 20.30.

      El nuevo espectáculo dirigido por Rita Terranova  y protagonizado por Heidi Fauth habla sobre una cronista de policiales, en un pueblo chico en los años 60, que es acusada de un extraño crimen, a lo que se suma una segunda y terrible historia, que no conviene anticipar.

     Obra concebida para una sola actriz, la intérprete encarna a varios personajes, en dos épocas diferentes y en varias tramas secundarias.

        Según sus responsables, se trata de una narración plena de suspenso, con matices de terror y cierta estética cinematográfica, tanto en la iluminación como en la elaborada banda sonora y el diseño de arte, que está a cargo de Vanesa Abramovich.

       El texto es de Guillermo Pintos, que es además periodista y crítico de música y ha escrito una veintena de títulos teatrales. Este es su primer estreno, trabajo premiado recientemente en España, así como otra de sus obras fue galardonada en Lanciano, Italia, en un concurso internacional para textos sobre temática gitana.

       Terranova viene ahora de dirigir con gran éxito Buenas Palabras, con Arturo Puig en el Teatro San Martín, y antes puso en escena “Babel Cocina”, de la que también fue co-autora.

         Heidi Fauth, por su parte, ha actuado por más de 25 años en los circuitos teatrales oficial, comercial e independiente, además de trabajar en cine y televisión. Compartió labores con actores como Hugo Arana, Enrique Pinti o Cristina Banegas, entre muchos otros, y fue dirigida por Eduardo Narvay, Anahi Ribeiro, Willy Landin Andrés Bazzalo o Marcelo Mangone, entre otros.

       Además de un espectáculo atrapante es una exploración sobre diferentes formas posibles del deseo, el delito y la justicia, en conflicto con los más primarios instintos humanos.

     “Martha Foz. Crímenes y demonios” se puede ver los viernes de octubre a las 20.30 en El Camarín de las musas, Mario Bravo 960. Entrada general $28.000 / Jubilados y estudiantes $19.500

Ser Humano, una experiencia que desde la danza habla sobre las tensiones y las relaciones de poder

 MUSICA/DANZA

       ¿Qué pasa cuando la vida se convierte en una partida donde cada movimiento tiene consecuencias? "No se puede vivir EN JAQUE" explora, desde la danza contemporánea y el jazz, las tensiones, alianzas y relaciones de poder que atraviesan los vínculos humanos.

         Con 13 intérpretes y una propuesta audiovisual inmersiva que integra cuerpo, iluminación, sonido y visuales, la obra construye un universo inspirado en el tablero de ajedrez, donde las reglas, los roles y las jerarquías se transforman constantemente.

        Una experiencia escénica que recorre el camino del orden al colapso y de la confrontación a la reconstrucción, poniendo en escena la fragilidad de los vínculos y la posibilidad de transformación colectiva.

      Ser Humano es una compañía de danza dedicada a la creación de obras escénicas que exploran los vínculos, las tensiones y las decisiones que atraviesan la experiencia humana. A través de un lenguaje que fusiona danza contemporánea y jazz, la compañía desarrolla universos escénicos donde el cuerpo se convierte en territorio de conflicto, encuentro y transformación.

      Sus creaciones se caracterizan por una fuerte impronta visual y dramatúrgica, integrando escenografías modulares, atmósferas lumínicas y una narrativa física que dialoga con problemáticas humanas universales.

Experiencias escénicas para reflexionar

        Ser Humano busca construir experiencias escénicas sensibles y potentes, donde el movimiento, la imagen y el espacio escénico se articulan para invitar al espectador a reflexionar sobre las dinámicas de poder, la fragilidad de los vínculos y la posibilidad de transformación colectiva.

      Desde una sensibilidad común, Tatiana Rohr y Ailén Rybak comparten una búsqueda centrada en el cuerpo como territorio de pensamiento, emoción y transformación.

     Su dirección propone procesos de creación donde la técnica dialoga con una fuerte construcción visual del espacio, expandiendo la narrativa coreográfica.

     Su trabajo se destaca por el cruce entre el movimiento, la dramaturgia física  e imágenes escenográficas que expanden la narrativa coreográfica, abordada desde un enfoque colaborativo a  través de un laboratorio de movimiento que integra la singularidad de cada intérprete  investigando  las dinámicas humanas que atraviesan los vínculos, el poder, la fragilidad y la cooperación.

     Todos los viernes de octubre a las 20.30 en Teatro El Cubo – Zelaya 3053, en el barrio del Abasto. Duración: 45 minutos.  Entrada general $35.000 -

El Museo Provincial Emilio Pettoruti lanza sus prácticas de formación en mediación y acciones en sala

 

ARTES PLÁSTICAS

      El  Museo Pettoruti lanza Museo/ Escuela. Prácticas de formación situadas. Mediación y acciones en sala. Se trata de un programa que abordará diferentes oficios y saberes que se practican en el Museo.

        Durante cuatro encuentros entre los meses de noviembre y diciembre se podrá conocer el Museo desde adentro, acercarse a sus colecciones y equipos, explorar herramientas de mediación y desarrollar una acción pública en sala. No se requiere experiencia. La actividad es gratuita con inscripción previa.

      El Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti abre la convocatoria para participar de “Museo/Escuela. Prácticas de formación situadas. En esta primera edición los encuentros se presentan en el marco de prácticas de mediación y acciones en sala, que se llevarán a cabo en el mes de noviembre y diciembre en la sede central del Museo (Av. 51 N° 525- La Plata).  Esta actividad forma parte de las propuestas del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.

     Museo / Escuela propone pensar el Museo más allá de la visita y la exhibición, como un espacio formativo y de acercamiento a los oficios, las prácticas y los saberes que hacen posibles el trabajo en el Museo. ¿Qué sucede detrás de una obra? ¿Cómo se construye una experiencia de visita? ¿Qué herramientas necesitamos para dialogar con el público?

      Esta iniciativa está dirigida a estudiantes de 2° año en adelante de carreras vinculadas con: Artes visuales · Historia del arte · Museología · Audiovisuales · Turismo · Periodismo l · Gestión cultural y disciplinas afines de instituciones educativas de la Provincia de Buenos Aires.

      Se podrá realizar la inscripción hasta el día 5 de noviembre completando el formulario.  Para consultas enviar un e-mail a areaeducacion@gmail.com

    Se puede requerir más información en el link https://museopettoruti.icpba.gba.gob.ar/

 

Fernando Lerman, Sari Tellas y Alejandro Polemann alumbran sus nuevas propuestas musicales

 

MÚSICA

         El compositor, saxofonista y flautista Fernando Lerman presenta su nuevo cuarteto de música argentina con obras propias y standards de la música nacional. Su paleta creativa reconoce influencias armónicas de autores académicos del siglo XX junto a recursos jazzísticos.

       Integran el grupo Tomás Babjaczuk en batería, Fefe Botti en bajo, Leandro Cacioni en guitarra y Fernando Lerman, vientos, composición y dirección. Lerman se estará presentando el viernes23 de octubre a las 20 horas, en el Auditorio Abuelas de Plaza de Mayo en el Centro Cultural Rojas, dentro del ciclo "Rojazz" y contará como invitados a Sandra Peralta (canto); Daniel Berbedés (actor) y Virginia Pagola (concertista de guitarra)

       Egresado del Conservatorio Nacional “López Buchardo”. Se formó con Hugo Pierre y Víctor Skorupski (saxofón) y Juan Carlos Zorzi (composición). Es doctor en Artes por la Universidad Nacional de las Artes y magister en Música Latinoamericana por la Universidad Nacional de Cuyo. Sus obras han sido interpretadas por reconocidos concertistas del país y del exterior. Ha editado más de 15 discos, solo o junto a otros artistas, 

      Ha compartido proyectos artísticos con Abel Rogantini “Astitor, Alejandro Manzoni“BIO", Máximo Rodríguez El Cuatriyo, Ricardo Nolé “Templando-Jazzdombe”, Ludmila Fernandez “Oliverio Girondo, para que siga dando vueltas”, Liliana Herrero “El grillo violinista”, Miguel Sosa y Fabio Zurita El Noneto, Gustavo Liamgot, María Estela Monti, Jorge Retamoza, Juan Falú, Obi Homer, Juan “Pollo” Raffo, Claudio Cecolli, Quito Gato y Alan Plachta.

    Las localidades, a 15 mil pesos, se adquieren online o el mismo día de la función en la boletería de planta baja, desde dos horas antes y solo en efectivo. O a la venta en www.rojas.uba.ar

Sari Tellas homenajea a Nebbia 

       Ya se encuentra en plataformas digitales una nueva edición de la cantante Sari Tellas. Pasaron dos años de la aparición de su álbum debut y, después de un largo proceso de elaboración, Sari lanza su segundo disco, cargado de nuevas vivencias y sentidos pero con su misma impronta personal.

      La primera canción es “Está en tus manos”, de Litto Nebbia, referente ineludible no solo del rock nacional sino de la música popular en general, quien cuenta con su propio sello musical (Melopea)y hoy en día, se encuentra en plena vigencia.

         Para Sari Tellas, el mundo musical creado por Litto Nebbia es conmovedor, ya que sus canciones forman parte de la infancia de la artista.

        La canción fue propuesta por el productor del álbum de Sari, Jerónimo Verdún, mientras iban seleccionando los covers que iban a integrar el repertorio. Así, a las canciones de los cuatro gigantes del rock (Charly, Sprinetta, Cerati y Fito) a quienes Sari ya había homenajeado en su primer disco, deciden sumar algo de quien “puso la primera piedra”. Litto.

       El regalo final llegó cuando, de la mano de Jero Verdún, Sari decide mostrarle la versión al mismo Litto Nebbia y él se suma a grabar fragmentos y coros, con una humildad y una generosidad, dice Sari,  típicas de un grande. El álbum completo, resultado de un largo proceso de exploración, preproducción y construcción sonora, se llama “Quedarse acá”.

Polemann hizo un "Flor de enchastre" 

      El guitarrista y compositor Alejandro Polemann viene presentando en distintos espacios, como el reciente en el Centro Cultural de la Cooperación  su nuevo disco, dentro de su proyecto Flor de enchastre, que cumple en estos días sus 25 años de trayectoria. 

     Polemann, compositor, cantante y guitarrista presentará "Hermosa Abuelidad", título de una de las canciones, dedicada a las Abuelas de Plaza de Mayo, siempre dentro de un repertorio que combina ritmos como el tango, murga, milonga y candombe, con textos de clara intención social.

     Otros de los títulos son Sororidad que arrasa, Punto de Encuentro, El viejo pabellón o una nueva versión de Allamar, que integró su primera grabación hace casi un cuarto de siglo y es declaración de principios estéticos y políticos. Desde el 11 de septiembre el disco estará disponible en Spotify entre otras plataformas.

       Esta vez integran el grupo, Caro Allende (voz), Alejandro Presta (voz), Mariano Burnengo (bandoneón), Marcos Ruffo (contrabajo), Hugo Bochard (percusión), Cynthia Atienzo (violín), Alejandro Polemann (voz, guitarra, composición y arreglos)

 

"Esperando a Godot", la obra cumbre de Beckett, entre el sentido de la existencia y la espera interminable

 

TEATRO

        Bajo la dirección de la prestigiosa directora española Helena Pimenta y con un destacado elenco, se estrena una nueva versión de “Esperando a Godot”, la obra cumbre de Samuel Beckett.

         Esta puesta se podrá ver desde este próximo fin de semana en el Teatro Presidente Alvear, donde resurgirá un clásico indiscutido del teatro en el siglo XX, con dirección de la dramaturga y directora española Helena Pimenta y un elenco notable que integran Daniel Aráoz, Luis Ziembrowski, Osvaldo Santoro y Pablo Seijo.

          Helena Pimenta, quien cuenta con una trayectoria de más de cincuenta espectáculos y fue la primera mujer en liderar la Compañía Nacional de Teatro Clásico de su país, regresa a Buenos Aires donde en 2013 presentó una recordada puesta de La vida es sueño de Calderón en el Teatro San Martín.

        Al referirse al trabajo que presentará ahora, la directora destacó que “montar Esperando a Godot en Buenos Aires es un sueño cumplido que dialoga con el presente, pues sus jirones de vida de los años 50 le hablan al mundo de hoy. Beckett apela a que el ser humano no se deje destruir, usando la combinación de gravedad y humor para resistir al dolor”.

       El espectáculo se presentará en el Teatro Presidente Alvear (Av. Corrientes 1659) de miércoles a sábados a las 20 horas y los domingos a las 19 horas. Su duración es de 120 minutos. "Esperando a Godot" es una coproducción entre el Complejo Teatral de Buenos Aires y Club Media.

    La producción cuenta con las actuaciones de destacados referentes de la escena local como Daniel Aráoz (Estragón) quien manifestó su entusiasmo por encarar este clásico: “Este teatro es una maravilla y hacer una obra de Beckett, que es muy ' fuertona' , porque por momentos es insoportable, pero es una metáfora de la realidad y del mundo”.

     Por su parte, Luis Ziembrowski (Vladimir) se mostró desafiado por el proyecto, asumiendo que, cuando se trata del teatro del autor irlandés, “siempre implica iniciar un camino que nunca se sabe cómo va a terminar”. Osvaldo Santoro (Pozzo) y Pablo Seijo (Lucky) completan el elenco de este clásico contemporáneo que finalmente pudo concretarse tras un largo proceso de planificación y coordinación institucional.

Beckett y la transformación de la dramaturgia 

        Escrita por Samuel Beckett entre 1948 y 1949, y estrenada en París en 1953, Esperando a Godot transformó de manera radical la dramaturgia del siglo XX al romper con el naturalismo literal e inaugurar el llamado Teatro del Absurdo. Cuando despojó el escenario de artificios y redujo la acción a la perseverante espera de dos figuras, Beckett devolvió al teatro sus raíces metafóricas, creando una obra maestra de resonancia universal.

     Desde entonces, "Esperando a Godot" fue montada por algunos de los directores más influyentes del teatro del mundo, comenzando por Roger Blin, quien estuvo a cargo del estreno mundial de 1953, y el propio Beckett, quien dirigió una puesta emblemática en el Schiller Theater de Berlín en 1975.

       En el escenario anglosajón destacan Peter Hall, pionero del estreno en inglés en Londres en 1955, Herbert Berghof, responsable del debut en Broadway en 1956, y Walter Asmus, cercano asistente de Beckett que difundió sus notas de dirección junto al Gate Theatre de Dublín.

     La pieza contó también con versiones comprometidas e innovadoras como las de Otomar Krejča en el Festival de Avignon, Donald Howarth con un elenco multirracial en la Sudáfrica del apartheid e Ilan Ronen con una aclamada versión bilingüe en Israel.

       En el mundo hispanohablante destaca el argentino Jorge Petraglia, director del histórico primer estreno en Sudamérica de Esperando a Godot, en 1956, en la Casa de Mendoza (ubicada en la calle Florida al 700 de Buenos Aires), protagonizado por Leal Rey (Vladimir), Roberto Villanueva (Estragón), Nodier Lucio (Lucky) y Ricardo Petraglia (Pozzo).

 

 

 

Oscar Araiz propone en su nueva obra Quimera un tributo a la poética y la estética de Federrico García Lorca

 

MUSICA/DANZA

       El destacado coreógrafo y director argentino Oscar Araiz presenta Quimera, una creación inspirada en la poética y estética de Federico García Lorca, concebida especialmente para el espacio La Capilla del Centro Cultural Recoleta.

         En la mitología clásica ‘quimera’ es un monstruo con cabeza de león, vientre de cabra y cola de dragón, que como alegoría de la diversidad que escapa al pensamiento bipolar propio de Occidente.

      Metafóricamente se trata de una convivencia de naturalezas diferenciadas; así la diversidad de técnicas, estilos y experiencias presentes en el grupo que interpreta Quimera.

       Algunos de los personajes de este ejercicio teatral llevan el nombre de un color: Azul, Negro, Rojo, permitiendo una multiplicidad de interpretaciones. La disparidad predomina.

        Quiméricos son la paternidad, El Niño Muerto de “Así que pasen cinco años”, la frustración amorosa, el rito carnal que el amor exige; los temas confesionales. En Quimera predominan la exploración del fenómeno poético, su disparidad temática y visual, como el objeto y su humanización (el Maniquí y su vestido de novia), libre de literalismos lineales y en una atmósfera atemporal.

        Según Araiz “es bastante constante mi preferencia por la diversidad en los elencos con los que trabajo. En éste destaco la presencia de figuras con altos talentos académicos: Jazmín Gude Alonso, Valentin Fernández, Martín Alvarez (primeros bailarines del Ballet Estable del Teatro Argentino de La Plata gracias a la autorización de su directora Fernanda Bianchi, quien paseó por mi repertorio y dejó sus marcas), Sofía Mazza, maestra e intérprete de "Boquitas Pintadas" y "La Consagración de la Primavera".

     Menciona también a Yamil Ostrovsky (asistente y repositor desde largo tiempo y actual maestro creador y director de su compañía de Teatro del movimiento integrado por jóvenes ex alumnos del Instituto Superior de Arte con sobresalientes potenciales para asistir o coordinar diferentes aspectos de la profesión), Sofía Di Núbila o Pablo Ripari.Señala a "Sofía Brochard, actriz sensible, Marcela Suez brillante del flamenco que nos cedió generosamente su estudio, Lucía Fucci con formación contemporánea y Sofia Muñoz procedente de la Universidad de San Martín.

         Con vestuario de Renata Schussheim Quimera despliega -a lo largo de cinco escenas o cuadros-, diferentes atmósferas anímicas donde las fronteras entre lo visual, lo sonoro y la acción corporal se desdibujan para invitar al espectador a una experiencia sensible. "Procuro convocar al público a participar de un juego estético formal, emocional y simple", concluye Araiz.

       "Quimera",  con dirección de Oscar Araiz, se presenta los días jueves 22 y 29 de octubre a las 19 horas  en La Capilla del Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, CABA). La entrada es libre y sin costo para argentinos y residentes y el ingreso por orden de llegada hasta agotar la capacidad del espacio.