"Calma el fuego" un relato sobre la búsqueda de una hija entre la memoria y los recuerdos de su padre

 LIBROS

Calma el fuego, María Inés Bedia (Factotum)

      Un padre, sus cuadernos y una hija que busca entender. Con una prosa íntima y precisa, María Inés Bedia abre en “Calma el fuego” un territorio donde la memoria familiar se vuelve escritura y el duelo se convierte en lenguaje.

     La novela sigue la búsqueda de una hija: recuperar los cuadernos que su padre escribió durante su internación en un hospital psiquiátrico. Nadie sabe dónde están, nadie conoce lo que guardan, pero cada página ausente promete develar una verdad sobre ese hombre escindido entre la lucidez y la sombra.

        El relato es, a la vez, una investigación afectiva y un ejercicio de supervivencia: cómo narrar al padre, cómo descifrar sus silencios, cómo hacer literatura de aquello que duele. Entre recuerdos, escenas de infancia, preguntas sin respuesta y papeles perdidos, la protagonista se enfrenta a la complejidad de un vínculo marcado por la fragilidad y la intensidad.

       Como señaló Juan Diego Incardona, “Calma el fuego es un ejemplo de cómo la memoria se convierte en literatura… una búsqueda capaz de ordenar el caos del pasado y darle nombre al dolor innombrable”.

       Publicada por Factotum Ediciones dentro de la colección Fictio, Calma el fuego confirma la potencia literaria de María Inés Bedia (Campana, 1981), abogada por la Universidad de Buenos Aires, docente de talleres literarios y autora de “No destruya las señales” (La Crujía, 2023).

      Su recorrido personal y profesional está atravesado por una profunda relación con la memoria y los derechos humanos: trabajó en Abuelas de Plaza de Mayo y participó en numerosos juicios de lesa humanidad.

      En 2024, esta novela resultó finalista del Premio Hebe Uhart de Novela, organizado por Ediciones Bonaerenses, consolidándola como una de las voces más intensas y reveladoras de la narrativa argentina contemporánea.

     María Inés Bedia nació en Campana, provincia de Buenos Aires, en 1981.  Es abogada por la Universidad de Buenos Aires y docente de talleres literarios.  trabajó en Abuelas de Plaza de Mayo y participó en numerosos juicios de lesa humanidad.

"Tres tiempos", una historia de desencuentros familiares en la ópera prima de Marlene Grinberg

 CINE

        “Tres tiempos”, la ópera prima de Marlene Grinberg, será estrenada el 11 de diciembre en cines argentinos. El film tuvo su presentación en la Competencia Argentina del [40] Festival Internacional de Cine de Mar del Plata

     En una casa entre las montañas frente a un lago espejado viven Emma y su nieta adolescente Alicia. Emma le inculca su pasión por la danza y la cría como una madre, pero Alicia es presa de su crianza controladora.

         La llegada inesperada de Bárbara, madre de Alicia e hija de Emma altera la rutina de su pequeño mundo. Durante la convivencia emergen tensiones, deseos y secretos; y poco a poco, como en un juego de espejos, los roles de las tres generaciones de mujeres se desdibujan, se intercambian y se resignifican.

     El elenco está integrado por Mara Bestelli, Florencia Dyszel, Violeta Postolski, y Fernado Contigiani. Se trata de una coproducción entre Argentina, Chile, Uruguay y Francia, con guión y dirección de la misma Marlene Grinberg.

     La directora señala sobre su película que “me interesa explorar el límite de “lo real”, donde los roles se desdibujan, el pasado irrumpe en el presente y las ausencias se vuelven presencias.

     Agrega que “El otro lado del espejo” funciona como espacio simbólico donde se resignifican vínculos, mandatos y lugares comunes. Desde esa óptica concebí el universo de Tres tiempos en clave de cuento, donde los personajes emergen desde arquetipos familiares para romperlos, cuestionarlos y habitarlos en primera persona”.

    Señala que “mi primer contacto con el arte fue a través de la danza, comencé a estudiar danza a mis cuatro años. Puedo decir que mis grandes maestras de vida son bailarinas. De ahí nace la voluntad de querer contar una historia a través del movimiento de los cuerpos. La vida en relación a la danza. Bailar la vida.

    Marlene se pregunta: “¿Qué significa ser madre? Ser o no ser madre marca nuestra vida como mujeres. Y más aún, nuestras vidas están determinadas por las etiquetas de nuestra familia. Incluso antes de ser madres, hijas o abuelas, somos mujeres. De ahí la idea del espejo invertido de las generaciones”.

          Marlene Grinberg es directora y guionista argentina. Graduada en Diseño de Imagen y Sonido de la UBA. Trabaja en la industria del cine desde 2012 en las áreas de dirección y guión (trabajó con directores como Pablo Fendrik, Jeanine Meerapfel, Sebastián Borensztein, Martin Piroyansky, entre otros).

         Realizó los cortometrajes Mi reina (Festival de Montevideo, Ventana Sur), Hoy empieza otra vez (Bafici, La mujer y el cine) y Todas mis Lolas (Marché du film, Primeiro Plano Brasil). Y co-dirigió el documental Me gusta cuando hablas" (Fidba).

       “Tres tiempos”, su ópera prima, participó de los siguientes festivales: [40] Festival Internacional de Cine de Mar del Plata 2025 (Competencia Argentina, Argentina); [54] Festival Internacional Molodist 2025 (Competencia internacional, Kyiv, Ucrania); [40] Festival Iberoamericano de Trieste 2025 (Trieste, Italia); [13] Festival Internacional Rizoma 2025 (Competencia iberoamericana, Madrid, España).

 

 

La comida, el hierro y el agua confluyen en tres muestras colectivas de artistas argentinos en el CCR

 

ARTES PLÁSTICAS

     El Centro Cultural Recoleta ( CCR ) presenta una triple inauguración en su complejo principal de salas: Cronopios J y C con la muestra colectiva titulada  “Políticas del sabor ”, “ Visión imposible ”  de Mariano Ullúa en sala J y “ Fronteras Blandas ”  con obras de Jimena Croceri, Carlos Gradín y María Candelaria Traverso en la sala C.

       En Cronopios   “ Políticas del sabor ”   ofrecerá una gran muestra colectiva, curada por Larisa Zmud, integrada por una diversidad de obras de artistas nacionales e internacionales.

     Entre ellos se cuentan Marta Minujín, Narcisa Hirsch, Grupo Escombros, Clemente Padín, Víctor Grippo, Lucía Reissig, Gabriel Chaile, Marcela Sinclair, La Chola Poblete, Ignacio Tamborenea, Hoco Huoc, Tiziano Cruz, Gabriel Baggio, Las Deudas, Andrés Piña y Cozinha Ocupaçao 9 de Julho de Brasil, PAISAnaJE de España, Floating University de Alemania, e INLAND - Campo Adentro de España y el Museo del Puerto de Ingeniero White de Buenos Aires.

    La muestra propone un recorrido exploratorio de la cocina como territorio político y poético donde arte, feminismos y prácticas comunitarias se entrelazan para imaginar modos de vida sostenibles.

      “Políticas del sabor” cruza arte contemporáneo —a partir de experiencias colectivas y obras de artistas de distintas épocas— y cocinas comunitarias como prácticas de imaginación y resistencia invitando al visitante a asomarse al acto de cocinar como una forma de pensar, cuidar y transformar lo común.

       Por su parte, en la sala J, Mariano Ullúa presenta “ Visión imposible ” , con curaduría de Carla Barbero, una gran instalación escultórica desarrollada especialmente para el CCR que da continuidad a la investigación del artista en torno al modelado de hierro dulce, un material industrial trabajado como si fueran líneas en el espacio, desplazando el dibujo hacia el plano tridimensional.

       Su práctica combina distintos medios y materiales recuperados atravesados por un particular sentido del humor. 

     En la sala C se expandirá “ Fronteras Blandas ”, exposición colectiva a cargo de los artistas Jimena Croceri (Cutral-Có, 1981), Carlos Gradín (Buenos Aires, 1980) y María Candelaria Traverso (Córdoba, 1991) con la curaduría de Javier Villa.

       Esta tríada imagina cómo restablecer los vínculos que tiene el humano con el agua. A través de cartografías poéticas diversas, la abordan como recurso vital y común, pero también como una presencia activa e indomable capaz de articular cuerpos, comunidades y memorias.

     Las tres exposiciones podrán visitarse con entrada libre y sin costo para argentinos y residentes, de martes a viernes de 12 a 21 horas, sábados, domingos y feriados, de 11 a 21 horas, en el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930).

      La programación completa en:  http://www.centroculturalrecoleta.org/    .

La correspondencia amorosa entre Ingmar Bergman y Liv Ullmann en una puesta de Hasta Trilce

 

TEATRO

   Este miércoles 12 y el 19, a las 20 horas, se presentan las últimas dos funciones de esta obra dirigida por Leonor Manso con las actuaciones de Osmar Nuñez e Ingrid Pelicori, Esto será en Hasta Trilce, Maza 177.

      Con entrada a 18000$ y estudiantes y jubilados: $15000, en esta quinta temporada, “Bergman y Liv, correspondencia amorosa” trata sobre el vínculo que tuvieron a lo largo de cuarenta años el gran director sueco de cine Ingmar Bergman (interpretado por Osmar Nuñez) y Liv Ullmann (interpretada Ingrid Pelicori).

     Un vínculo de gran profundidad, complejidad y riqueza tanto en lo personal como en lo artístico,  esta obra trata sobre el amor. Un amor que se transforma en el tiempo. Y habla también de la creación, del teatro, de los actores y actrices, y de aquellas películas que a muchos de nosotros nos enriquecieron en nuestro modo de sentir y de pensar.

      La obra comienza cuando Liv abandona la isla Faro, después de cinco años de convivencia y una hija en común. Todavía está vivo el dolor de la separación, los reproches y el sufrimiento vivido en esa relación, que había comenzado con una gran fascinación mutua y luego fue evolucionando en un infierno de celos y posesión.

     A lo largo de este intercambio epistolar, ellos pasan por distintas etapas. Liv dejará de ser la niña asustada y sumisa que había sido: sale al mundo, triunfa en Estados Unidos, trabaja para la Unicef. Y Bergman va aprendiendo con el tiempo a dominar sus demonios -como él los llama-, mientras escribe y dirige sus obras de teatro y sus inolvidables películas.

       Bergman y Liv ya no serán pareja. Sin embargo, estarán unidos para siempre. A veces a través del trabajo, esa pasión en común, a veces reflexionando sobre el pasado. Y siempre compartiendo las alegrías y tristezas que les depara la vida en las distintas etapas. El tumultuoso amor de juventud, se ha transformado por fin en un amor sereno: el amor de un testigo privilegiado que acompaña durante toda la vida.

     El espectáculo recibió 3 nominaciones: premios Luisa Vehil Mejor Actriz Ingrid Pelicori Mejor Actor Osmar Nuñez Mejor Dirección Leonor Manso Ganador Mejor Actor: Osmar Nuñez.

    Además, obtuvo dos Nominaciones a los premios Ace 2019-2020-2021 Mejor Comedia y Mejor Dirección Leonor Manso

"Madre ficción" y una profunda exploración sobre el arte, los lazos de familia y la identidad rioplatense

 

TEATRO

       El reconocido dramaturgo y director   Mariano Tenconi Blanco presenta su nueva obra,   “Madre Ficción” , coproducción entre   Compañía Teatro Futuro y la  Comedia Nacional de Montevideo . Las funciones son los  jueves de noviembre a las 22 horas en el  Teatro Metropolitan (Av. Corrientes 1343, CABA).

   La pieza, protagonizada por  Diego Velázquez, Camila Peralta, Marcos Ferrante y  Valeria Lois, junto a los músicos en escena Ian Shifres y  Gonzalo Pérez Terranova, explora la compleja relación entre la creación artística, los lazos familiares y la identidad rioplatense.

     “Madre Ficción” se centra en la historia de un dramaturgo argentino que, al recibir el encargo de escribir una obra para la Comedia Nacional de Montevideo, se enfrenta a un bloqueo creativo.

        Su intento inicial de basarse en figuras literarias como Florencio Sánchez o Juan Carlos Onetti se estanca. El problema, sin embargo, es más profundo: Uruguay no es un país cualquiera para él, sino el de su madre y su abuela, idealizado por los relatos de su infancia.

       La obra se convierte en un viaje íntimo donde el protagonista comprende que su verdadera historia está en sus orígenes personales. Así, el mito literario se transforma en un relato sobre su prehistoria: la vida de su abuela y su madre. A lo largo de la trama, se entrelazan un siglo de historia, la cultura de ambas orillas del Río de la Plata y el poderoso amor materno.

     Mariano Tenconi Blanco comparte la conexión personal con su obra: "Al igual que el protagonista, recibí el encargo de la Comedia Nacional de Montevideo, y mi madre y mi abuela también son uruguayas. 'Madre Ficción' es un sincero homenaje a ellas ya todas las madres".

       Además, el director destaca la relevancia cultural de la pieza: "Es un tributo al Río de la Plata, ese inmenso lazo que une a Montevideo y Buenos Aires a través de nuestra rica cultura compartida, desde la gauchesca y el tango hasta autores como Florencio Sánchez, Copi, Hudson y Levrero".

     “Madre Ficción” es una extraña autobiografía, un ensayo sobre literatura uruguaya, una comedia musical, un diario íntimo, un manifiesto sobre el arte, teatro político, teatro dentro del teatro, oda al Río de la Plata y una celebración a todas las madres. Escrita y dirigida por Tenconi Blanco se puede ver todos los jueves de noviembre a las 22 horas en el Teatro Metropolitan, Av  Corrientes 1343, CABA). Localidades $30.000 disponibles en   PLATEANET  Duración: 93 minutos.  

      Dramaturgo y director de teatro, Mariano Tenconi Blanco nació en Buenos Aires,  en 1982. Integra desde 2013 la Compañía Teatro Futuro junto al músico Ian Shifres y la productora Carolina Castro. Como autor y director estrenó 15 obras y fue régisseur de tres óperas.

      Fue destacado por los Premios Konex como uno de los diez directores de la década 2011-2021 y como uno de los diez dramaturgos de la década 2014-2024. Obtuvo el Premio “Germán Rozenmacher” de Nueva Dramaturgia (2015), organizado por el Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA) y el Centro Cultural Rector Ricardo Rojas, con su obra   “Todo tendría sentido si no existiera la muerte” .

       También obtuvo el primer premio del 18º Concurso Nacional de Obras de Teatro del Instituto Nacional del Teatro (2016) con su obra   “La vida extraordinaria”. Sus obras han recibido numerosas nominaciones y premios como Trinidad Guevara, ACE, Teatros del Mundo, Teatro XXI, Premios Hugo, Premios Luisa Vehil, entre otros.

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Cuatro nuevas muestras de artistas argentinos conviven desde noviembre en el Centro Cultural Recoleta

 

ARTES PLÁSTICAS

    En el año de su aniversario 45, se inauguran cuatro exposiciones en el Centro Cultural Recoleta (CCR):  "Artistas y arquitectos. Bedel, Benedit y Testa", muestra que celebra los años de la institución en un recorrido curado por Cecilia Rabossi que se desplegará en las salas 7, 8 y 9; “Lo que arrastra la corriente”, curada por Mercedes Lozano y Violeta González Santos en la sala 4;   “Ombligo” , curada por Nicolás Cuello en la sala 10 y “Punto de Mira”, con obras de María Martha Pichel y cuarduría de Laura Isola en la sala 13.  

       “Artistas y arquitectos. Bedel, Benedit y Testa” se centrará en el proyecto arquitectónico de remodelación y reciclaje del asilo de ancianos General Viamonte por parte de los artistas y arquitectos Jacques Bedel, Luis F. Benedit y Clorindo Testa, que se llevó a cabo entre los años 1979 y 1983, así como en su producción artística realizada en dichas décadas, ya sea de forma individual o como integrantes del Grupo de los Trece, conocido posteriormente como grupo CAyC.

      La sala 7 expondrá el decreto que habilita la realización de la obra, los planos, los registros, las fotografías de las diversas etapas de la remodelación del CCR y su recepción en medios gráficos en diálogo con las propuestas artísticas más diversas.

       También habrá registros fotográficos y bocetos de los arquitectos en tanto integrantes del Grupo de los Trece en la XIV Bienal de San Pablo de 1977, con la exposición “Signos en ecosistemas artificiales”, con la que obtuvo el Gran Premio Itamaraty.

     Por su parte, la sala 8 desplegará el recorrido histórico del edificio que hoy ocupa el Recoleta, espacio que fue convento, escuela de agricultura, jardín botánico, prisión y cuartel, asilo de mendigos, hospital de enfermos mentales, asilo de ancianos que en 1947 recibió el nombre de General Viamonte y que, un año después, fue declarado monumento histórico.

        En la sala 9 se exhibirá el arco temporal de las obras que integran “Rapsodias” de Jacques Bedel (entre 2017 y 2023), en las que el artista experimenta con los más variados materiales ―polietileno, PVC laminado, PMMA, PVC tejido, sílice, cuarzo, policarbonato― para crear piezas a una escala monumental que se refieren a lo sublime ya lo trascendente.

      “Lo que arrastra la corriente” curada por Mercedes Lozano y Violeta González Santos en la sala 4 tomará como eje el agua y los ríos, entendidos como espacio público, derecho humano y territorio afectivo. La muestra compartirá los acercamientos de María Daud, Agustín Míguez e Inés Tillous sobre tres cuencas fluviales importantes de Argentina.

      “Ombligo” integrado por obras de los artistas Jazmín Kullock y Porkeria Mala  (sala 10), con curaduría de Nicolás Cuello, presentando un conjunto de pinturas de gran formato y una extensa serie de esculturas blandas explorando, a través del género del autorretrato, la dimensión social de lo íntimo, la conflictividad afectiva del reconocimiento mutuo y la sinceridad del reflejo grotesco.

       “Punto de mira”  de la artista María Martha Pichel, con curaduría de Laura Isola y en la sala 13, invitará a reflexionar sobre la relación entre el espacio, la precisión y la fuerza simbólica de la geometría en conexión con el cuerpo y la acción. La serie de obras expuestas está inspirada en la secuencia de tiro con arco y flecha, resaltando acciones esenciales y cronológicas: postura, encaje, dibujar, apuntar y soltar.

       Las cuatro exposiciones podrán visitarse con entrada libre y sin costo para argentinos y residentes, de martes a viernes de 12 a 21 horas, sábados, domingos y feriados, de 11 a 2, en el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930). Programación completa en:  http://www.centroculturalrecoleta.org/ .

Figura del jazz internacional, John Pizzarelli se presenta el próximo fin de semana con su trío en Bebop Club

 

MÚSICA

          El legendario guitarrista y cantante John Pizzarelli, una de las grandes figuras del jazz mundial, llega a Buenos Aires para presentarse en el Bebop Club el 31 de octubre y 1 de noviembre en dos funciones cada día: a las 20 y 22.30.

     Reconocido por su virtuosismo, su calidez vocal y un estilo que combina swing, bossa nova y el Great American Songbook, Pizzarelli se consolidó como un intérprete único, capaz de tender puentes entre generaciones y géneros musicales con un carisma inigualable en escena.

      A lo largo de más de tres décadas de carrera compartió proyectos con artistas como Paul McCartney, James Taylor, Natalie Cole y Frank Sinatra, además de una extensa discografía celebrada por la crítica internacional.

       Conocido como un auténtico entertainer de la vieja escuela, Pizzarelli se presentará en el escenario de Bebop acompañado por Mike Karn en contrabajo e Isaiah J. Thompson en piano, en dos noches que prometen ser inolvidables.

      El cantante y guitarrista John Pizzarelli (Paterson, Nueva Jersey, 6 de abril de 1960),  siguió la estela de su padre, el guitarrista Bucky Pizzarelli. Acompañando a su padre, tuvo oportunidad de conocer a Erroll Garner, Les Paul y Django Reinhardt.

        Aprendió a tocar la guitarra en el seno familiar y en 1980, a la edad de 20 años, se presentó en concierto junto al saxo tenor, Zoot Sims.

      En 1986 comenzó a tocar con el trío de Tony Monte y en 1990 se lanzó a hacer carrera solo, a la cabeza de diversos tríos sin batería. Miembro de una familia de prestigiosos guitarristas, John Pizzarelli se ha convertido en uno de los mejores intérpretes del gran American Songbook.

       Con una romántica y seductora voz, que nos recuerda los mejores tiempos de Chet Baker, y un inconfundible y brillante swing en su forma de tocar la guitarra, John es el mejor exponente actual del estilo que inauguró el trío de Nat King Cole, uno de sus ídolos.

     John Pizzarelli ha cultivado una carrera de cantante de standards y baladas de club nocturno, así como de guitarrista sublime e inventivo. Usando a Cole y Frank Sinatra y las canciones de Sammy Cahn y Jimmy Van Heusen como modelos, Pizzarelli se encuentra entre los revivalistas del gran cancionero americano.

     Desde 1992, sus giras, actuaciones y conciertos, las realiza con el nombre de John Pizzarelli Trío. En 1993, tuvo el honor de abrir los conciertos de Frank Sinatra y participar en su 80 cumpleaños en el Carnegie Hall.