"Cambio de armas", el rescate de una obra esencial de Luisa Valenzuela, junto a otros cuentos políticos

 LIBROS

         Mucho antes de que los crímenes del terrorismo de Estado pudieran ser nombrados con la precisión que hoy conocemos, Luisa Valenzuela escribió una serie de relatos que se internan en el miedo, el control, la violencia y la desaparición desde una perspectiva literaria de extraordinaria potencia. Lo hizo mientras el horror estaba ocurriendo.

   "Cambio de armas" es una de las obras fundamentales de la literatura argentina contemporánea y un testimonio excepcional por su lucidez, su audacia y su ambición estética, así como otros cuentos que mantienen una vigencia inquietante.

       En sus cuentos, el terror también se inscribe sobre el cuerpo de las mujeres, que encuentra un lenguaje propio para narrar la violencia y la opresión desde la experiencia íntima. Esa mirada, profundamente literaria y política a la vez, convierte a "Cambio de armas" y otros cuentos políticos en una obra que continúa interpelando a nuevas generaciones de lectores.

       Cinco décadas después del golpe de Estado, y en un contexto en el que resurgen discursos que relativizan o reivindican algunos de los episodios más oscuros de nuestra historia, la recuperación de este clásico adquiere una renovada relevancia.

       La publicación de esta obra se enmarca en la Biblioteca Luisa Valenzuela, un proyecto de recuperación que Marea encara junto a las editoriales interZona y Factotum, con el fin de reunir y difundir la obra de esta autora central, y que incluye ensayos y obras de ficción.

       Las armas que no se ven son las que producen las heridas más profundas. En estos cuentos, esas armas, la de los cuerpos y las palabras, se superponen con las letales, las que se manipularos con horror y son dimensión durante los años de la dictadura.

        Porque los encuentros de personajes como Bella y Pedro del cuento “Cuarta versión” o Amanda y Coyote, en “Ceremonias de rechazo”, están inmersos e impresos en “un tiempo de miedo arqueado sobre la superficie consciente. “Se trata de alcanzar la máscara transparente para que el torturador no advierta ese anhelo de existencia.

           Pero los amantes que inventa -o transcribe- Luisa Valenzuela en sus relatos, benévolos o subyugados, terminan mostrando todo lo que tienen y de allí el desgarro que se implementa como despedida en las distintas historias.

       En medio de estallidos de bombas y disparos, sólo el espejo plantea un intervalo, un espacio para el desconocimiento. Es entonces que la narradora que transita estos cuentos, a veces expuesta en bastardillas, otras camuflada en voces ajenas, pone al descubierto lo que no se ve y lo que no se dice para hallar lo que realmente transcurre.

            El valor real e intransferible de este libro provocó su prohibición durante la última dictadura militar argentina, por eso debió ser publicado por primera vez en Estados Unidos. Cambio de armas es, de ese modo, un libro insoslayable en la obra de Luisa Valenzuela, ahora al alcance de todos sus lectores.

       Luisa Valenzuela es una escritora argentina autora de más de 80 obras, entre novelas, cuentos, microficción y ensayos. Ejerció profesionalmente el periodismo durante largos años y continúa escribiendo columnas para medios nacionales y extranjeros.

La vida y obra de AnneMarie Heinrich, artista del retrato, en un documental dirigido por su bisnieta

 CINE

        Tras su paso por el BAFICI, "Annemarie" tendrá su estreno en Malba Cine durante el mes de octubre. El documental de Mariana Sanguinetti, bisnieta de la fotógrafa Annemarie Heinrich, se sumerge en la vida y obra de esta pionera, autora de algunos de los retratos más emblemáticos de la cultura nacional.

          A través de su archivo, testimonios familiares y la obra de Heinrich, la directora emprende una búsqueda que trasciende el retrato de una artista para convertirse en una reflexión íntima sobre la memoria, la familia, el paso del tiempo y la propia mirada. Una película sobre una fotógrafa, pero también sobre los vínculos que construyen una vida.

         Participan en este documental Annemarie Heinrich, Alicia Sanguinetti,Ricardo Sanguinetti, Dennis Connors,Úrsula Heinrich, Graciela Borges y Mirtha Legrand

         Mariana bucea a través de la obra y el archivo personal de su bisabuela Annemarie Heinrich, y testimonios de colegas y familiares, para retratar a esta pionera en la fotografía.

        La película que comenzó siendo un retrato biográfico de Annemarie se convertirá en un retrato de la familia, la vejez, Buenos Aires, la conservación de la memoria, el apuro por hacer cine, el paso del tiempo y la pregunta tanto para Mariana y para Annemarie, ¿de qué está hecha una vida?

        Annemarie Heinrich (1912–2005) fue una fotógrafa alemana radicada en Argentina. A los 17 años estableció su primer estudio fotográfico en Buenos Aires. Su práctica artística expandió los horizontes de experimentación y creación para las mujeres artistas en el campo de las artes visuales.

         Su trayectoria es fundamental para comprender la historia del arte moderno desde Latinoamérica. Fue aprendiz en el atelier de Melitta Lang; con Rita Branger se interiorizó en las técnicas de laboratorio y con Sivul Wilenski descubrió los secretos del retoque.

           A su estudio fotográfico, ubicado en las cercanías del Teatro Colón y de la emisora de radio El Mundo, acudieron estrellas del teatro, la radio, la ópera, el cine y otros ámbitos de la cultura, tales como la actriz Eva Duarte, Pablo Neruda, Jorge Luis Borges, Mercedes Sosa y Ástor Piazzolla.

          Junto con colegas, fundó la Asociación de Fotógrafos Profesionales y entre 1953 y 1959 formó parte de “Carpeta de los diez”, grupo de fotógrafas y fotógrafos profesionales que desarrolló un método particular de trabajo mediante carpetas temáticas y críticas escritas sobre sus fotografías.

              En 1979 formó parte de la creación del Consejo Argentino de Fotografía. Sus obras integran colecciones nacionales e internacionales, entre ellas las del Museum of Modern Art (EE. UU.), el Metropolitan Museum of Art (EE. UU.), el Musée de la Photographie à Charleroi (Bélgica), el Museo Nacional de Bellas Artes (Argentina), el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Argentina) y el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Argentina).

        Mariana Sanguinetti es directora, guionista y actriz en cine y otras áreas audiovisuales. Su primer cortometraje Antes de irme se presentó en el Festival Internacional de Cine de Rotterdam y el New York Film Festival, entre otros.

          Su segundo cortometraje Tan perdida como convencida (2020) se estrenó en el Festival Internacional de Valdivia, luego en el Festival Message2Man (San Petersburgo) y en el BAFICI 2021. Su tercer cortometraje La necesidad de un testigo (2023), en codirección con Renzo Cozza, se estrenó en el Festival Internacional de Mar del Plata, recibiendo una Mención Oficial del Jurado. 

        Participó de la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires, del Berlinale Talents Buenos Aires, y del Programa de cine de la Universidad di Tella. Viajó al Laboratorio de Nuevas Películas en TyPA con el guión de largometraje Estamos todos bien, coescrito junto a Renzo Cozza. También seleccionado para el concurso Raymundo Gleyzer, y para Proyecta en Ventana Sur. Annemarie (2026) es su ópera prima documental, sobre su bisabuela, la reconocida fotógrafa Annemarie Heinrich, estrenada en el 27 BAFICI.

 

 

 

 

Joshua Redman y Kenny Garrett, dos grandes del jazz internacional, se presentan en Bebop Club

 

MUSICA    

     Buenos Aires, siempre es una ciudad  receptiva a todos los géneros, sean locales o del mundo. Asi, por estos días será un lujo recibir a dos grandes del jazz internacional: Joshua Redman se presenta el 3 y 4 de octubre junto a su cuarteto, y Kenny Garrett llega con Sounds From The Ancestors en noviembre, los días sabado 14, domingo 15 y lunes 16.

    Ambos shows serán en dobles funciones, a las 20 y 22.30 en Bebop Club, Uriarte 1658 (Palermo, CABA), con entradas desde $ 60.000 a través de www.bebopclub.com.ar, por boletería de martes a domingos de 17 a 20,  o en puerta.

     Los shows son puntuales. Para los primeros ,se da puerta una hora antes; para los segundos, media hora antes

    Joshua Redman, uno de los saxofonistas más destacados de su generación, se presentará el sábado 3 y domingo 4 de octubre junto a su nuevo cuarteto, mientras que Kenny Garrett, figura fundamental del jazz moderno, llegará a Buenos Aires con su proyecto Sounds From The Ancestors para seis funciones el sábado 14, domingo 15 y lunes 16 de noviembre.

     Dos artistas de enorme trayectoria, con una profunda conexión con la tradición del jazz pero también con una permanente búsqueda de nuevos lenguajes, serán protagonistas de la programación internacional de Bebop Club.

    Joshua Redman llegará a Buenos Aires junto a su cuarteto, integrado por Paul Cornish (piano), Philip Norris (contrabajo) y Nazir Ebo (batería), para presentar Words Fall Short, su nuevo álbum para el prestigioso sello Blue Note.

    Hijo del legendario saxofonista Dewey Redman, Joshua construyó desde los años 90 una de las carreras más destacadas del jazz internacional. 

    Graduado summa cum laude de Harvard, en 1991 ganó el Thelonious Monk International Saxophone Competition, reconocimiento que impulsó una trayectoria que incluye más de veinte álbumes y colaboraciones con algunos de los grandes nombres de la música.

      En Words Fall Short, composiciones desarrolladas durante la pandemia encontraron su forma definitiva a través de la interacción con una nueva generación de músicos.

     El resultado es una obra en la que tradición, improvisación y exploración conviven, reafirmando a Redman como una de las voces más personales 

Garrett y su influencia como saxofonista

    En tanto, en noviembre, Bebop Club recibirá a Kenny Garrett, uno de los saxofonistas más influyentes de las últimas cuatro décadas, quien llegará con Sounds From The Ancestors, el proyecto que actualmente lleva a los escenarios de todo el mundo.

    Ganador del Premio Grammy y reconocido por la crítica como una de las voces fundamentales del jazz contemporáneo, Garrett ocupa además un lugar destacado en la historia del género por haber integrado, a fines de los años 80, la última gran banda de Miles Davis. 

     Aquella experiencia marcó el comienzo de una carrera extraordinaria, que luego lo llevó a colaborar con artistas como Freddie Hubbard, Woody Shaw, Bobby Hutcherson, Chick Corea, Herbie Hancock, Roy Hargrove, Pharoah Sanders, Marcus Miller, Ron Carter, Terence Blanchard, Mike Stern y Sting, entre muchos otros.

     Sounds From The Ancestors propone un recorrido por las raíces de la música afroamericana a través del jazz, el blues, el gospel, los ritmos africanos, el funk y la improvisación.

     La tradición aparece aquí no como una mirada hacia el pasado, sino como un punto de partida para una música viva, en permanente transformación.

   Para esta gira estará acompañado por Melvis Santa (voz), Keith Brown (piano), Corcoran Holt (contrabajo), Ronald Bruner Jr. (batería) y Rudy Bird (percusión).

 

 

 

 

Una muestra de imágenes que evoca la obra del director teatral Jorge Lavelli se presenta en el Hall del TSM

 

FOTOGRAFÍA/TEATRO

 

      El Complejo Teatral de Buenos Aires inaugurará el próximo martes 6 de octubre  la muestra “Jorge Lavelli: el gesto inconformista”, un homenaje dedicado al director argentino de teatro, en el Hall Alfredo Alcón del San Martín (Av. Corrientes 1530, primer piso).

        La exposición propone un recorrido por algunos de los espectáculos más emblemáticos del destacado director teatral que fueron presentados en esta casa: Yvonne, princesa de Borgoña, Macbett de Eugène Ionesco (1993), Seis personajes en busca de autor de Luigi Pirandello (1998), Mein Kampf, farsa de George Tabori (2000), La hija del aire de Pedro Calderón de la Barca (2004) y Rey Lear de William Shakespeare (2006).

         Reconocido por haber fundado el Théâtre National de la Colline en Francia y por consolidar la figura del director como un creador total, Lavelli se convirtió en el gran impulsor de la dramaturgia contemporánea al llevar a la escena a autores como Copi y Gombrowicz.

         Su poética se caracterizó por un marcado inconformismo estético que rompió con el realismo tradicional mediante puestas abstractas, un uso plástico del espacio, iluminación expresionista y un equilibrio perfecto entre la farsa y la tragedia.

          Desde esta óptica moderna e iconoclasta, provocó profundas lecturas con sus vanguardistas montajes de clásicos como Calderón, Molière, Goethe, Chéjov y Shakespeare.

          La muestra estará abierta al público de martes a viernes, de 14 a 21 horas, y los sábados y domingos de 13 a 20 horas, con entrada sin costo.

Los retratos de Julie Weisz

     Días pasados, en tanto, se presentó en la FotoGalería Sara Facio del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530) el libro Retratos & autorretratos, de la artista y fotógrafa Julie Weisz. La presentación estuvo a cargo de la editora y curadora Silvia Mangialardi y Claudio Larrea, director de la FotoGalería.

    La publicación reúne una cuidada selección de la obra de Weisz, estructurada en torno al diálogo entre la mirada propia, la vulnerabilidad del cuerpo y el encuentro con el otro. 

  

     El corpus de retratos ofrece un recorrido por la escena cultural y artística de Argentina a través de miles de negativos acumulados a lo largo de su carrera. Lejos del registro formal o de la pose ensayada, la búsqueda de la artista se enfoca en el instante en que la persona retratada se despoja de su máscara pública, permitiendo emerger un gesto genuino e íntimo.

 

        En sus autorretratos, Weisz aborda un plano introspectivo atravesado por vivencias personales, dolencias y procesos de transformación física. La cámara opera como un instrumento de indagación y resistencia, donde el cuerpo expuesto reafirma la propia identidad y la capacidad de habitar múltiples facetas ante el paso del tiempo.

 

Verónica Pellaccini se anima a armar dos unipersonales: "El Bien" y "El Mal", dando vida al mismo personaje

 TEATRO 

“EL BIEN y EL MAL”, con texto y dirección de Lautaro Vilo

      Es un hecho singular en la cartelera porteña: Verónica Pelaccini ya no hace un unipersonal, hace dos a la vez, y ambos sobre el mismo personaje. Esto es una saga: la Saga Guadalupe, a la manera de las películas o de las series de streaming, cuyos dos episodios: El bien y El mal conviven en la cartelera.

      Primero la conocimos en El bien, la elogiada primera parte de esta saga que recorrió durante tres años la cartelera de Buenos Aires: una madre, esposa y agente inmobiliaria que, por resolver una herencia familiar, se enreda en una historia de amor impensada con quién no debería, en una aventura demasiado riesgosa y cercana. Con Guadalupe conocimos a una mujer que siente vértigo ante la aventura, pero se sobrepone a todo, un volcán a punto de entrar en erupción.

      Si te enamoraste, si te engañaron o engañaste, si te tiraste a la pileta, si te prendiste fuego, tenés que ver esta obra.

       Guadalupe: El mal sucede unos años después. La protagonista, hastiada de su trabajo, con su hija terminando el secundario y su matrimonio tomado por la rutina, recibe la visita de una vieja amiga del pasado que tiene una vida extraordinaria y viene a sacarla de la monotonía.

       Con ella, emprende un viaje para ponerse al día y quizás empezar un proyecto juntas. Pero esta nueva aventura en un territorio extraño se vuelve rápidamente desafiante, peligrosa y reveladora, al punto que toda su vida puede dar un giro insospechado.

     Si abrazas el anhelo de una fuga, si sentís que la fiesta está en otra parte y que a tu vida le falta intensidad, si estás a punto de patear el tablero, tenés que ver esta obra.

        Son obras autónomas, por lo que no es necesario haber visto una para entender la otra, pero ver las dos es un recorrido cautivante para el espectador y una oportunidad excelente para ver la única saga unipersonal de la cartelera porteña.

     Con actuación de Verónica Pelaccini, diseño de escenografía y vestuario de Cecilia Zuvialde,  diseño de iluminación: Facundo Estol y asistencia de dirección de Julián Moldavsky, las funciones de “El Bien” son los sábados 26 de septiembre y el 10 y 24 de octubre a las 18 horas

     En tanto “Guadalupe: el  mal” se puede ver el viernes 25 de septiembre y los sábados 17 y 31 de octubre a las 18. Ambas duran 50 minutos, y se presentan en la Sala Caras y Caretas, Sarmiento 2037. Entradas por Passline.

     Hay promo: con ticket en mano de cualquiera de las obras, por boletería, pueden comprar con 50% de descuento para la otra.

 

Con guiños a O`Neill y Arlt, "El cristal con que se mira" indaga en la forma de mirarnos unos a otros

 TEATRO

      “El cristal con que se mira” nace de un puñado de preguntas que nos convocan ¿Quién es quién? ¿Somos los mismos, nos mire quien nos mire? ¿Es indistinto que nos defina quien nos ama, o quien apenas nos conoce, o quien nos odia, nos admira, nos envidia? ¿Somos lo que mostramos? ¿Mostramos lo que somos? ¿Sabe alguien quién es el de al lado? ¿Todos nos animamos a escudriñarnos a nosotros mismos? Hay una atracción por desentrañar la vida del otro, espiarlo, suponerle valores y miserias, pero ¿espiar es conocer?

       A la búsqueda de algún tipo de respuestas, merodeamos el maravilloso monólogo "Antes del desayuno” de Eugene O’Neill que retrata la tensión y el conflicto en un desgastado matrimonio en los años 50. Lo trajimos a la década de los 80 en Buenos Aires.

        Esta obra se enmarca en distintos andariveles: comienza con un video donde un actor aspirante a un papel rinde su prueba, pero luego tendrá intervención con el transcurrir de la historia. El recurso del video de fondo, que se mantiene durante todo el tiempo, muestra escenas urbanas o interiores de la época en que transcurre la obra.

       Con el marco sonoro de melodías emanadas de un guitarrista que permanece en escena y vinculada música con la historia, cada uno de los personajes hace su propio monólogo introduciendo a una historia donde se mezclan el drama y la ironía. Hacia el final, todos confluyen en un desenlace casi  costumbrista, y en el que por momentos, los diálogos simultáneos reflejan el caos de la historia, y hasta se tornan un poco confusos. Pero aún así, aportan a la resolución del tema principal. 

       "Nos propusimos husmearlos a través de distintas miradas. Le inventamos una improbable mucama, a quien por supuesto también acechamos. Nos conmovimos con ella, intentamos acompañarla… y saber de su pequeñísima vida. Al poner a O’Neill a dialogar con Roberto Arlt y sus “Ventanas iluminadas”, nos cruzamos con un vendedor de diarios, también deseoso él de hurgar en otras vidas, más interesantes que la suya. Entonces empezamos a investigar… ¿un crimen? Y nos salió al cruce una maquiavélica chusma, acostumbrada a vampirizar las privacidades ajenas", señalan sus autores..

       Y dicen que "obviamente, este recorrido, contextualizado en nuestro quehacer actoral, nos empujó a otros interrogantes sobre el actuar, la verdad del personaje y la del actor, el interjuego entre ambas. La escena detrás de la escena. Y arribamos, por supuesto, circularmente, a las mismas preguntas, que ¿por qué no?, le haremos a nuestro público. Como ¿Alguien sabe quién era el muerto?".

   Con dramaturgia de Creación Colectiva, la obra cuenta con las actuaciones de Rubén Cohen, Marisol Hernández, Laura Mosquera y Gabriela Pelliccia, con voz en Off de Rodrigo Alonso, encargado también del video y fotografía. Músico en Escena y música original de Nicolás Maccora. Diseño de Iluminación y dirección de Bruno Blasi.

   "El cristal con que se mira" se presenta en Itaca Complejo Teatral , Humahuaca 4027, del barrio de Almagro. Duración: 70'. Todos los viernes a las 20 horas hasta el 30 de octubre. Las entradas por  Alternativa teatral:

Shantala Ferreyra Quinteto busca explorar nuevos matices sonoros dentro del jazz argentino contemporáneo

 

MUSICA

       El jueves 24 de septiembre, a las 19 horas, el ciclo CCEBA Jazz ofrecerá un nuevo concierto con la presentación del Shantala Ferreyra Quinteto en el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA, Paraná 1159), con entrada libre y gratuita hasta completar el espacio.

        El ciclo coordinado por Julia Moscardini está orientado en difundir y promover el jazz argentino contemporáneo. En esta oportunidad la formación liderada por la clarinetista y compositora Shantala Ferreyra desplegará un universo sonoro atravesado por la improvisación, la interacción colectiva y la exploración de nuevos matices sonoros.

       Creado a principios de 2024, el quinteto está integrado por: Shantala Ferreyra e Inti Sabev en clarinete y clarinete bajo; Lau Lovotti, en contrabajo; Augusto Vega, en guitarra eléctrica y Gonzalo Goicoechea, en batería.

      Desde sus inicios, uno de los rasgos distintivos del proyecto ha sido el protagonismo del clarinete como eje expresivo y punto de partida para la construcción de un lenguaje propio, en el que conviven la escritura, la improvisación y una intensa búsqueda colectiva.

       En 2025, el grupo lanzó su primer álbum, Crisálida, integrado por composiciones originales de Shantala Ferreyra. El trabajo refleja la identidad artística del quinteto y propone un recorrido por diferentes climas y paisajes sonoros, equilibrando la composición con la libertad interpretativa.

     Para este concierto, el Shantala Ferreyra Quinteto interpretará música de Crisálida junto con nuevas composiciones en las que el grupo ha estado trabajando durante este año. La presentación ofrecerá así un adelanto de la próxima etapa creativa del proyecto y de los nuevos caminos sonoros que viene explorando la formación.

       Durante 2026, el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA) expresó su reafirmacion con la promoción y difusión del jazz contemporáneo a través de una nueva edición de CCEBA Jazz. 

    Con más de una década de trayectoria, el ciclo se ha consolidado como un espacio de referencia para la circulación y visibilización de proyectos originales de la escena jazzística argentina.