Bellas Artes rescata la identidad cultural entre Argentina y España en la muestra "Itinerarios artísticos"

 

ARTES PLÁSTICAS

      Ya se puede visitar en el Museo Nacional de Bellas Artes “𝗜𝘁𝗶𝗻𝗲𝗿𝗮𝗿𝗶𝗼𝘀 𝗮𝗿𝘁𝗶́𝘀𝘁𝗶𝗰𝗼𝘀 𝗲𝗻𝘁𝗿𝗲 𝗹𝗮 𝗔𝗿𝗴𝗲𝗻𝘁𝗶𝗻𝗮 𝘆 𝗘𝘀𝗽𝗮𝗻̃𝗮 (𝟭𝟴𝟴𝟬-𝟭𝟵𝟯𝟬)”, la nueva exposición temporaria que da cuenta de los vínculos personales, los intercambios y las influencias entre artistas de ambos países.

         Con curaduría de las investigadoras del museo Florencia Galesio, Paola Melgarejo y Patricia Corsani, la muestra reúne más de 60 pinturas del patrimonio del Museo y de otras instituciones, y forma parte de un proyecto de intercambio entre especialistas de España y Latinoamérica, impulsado por el Departamento de Bellas Artes de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Granada, en Andalucía.

        “Nunca antes se habían mostrado en el Bellas Artes obras de argentinos y españoles contemporáneos en forma conjunta y en diálogo, de un período relevante para la historia del arte de nuestro país”, indicó el director del Bellas Artes, Andrés Duprat.

      En tanto, el embajador español, Joaquín de Arístegui Laborde expresó que , “para nuestro gobierno siempre es un orgullo colaborar con esta institución amiga, que contiene uno de los corazones artísticos de España en la Argentina”.

        Por su parte, Rafael López Guzmán, catedrático de la Universidad de Granada, manifestó: “Esta muestra es un espacio de diálogo en un momento histórico determinado entre la conmemoración del cuarto centenario del Descubrimiento de América, en 1892, y la Exposición Iberoamericana de 1929-1930, en Sevilla”.

          La muestra puede visitarse 𝗵𝗮𝘀𝘁𝗮 𝗲𝗹 𝟮 𝗱𝗲 𝗮𝗴𝗼𝘀𝘁𝗼 en el primer piso del Museo, en Avenida del Libertador 1743, de martes a viernes, de 11 a 19.30 (último ingreso), y los sábados y domingos, de 10 a 19.30. “Itinerarios artísticos entre la Argentina y España (1880-1930)”

        Duprat señaló que “las investigadoras del Museo se propusieron reconstruir los viajes formativos y exploratorios a la península ibérica realizados por artistas argentinos cuya producción se encuentra en el acervo institucional. De igual modo, indagaron sobre la visita de pintores hispanos a nuestro país, adonde llegaron en busca de inspiración o para participar en exhibiciones”.

Primeros viajes a la península

            En efecto, el punto de inicio de la exposición son los primeros viajes a la península a fines del siglo XIX de aquellos artistas argentinos que, en lugar de elegir Francia o Italia –sitios predilectos de los pintores de la Generación del 80–, optaron por realizar estancias formativas en Madrid, Granada, Vigo, Sevilla, Barcelona, Toledo o Mallorca.

         Bajo la guía de maestros de renombre como Eduardo Chicharro, Ignacio Zuloaga y Hermenegildo Anglada Camarasa, estos viajeros lograron plasmar en sus pinturas paisajes y motivos españoles, además de compartir experiencias con otros pintores contemporáneos

          Otro de los aspectos que refleja la muestra es la consolidación, entre 1880 y 1930, de Buenos Aires como mercado importante para el arte español, impulsado por la prosperidad económica local y la visión de marchands como el catalán José Artal.

          Este auge comercial fue paralelo a la fundación, en 1895, del Museo Nacional de Bellas Artes, que bajo la gestión de Eduardo Schiaffino comenzó a incorporar obras de artistas españoles (Joaquín Sorolla, Santiago Rusiñol y Eliseo Meifrén, entre otros) gracias a adquisiciones y legados de coleccionistas como Parmenio Piñero y Ángel Roverano.

          El recorrido continúa en la década de 1920, momento en que los argentinos alcanzaron gran repercusión en el medio español con sus exhibiciones, al tiempo que nuevas generaciones de artistas como Antonio Berni y Norah Borges comenzaban a renovar su lenguaje visual en contacto con las vanguardias europeas.

          Por último, en la exhibición se incluye un apartado con la participación del país en la Exposición Iberoamericana de Sevilla de 1929, donde la Argentina montó un pabellón que propuso la fusión de la herencia europea con la raíz americana.

      La exposición también reúne obras de los argentinos Emilio Caraffa, Alfredo Gramajo Gutiérrez, Severo Rodríguez Etchart, José Antonio Terry, Francisco Vidal, Rodolfo Franco, Gregorio López Naguil, Tito Cittadini, Léonie Matthis y Francisco Bernareggi, entre otros. Además de los mencionados, entre los españoles se destacan Julio Romero de Torres, Darío de Regoyos y Valdés, Fernando Álvarez de Sotomayor, Mariano Fortuny y Ramón de Zubiaurre y Aguirrezábal.

 

 

Vuelve el BAFICI, con todo el cine independiente, y más de 300 películas de aquí y del mundo

 CINE

      Comienza una nueva cita con el cine independientes. El Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI) se inicia el próximo miércoles 15 de abril, en su edición número 27, que presentará 327 películas en diversas sedes de la Ciudad de Buenos Aires, donde se proyectarán 147 producciones nacionales y más de 112 estrenos internacionales.

     El ciclo, que cierra el 26 de abril, se presentará en nueve sedes porteñas, con un total de 15 pantallas y, entre los títulos extranjeros, se encuentran films provenientes de países como España, Francia, India, Tailandia e Irán.

       La apertura el BAFICI estará a cargo de “Orgullo y prejuicio”, (foto) una adaptación del clásico de Jane Austen ambientada en la Mar del Plata actual, bajo la dirección de Matías Szulanski. Este título se convirtió en una comedia feroz que tira dardos al mundo del cine, al uso de la IA y a falsedades diversas.

        El cineasta propuso adaptar a Jane Austen en un set de filmación para hacer una comedia romántica con personajes no amables, una película acerca de un rodaje tampoco amable, o tan poco amable, con un equipo cargado de ínfulas, exigencias y taras.

       Por su parte, el cierre estará a cargo de “Letras robadas”, una premiere sudamericana con una trama atravesada por la música que une y separa a un cantante de bodas y a una estrella de rock, que son interpelados por una canción que altera sus trayectorias y redefine sus deseos.

      El film del director y productor irlandés John Carney sigue al intérprete de estos eventos, que ya es un veterano que dejó una banda en ascenso para formar una familia, y a un ex í­dolo juvenil cuya carrera como solista no logra despegar.

         Las sedes se distribuyeron en nueve sedes que incluyen al Teatro San Martín (Sala Lugones), Cine Teatro Alvear, Centro Cultural 25 de Mayo, Cinépolis Plaza Houssay y Recoleta, Cine Arte Cacodelphia, Cine Gaumont, Usina del Arte y el Museo del Cine.

           Las entradas se pueden adquirir a través del sitio web oficial o de manera presencial en el Teatro San Martín; esta modalidad estará disponible desde el 16 de abril, con un valor general de $5000, descuentos para jubilados, estudiantes y alumnos, promociones de 2x1, y algunas funciones gratuitas.

         “BAFICI 2026, edición número XXVII. El BAFICI y los otoños porteños, para mucha gente, ya son inseparables. El festival tiene su historia, al punto de que en los últimos años se han recuperado —restaurado— películas de ediciones anteriores, algunas hace ya un cuarto de siglo. Es un festival con trayectoria, y en la sección Trayectorias hay películas de directores que empezaron con sus primeras obras en el BAFICI. El BAFICI sigue mirando las nuevas olas y también es parte del mar: sigue el cine, sigue el BAFICI, seguimos invitándote a ver ese cine que no sabías que te gustaba”, expresó el director artístico del festival, Javier Porta Fouz, en la presentación del festival.

      Habrá, como en los últimos años  tres competencias: Competencia Oficial Internacional, Competencia Oficial Argentina y Competencia Vanguardia y Género.

       También se podrán disfrutar más de veinte secciones como Noches especiales, BAFICITO, Rescates, Trayectorias, Óperas primas, entre otras. Los focos y las retrospectivas serán, como cada año, eventos que iluminen el festival desde otro ángulo, poniendo énfasis en determinados autores y recuperando la potencia de imágenes del pasado.

            Pere Portabella, el catalán tuvo su gran retrospectiva en 2006, y ahora suma otras películas no vistas entonces, que añaden impulso de ruptura, compromiso y radicalidad. Además, se podrán ver ocho piezas entre largos y cortos de Ángel Santos, director silencioso de Galicia, una voz única y un cine a descubrir, desde sus primeros pasos —con fuerte influencia de la Nouvelle Vague— hasta la serena perfección de su última película hasta la fecha.

           Siguiendo la colaboración con cinematecas de diferentes países —el año pasado fue la Cineteca Nacional de Chile— llega a través del National Film Board of Canada una muestra felizmente heterogénea que es testimonio de la necesidad imperiosa de la preservación y restauración del patrimonio fílmico.

        El foco incluye dos largos de ficción —un clásico moderno de culto como Shivers, de David Cronenberg, y Les Ordres, película que revolucionó a mediados de los setenta el vibrante cine político quebequés— además de tres cortos documentales en los que un eficaz tono educativo contribuye para sumergir al espectador en historias, paisajes y personajes que sorprenden por su audacia y espíritu de aventura.

       En esta edición se dará el premio a la trayectoria a Raúl Perrone,(foto) el director argentino más programado en la historia del BAFICI (con la de esta edición son veinte veces), y Ana Poliak, primera argentina en ganar la Competencia Internacional con su película Parapalos (2004); dos figuras fundamentales del cine argentino cuya fuerza y originalidad no han pasado nunca desapercibidas.

        En el marco del festival habrá también una gran cantidad de actividades vinculadas a la industria cultural del cine, desde charlas con directores e invitados especiales hasta clases magistrales, talleres y un área profesional.

       La entrada general es de $5.000. Entrada con descuento para estudiantes y jubilados: $3.500. Habrá 2×1 abonando con tarjeta de débito o crédito de Banco Ciudad en todos sus canales de venta (con cupo limitado). Además, este año el festival contará con un abono que permitirá adquirir 10 entradas por un total de $30.000.

        Funciones sin costo: Para las proyecciones con reserva de entradas, estas podrán solicitarse desde 48 horas antes, a partir de las 10 h en bafici.org, y en las boleterías del festival dentro de su horario de funcionamiento.

        Para las actividades y proyecciones sin costo ni reserva, el ingreso es por orden de llegada y está sujeto a la capacidad del espacio. No se requiere acreditación para ingresar.

     Para mayor información sobre la programación, se puede ver en https://bafici.org/

Los Años Luz, una historia que refleja dos décadas de años luminosos para la música

 MÚSICA

       En 1999, Nani Monner Sanz y Javier Tenenbaum fundaron Los Años Luz, un sello que, por fuera de los cánones y de cualquier aspiración comercial, se convertiría en un emblema musical de la música argentina. Detrás de cada uno de los discos que han editado a lo largo de más de dos décadas (y contando) hay toneladas de amor.

        “Así como toda canción debe contener el misterio, así en el mensaje oculto en el reverso del nombre de Los Años Luz habita lo profundo del mar, la inspiración del sueño y la radiante energía solar”, dice el músico uruguayo Martín Buscaglia en el prólogo de este libro, por ahora virtual, compilado por Humphrey Inzillo, editor de la revista Rolling Stone y miembro fundador de REDPEM (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica).

          Disponible en www.laldiscos.com cuenta la historia de una etiqueta indispensable para entender la música popular argentina en el siglo XXI. Y un seleccionado integrado por algunas de las plumas más reconocidas del periodismo musical en la Argentina y Latinoamérica (Mariano Del Mazo, Andrés Casak, Diego Fischerman, Martín E. Graziano, Claudio Kleiman, Karina Micheletto, Martín Pérez, Gabriel Plaza, Sergio Pujol, Carlos Rodríguez y Sergio Sánchez) repasa las joyas de un catálogo ejemplar.

        Los Años Luz fue la casa natal de las carreras de Kevin Johansen, Lisandro Aristimuño y Ana Prada, que se convertirían en artistas de proyección internacional. Fue el sello que revalorizó la obra del entonces octogenario Ramón Ayala, que lanzó todos los discos de Axel Krygier, que ostenta en su catálogo a leyendas como Eduardo Mateo, Diane Denoir, Gerardo Gandini y Ramiro Musotto.

        Más allá del talento de las y los artistas —virtudes ajenas a los responsables de la etiqueta—, se destaca el valor de la curaduría y el modo en que cada una de esas expresiones es presentada al mundo.

        Se valora la minuciosidad y el amor detrás de cada una de las piezas de un catálogo que tiene, en la multiplicidad de estilos y géneros y en la diversidad de lenguajes musicales, al buen gusto como factor común.

        Humphrey Inzillo nació en Buenos Aires en 1979, es Licenciado en Periodismo y Comunicaciones y se especializó en música y tendencias culturales. Es editor de la revista Rolling Stone. Conduce el programa Frecuencia Afro Blue en FM SUR (Málaga, España).

 

Tres obras para agendar en abril: "Apenas Lejos", "El Corazón del mundo" y "Los paraísos perdidos"

 

TEATRO

    Entre la numerosa oferta teatral de abril, se destacan estas tres piezas que vale la pena tener en cuenta, y que abordan temas existenciales y reconocibles en lo cotidiano y también en la memoria. 

“APENAS LEJOS”

         Mónica y Alicia están vaciando la vieja casa de su abuela para poder vender la propiedad. Entre algunos objetos inútiles y otros llenos de recuerdos, encuentran algo nuevo: los cassettes que sus padres mandaban a Argentina durante los años que vivieron en Francia, en el exilio.

        Su historia de pareja hace cuarenta años se entreteje con la de las dos hermanas en el presente. Nadie sabe qué es mejor, si irse o quedarse donde está. Los recuerdos son a la vez pistas del futuro o reproches de lo que pudo haber sido. Y todos están demasiado cerca en el espacio, pero apenas lejos en el tiempo.

        Una obra que viaja en el tiempo y nos habla sobre la sensación de hogar, incluso a miles de kilómetros de distancia. La obra transita entre la calidez de esas memorias perdidas, que parecen volver a cobrar vida, mientras entre las hermanas tratan de rearmar ese rompecabezas que dejaron inconcluso sus padres exiliados, aunque la obra no especifica cuál fue su destino. Pero lo sugiere.

        “Apenas Lejos" es la voz del exilio, la presencia de las ausencias y el dolor de vivir en tránsito permanente. Incluso cuando una de las hermanas esboza un cierto reproche a la otra por un inminente viaje que significaría otro desprendimiento afectivo. Es la dualidad de estar en un lugar pero con el corazón y la mente en otro. Son los recuerdos como un puente entre el pasado y el futuro.

        La obra de algún modo, es un acto de memoria colectiva. Necesaria y reflexiva, con actuaciones sensibles que cautivan y conmueven al espectador, .desenredar los nudos de la historia y tejer una nueva casa cerca de casa, apenas lejos. 

     Con las actuaciones de Lucía Márquez, Isabel La Rosa, Vanesa Aloi, Hernán Salcedo, asistencia de dirección de Martina Damiano, producción de Lali Fischer y con dramaturgia y dirección de  Luciana Taverna, “Apenas Lejos” se puede ver todos los sábados de abril a las 21.30 en Moscú Teatro, Juan Ramirez de Velasco 535, en Villa Crespo, con entradas a 20 mil pesos en Alternativa o en la boletería del teatro.

“EL CORAZÓN DEL MUNDO”

         La Compañía Seremos presenta a modo de díptico con la renombrada obra Seré, una reversión de esta obra  tan necesaria para estos tiempos: una obra de Santiago Loza con dirección de Lautaro Delgado Tymruk y Sofía Brito, y la actuación de Guillermo Angelelli ( Premio Trinidad Guevara Trayectoria 2025)

      Un hombre camina de noche por la vereda y es golpeado de un palazo por un vagabundo. Cae, pero antes de llegar al piso su cuerpo estalla, se triplica, vive en un instante tres vidas distintas. O quizás más. Nace y muere y vuelve a nacer en otros cuerpos. A veces es uno y a veces es toda la humanidad.

      La sonorización está a cargo de La máscara de las voces, con actuación en film holográfico de más de 40 actores y actrices. Con el apoyo de: Sagai, Ala Norte, Mulata Films, Subterranea Films, Casa Honduras.

       Las funciones son funciones los lunes de abril a las 20 horas en el Teatro Del Pueblo, Lavalle 3636, CABA, y reservas: 1141681505. Entradas por Alternativa Teatral

“EL PARAÍSO PERDIDO”

        ¿Dónde están los paraísos perdidos? ¿Quiénes los habitan?  Aquello que nos ocurrió, existe todavía? ¿Cómo existe?

        En una pista de baile, tal vez el patio de una casa, con ventanales que iluminan los paisajes donde algunos fueron más o menos felices, otros desdichados pero todos estuvieron vivos, pasan los fragmentos, jirones de familias, amores, amistades, el pasado de cada uno de los que entraron creyendo que iban a un baile.

      Con dramaturgia y dirección de César Brie. Sus intérpretes son Juana Banchoff Tzancoff, Abril Collet, Sofía Diambra, Eugenia Florit, Sebastián Gui, Liza Karen Taylor, Gabriela Ledo, Micaela Lifschitz, Blas Nielsen, Ignacio Orrego, Alejandro Parente

     "César Brie no ofrece una respuesta fácil sino que teje un laberinto de recuerdos donde, cada espectador, debe encontrar el suyo. En “El paraíso perdido” nos sumerge en un trabajo de evocación confesional que trasciende lo individual para construir una identidad colectiva, un fresco de una época marcada a fuego en la biografía de una generación", dice la crítica Liliana Isod. 

       La música original es de Pablo Brie, con arreglos de Matías Wilson, asistencia artística de Flor Micha y con idea y dirección de César Brie, “Paraisos Perdidos” se puede ver todos los domingos de abril a las 16 horas en Dumont 4040, en la calle Santos Dumont 4040, del barrio porteño de Chacarita. Entras por Alternativa Teatral. 

En "Film Noir", María Negroni indaga y analiza elementos claves de la seducción por el cine negro

 

LIBROS

       La presencia ineludible de la sombra, el claroscuro, los planos torcidos, el drama trazando la historia, la femme fatale. Elementos clave que definen un género imperdible. “Film noir” es  un libro donde María Negroni analiza la estructura y los tópicos del cine negro a partir de películas icónicas.

      Es un libro tanto para inexpertos que quieran acercarse a este mundo de rufianes y traición como para aquellos más versados que deseen adentrarse en los túneles intrigantes de este cine.

        En cada capítulo nos llevará a grandes films de los años cuarenta y cincuenta, algunos muy reconocidos y otros de los cuales tal vez algunos ni siquiera hayan oído hablar: El Halcón Maltés, Historia de un detective, El cartero llama dos veces, Los asesinos, Pacto de sangre, Retorno al pasado, Siniestra obsesión, Gilda, La jungla de asfalto, Laura, Un alma torturada, Los sobornados, Sed de mal.

       “Llegué al film noir sin darme cuenta. Dice Negroni.  Atraída, sobre todo, por la fotografía, esos planos torcidos en blanco y negro que tocaban una sinfonía absoluta y la amueblaban con escaleras amenazantes, personajes seductores y ruines, crímenes y antros del mal. Me tomó un tiempo –no mucho– reconocer en esos paisajes una afinidad casi escandalosa con la cornucopia gótica de castillos colgando del abismo, huérfanos depredadores y pasiones arcaicas".

      ¿Qué es lo que resulta tan convocante?¿Qué es lo que nos envuelve en ese momento en que oprimimos el play del reproductor y nos aislamos del entorno más inmediato?

       Hay algo, como sostiene Negroni, en esas escenografías, en el juego de sombras que marcan como un sello las escenas, en la elección de planos tan particulares, que llama al espectador y que vuelve al género un discurso digno de análisis.

      Cada elemento de este cine seduce, y es apropiado el término, pues se encuentra cargado de sensualidad, desde la iluminación hasta el vestuario. ¿Quién no siente curiosidad por aquellos tiempos de jazz, trajes y sombreros, de vasos cargados de whisky, acompañados por el humo imparable de los cigarrillos?

        En este mundo irrumpe la mujer, la femme fatale, de la misma forma en la que la autora se abre paso dentro de un universo esencialmente masculino, ya sea teniendo en cuenta a los directores, ya a los teóricos que han incursionado en estos saberes. Lo sexual atraviesa los films a través de la centralidad de esta figura, la femme fatale, de distintas formas, tanto como amante y parte de un triángulo amoroso, como la madrastra sexy, o incluso como la maligna mujer sexual frente al hombre víctima.

     Aunque la mujer aparezca, de nuevo, retratada desde la óptica masculina, que con todos sus implementos se ve convertida en una seductora peligrosa, lo cierto es que encuentra un lugar relevante, hasta de poder, que resulta interesante recuperar, analizar y, por qué no, criticar. Un espacio más para repensar cómo se construye el rol femenino en los productos de consumo.

     “Una vez más, la viuda negra, con sus largos guantes de seda, su escote, su corsé, sus tobilleras (y demás arreos para manipular), transformada en máquina de matar".

    María Negroni desmenuza los icónicos films para abrir la puerta al género y resaltar aquello que los unifica: la fotografía, los personajes y el tópico policial, pero también el lenguaje, que bien podría ser la firma, la aparición, como nunca, de los duelos verbales cargados de ironía y tensión. Y, como si fuera poco, el escenario ideal para que todo se desarrolle: la gran urbe norteamericana.

 “Film Noir” nos sumerge, en un movimiento, en la lectura y el cine. Logra sintetizar y, a su vez, evidenciar aquello que hizo del cine negro un clásico y una cuenta pendiente para quien no lo haya visitado.

Más de 1200 artistas participan con sus obras en la XIV Bienal de Arte Sacro Contemporáneo

 ARTES PLÁSTICAS

         El Museo Nacional de Arte Decorativo inaugurò la XIV edición de la Bienal de Arte Sacro Contemporáneo (BASC), exposición que podrá visitarse hasta el 3 de mayo.

         Con la participación de más de 1250 artistas, el jurado de selección, compuesto por Ernesto Ballesteros, Xil Buffone y Santiago Villanueva eligió 79 obras que serán expuestas en el MNAD.

          En línea con su misión institucional, el museo presenta esta nueva edición de la Bienal; su director, Hugo Pontoriero, destacó el valor de estos espacios de encuentro. Esta Bienal es organizada por la Fundación Mons. Vetrano y la Fundación La Santa Faz.

         La XIV BASC, que cuenta con la participación de más de 70 artistas plásticos, ha sido declarada de interés cultural por la Secretaría de Cultura de la Nación, cuenta con el apoyo y respaldo del Mecenazgo de la Ciudad de Buenos Aires y con el patrocinio del Dicasterio para la Cultura del Vaticano.

    La obra del artista correntino Blas Aparecido, también diseñador y publicista, se llevó el premio mayor entre 1250 obras presentadas, el doble de la edición anterior. Los 79 trabajos seleccionados pueden verse hasta el 3 de mayo en el Museo de Arte Decorativo, Avenida del Libertador 1902.

        El jurado, compuesto por Ernesto Ballesteros, Xil Buffone y Santiago Villanueva eligió las 79 obras que quedarán expuestas hasta el 3 de mayo próximo. Para los recién llegados, la tremenda convocatoria de este evento ya consolidado en el calendario de las artes visuales, puede sorprender. Sin embargo, la Fundación Mons.Vetrano y La Santa Faz la organizan desde hace cuarenta años, pasando por distintas sedes.

        Esta edición, curada por María Pimentel de Lanusse, está marcada por la diversidad.   “Lo maravilloso de esta bienal es que le da lugar a artistas que trabajan lo sagrado desde un lugar más clásico que quizá no tienen otro espacio para mostrar. Hay obras con técnicas muy particulares, relacionadas con lo icónico, con características particulares del arte sacro. María abrió esas categorías, más tradicionales, a artistas que están en otros espacios, y se mezclan los lenguajes”, dice López Sastre.

        El primer premio ($ 3.000.000) de la XIV BASC, declarada de interés cultural por la Secretaría de Cultura de la Nación, fue para Blas Aparecido con su obra Mis Chinas Viejas. El segundo premio ($ 2.200.000) fue para Veo desde un estómago, de Ignacio Cassas. La mención ($1.200.000) fue para Ramiro Pasch, por su obra Logos. Y el premio estímulo ($ 800.000) lo recibió Leonardo Cavalcante con su obra Suspensión. Además, se otorgaron dos menciones para Marcolina Di Pierro y Gaba de Dios.

         “Que haya ventanas para el más allá, para la trascendencia, y que eso siga vigente”, destaca Eduardo Pérez del Lago, sacerdote a cargo de la Fundación La Santa Faz. “Se ve que hay interés porque se presentaron 1.250. La respuesta superó nuestras expectativas. La iniciativa lleva cuarenta años y lo importante es que la temática de lo trascendente está abierta, sigue vigente con artistas jóvenes”.

 

"Un punto oscuro", un retrato de tres hermanas que asisten a su padre enfermo con relatos de vida

 

TEATRO          Luego de su presentación en la Sala Cunill Cabanellas del Teatro San Martín, Agostina Luz López estrena en la sala ZELAYA del Abasto la segunda temporada de "Un punto oscuro", con actuaciones de Amalia Boccazzi, Carolina Saade, Felipe Saade y María Villar.          La obra podrá verse desde el domingo 19 de abril a las 20 horas en ZELAYA (Zelaya 3134), con entradas disponibles en Alternativa, todos los domingos de abril, mayo y junio.            En una suerte de reversión de Mujercitas, tres hermanas asisten al final de la vida de su padre. Para mantenerlo unido al hilo de su existencia, le leen relatos que funcionan como espejos en los cuales su familia se refleja. La figura del padre se va desvaneciendo y las hermanas tejen una casa que las contiene mientras se preguntan por sus propios enigmas y buscan el camino de sus singularidades en esta nueva configuración familiar.              Una imagen: leerle textos, a la manera de Las mil y una noches, a un ser querido para mantener su último soplo de vida. Pero también para ayudarlo a pasar del otro lado. Los textos como medicina para cambiar el estado de nuestros cuerpos.           El ritual de la despedida es la forma de estar de estas tres hermanas, que, ante la inminente partida de su padre, empiezan a hacerse preguntas, a elaborar teorías, a leer en voz alta textos, a tejer y a cantar canciones. Son las horas de la transformación, donde todos están un poco vivos y un poco muertos, donde el cambio está muy presente y, en ese pujante estado de incomodidad, una nueva forma de estar en la vida puede brillar.              ¿Cómo se reconfigura la vida cuando la figura del padre se diluye? ¿Pueden los textos ser oráculos que nos sugieren respuestas para transitar este pasaje? En el umbral que se abre mediante los tejidos y las lecturas, los antepasados de esta familia se encuentran con los que están vivos. La capa que los separa es muy fina y, cuando se corre esa cortina, surgen nuevas maneras de vincularse.        Una pregunta acerca del corazón atraviesa toda la obra. El corazón como órgano que deja de latir cuando uno muere, pero también el corazón como sede de inteligencia y sabiduría, como ese lugar físico que revela nuestra vitalidad, como un espacio que vigila nuestros más íntimos secretos.      "Un punto oscuro" es interpretada por Amalia Boccazzi, Carolina Saade, Felipe Saade, María Villar. Con vestuario de Mariu Fermani, escenografía de Mariana Tirantte, Iluminación de Alejandro Le Roux, asistencia de dirección de Valentina Santelli y textos y dirección de Agustina Luz Lopez, con colaboración de Ana Montes.         Agostina Luz López es escritora y directora de teatro. Sus obras exploran los vínculos entre los seres humanos atravesados por lo salvaje y la vulnerabilidad, y se caracterizan por ritualizar espacios liminales: entre la vida y la muerte, la infancia y la adultez, la tierra y otros planetas, la ficción y la realidad. Escribió y dirigió Mi propia playa, La laguna, Los milagros, Animal romántico, Animal anterior, Jardín Fantástico, Un gigante rojo y Un punto oscuro. Sus obras se presentaron en salas y festivales de Argentina y del exterior, entre ellos Zürcher Theater Spektakel, Noorderzon, Dois Pontos, Royal Court Theatre y FITEI.         Recibió los premios Florencio Sánchez y S a la Creación, y fue nominada al ZKB Patronage Prize. Publicó la novela Weiwei (NoTanPuan, 2017), el libro de relatos Otro planeta (Rosa Iceberg, 2021) y el volumen teatral Como un espejo (Mansalva, 2021). Dirige en Buenos Aires el espacio interdisciplinario ZELAYA.