Eduardo Grüner y la vigencia de Jean Paul Sartre ; Ariel Golstein y la irrupción de la oligarquía tecnológica

 LIBROS

“Sartre contra la corriente.  Argumentos para un retorno” , de  Eduardo Grüner

        Un recorrido apasionante por los libros, debates e intervenciones políticas del padre del existencialismo resulta esta edición realizada por el escritor y sociólogo Eduardo Grüner, quien además fue vicedecano en la Facultad de Ciencias Sociales.

       “Los textos de Sartre siguen siendo máquinas capaces de volver a poner en marcha cabezas semi detenidas por la derrota del socialismo, si el que lee tiene las agallas para enfrentar sin eufemismos bienpensantes nuestra cruda realidad·, dice en el prólogo Alejandro Horowicz.

    Remarca además que “el mundo de Sartre no está más. Lo cual no quiere decir, de ninguna manera, que Sartre no pueda ser de este mundo.” Con estas palabras Eduardo Grüner se responde la pregunta que abre este libro: ¿Tiene sentido volver a leer a Jean-Paul Sartre en el siglo XXI?”.

      Según Horowicz, “en una época atravesada por el cinismo político, las desigualdades extremas y la crisis de las ideas emancipatorias, su obra vuelve a interpelarnos con una fuerza inesperada, como un llamado al “asalto de lo real”.

    En “Sartre contra la corriente. Argumentos para un retorno”, el autor emprende una relectura integral del autor de El ser y la nada: filósofo, novelista, dramaturgo, militante, polemista y figura central de la cultura del siglo XX.

       El resultado es un recorrido apasionante por sus libros, sus debates y sus intervenciones políticas, pero también por las tensiones de toda una época: el marxismo, el colonialismo, la revolución, el racismo, la literatura, la ética y el compromiso intelectual.

   Este gran ensayo cultural devuelve a Sartre su potencia original: la de un pensamiento que no busca tranquilizar al lector, sino obligarlo a tomar posición. Si el cielo está vacío, sólo nos tenemos a nosotros mismos, y a los otros: que pueden ser el infierno, pero también son mediaciones indispensables para nuestra existencia en la que estamos condenados a la libertad.

         Eduardo Grüner es doctor en Ciencias Sociales (UBA). Doctor Honoris Causa UNC. Profesor Consulto UBA. Ex Vicedecano de la Facultad de Ciencias Sociales (UBA). Ex profesor titular de las Facultades de Filosofía y Letras y de Ciencias Sociales (UBA).

       Fue autor de los libros Un género culpable (1994), Las formas de la espada (1997), El sitio de la mirada (2000), La cosa política (2005), La oscuridad y las luces (2010), La obsesión del origen (2020), The Haitian revolution (2021), Lo sólido en el aire (2021), La tentación del desastre (2023), Pasolini (2025), Fanon (2025), El detalle y el rumor (2025).

      Recibió el Premio Nacional de Ensayo (2011), el Premio Libertador al Pensamiento Crítico (2012), el Premio Salvador Sammaritano a la Trayectoria (2012) y el Premio Konex de Platino al Ensayo Filosófico. Es actualmente miembro de las revistas Conjetural y Diatribas.

     “La nueva oligarquía tecnológica. Poder sin límites en la posdemocracia”, de Ariel Goldstein (Marea )

        Un libro necesario para comprender quiénes controlan las infraestructuras que organizan la información, el pensamiento y, en última instancia, la política. Y para preguntarnos cómo recuperamos ese control. Hugo Alconada Mon 

    ¿Un selecto club de tecnólogos dirige el destino de la humanidad? Se trata de ultrarricos que desprecian lo estatal, pero que se ven beneficiados por los Estados, mientras declaman discursos de libertad.

      ¿Quiénes son? ¿Cómo operan? ¿Existe un espacio de resistencia una alternativa a la posdemocracia?

       Ariel Goldstein pone el foco sobre los miembros de la oligarquía tecnológica que marca –al menos, por ahora– el curso de la historia global en la actual fase posdemocrática.

          Personajes como Elon Musk, Jeff Bezos, Peter Thiel, Jensen Huang, Sam Altman, Mark Zuckerberg, Alex Karp y algunos otros multimillonarios tejen alianzas con los Estados y acumulan poder (y capitales) sin límites. Se trata de una dominación política que no está basada exclusivamente en partidos, ideologías ni instituciones representativas.

           Este libro propone comprender a esta nueva oligarquía que ejerce su influencia sobre todo el planeta a través de sus empresas globales. Para ello, Goldstein nos acerca una tipología de roles de este nuevo régimen y un análisis de quiénes los encarnan: administradores que gestionan infraestructuras, arquitectos que diseñan ideologías y discursos, operadores que los convierten en acción política y traductores que los replican en las periferias.

      ¿Será posible que emerja algo distinto? ¿Tenemos posibilidades de impulsarlo? En La nueva oligarquía tecnológica, Goldstein delinea el mapa de la tecnopolítica actual despejando los caminos hacia espacios de acción posible.

     Ariel Goldstein es doctor en Ciencias Sociales por la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Buenos Aires e investigador adjunto del CONICET en el Instituto de Estudios de América Latina y el Caribe. Ha sido profesor del posgrado en Ciencias Sociales de la Facultad de Ciencias Sociales (UBA).

         Es docente de la cátedra Política Latinoamericana de la carrera de Ciencia Política (UBA). Sus últimas publicaciones incluyen: Prensa tradicional y liderazgos populares en Brasil (2017), "The Press and Classical Populism in Argentina and Brazil" (Latin American Perspectives, mayo de 2018), Bolsonaro (Marea, 2019), Poder evangélico (Marea, 2020), La reconquista autoritaria (Marea, 2022) y La cuarta ola (Marea, 2024).

Se exhiben en la Casa del Bicentenario tres muestras con obras de destacados artistas argentinos

 

ARTES PLÁSTICAS

     Se inauguró en la Casa Nacional del Bicentenario la muestra Metamorfosis, de Milton Kalbermatter, una exposición que reúne diez pinturas y un libro del artista en acrílico. Curada por María Fernanda Pinta se podrá visitar hasta el 20 de septiembre en la sala 302 de la Casa, Riobamba 985, de miércoles a domingos de 15 a 20 horas.   

        Desde su obra visual Milton ensaya distintas figuraciones de lo vivo a través de lo que podría ser su conformación microscópica, su cromatismo, sus texturas, su vibración y sus comportamientos ante la luz y otros estímulos del entorno. En esa escala, se destacan más las coincidencias que guardan los seres vivos entre sí y con sus ecosistemas que las diferencias.

       Igualmente, es posible imaginar su polo opuesto, aquel de la inmensidad del paisaje. Entre unos y otros, se deja ver un sentido de transformación, impermanencia y movimiento que es, a la vez, regular, constante, propio de una temporalidad más extensa, de larga duración.

       Lejos de representar aquellas formas, seres y escenarios, la pintura de Milton los anima, les da vida. En ese gesto la pintura se vuelve ella misma organismo y hábitat. Y la práctica de pintar (y observar) la oportunidad de hacer la experiencia de sus entrecruzamientos y metamorfosis.

       Desde sus pinturas como cartografías (visuales, vinculares, afectivas), la exhibición busca generar una experiencia sensible y una conciencia activa sobre nuestros entornos naturales y vitales.  

       Milton Kalbermatter (1979, Chaco) es licenciado en Artes Plásticas por la Universidad de Misiones (UNaM). Continuó  su  formación  en  el  marco  de diferentes programas de becas y  perfeccionamiento. Entre 2005 y 2007 obtuvo la Beca de Producción y Perfeccionamiento del Programa Educativo de Artes Visuales, Proyecto Alto Paraná / MAC  UNaM e integró el equipo del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad Nacional de Misiones.

        Desde 2005 participa activamente en la escena local exhibiendo sus trabajos en muestras individuales y colectivas. Entre las exhibiciones individuales de los últimos años se destacan: El instante más bello (Galería Alejandro Bustillo, Banco Nación, 2026), Puede parecer extraño (Galería Palatina, 2025) y Rosa Anfibia (Casa Bolívar, 2023).

      Entre las exhibiciones colectivas se cuentan: 69° Salón Manuel Belgrano (Museo Sivori, 2025), Que el pensamiento se mueva (Galería Palatina, 2021) y 1° Bienal Nacional de Dibujo (Museo Franklin Rawson, 2019).
Asimismo, ha obtenido los siguientes premios: 3° Premio Adquisición del Premio Nacional de Pintura del Banco Central (2018) y 2° Premio del Salón de Artes Plásticas Fernán Félix de Amador (2015).

        El artista desarrolla su trabajo a través de prácticas vinculadas a la pintura, el dibujo, la intervención urbana, el diseño textil y la música. Dicta talleres y clínicas de artes. Desde 2018 trabaja como artista de la Galería Palatina, Buenos Aires.

    La curadora María Fernanda Pinta (1976, Buenos Aires) es doctora en Historia y Teoría de las Artes por la Universidad de Buenos Aires (UBA). Investigadora Independiente del Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas (CONICET), profesora de grado y posgrado en la Universidad Nacional de las Artes (UNA).

        Ha realizado residencias de investigación en la Universidad de Castilla-La Mancha (España, 2006) y en la Università degli Studi di Urbino Carlo Bo (Italia, 2023). Es directora del grupo de investigación Intermedialidad. Artes, literatura y curaduría (UNA).

        Entre sus trabajos como curadora ha realizado el Archivo Oral de Arte Latinoamericano (2015-2021), Mínimo Teatral (Museo Castagnino – MACRO, 2017), Escuela Serena (Centro de Arte de la UNLP, 2019), La casa de fuego / La casa en llamas (Leila Tschopp, Hache Galería, 2021) y Personæ (Martín Sichetti, Hache Galería, 2023).

    Además, en la Casa del Bicentenario también se pueden visitar otras dos muestras: “Creciente litoral”, con curaduría de  Julia Acosta, que son obras recientemente incorporadas al patrimonio del Museo Provincial de Bellas Artes Dr. Pedro E. Martínez de Entre Ríos, en el marco de sus cien años. La muestra reúne 17 piezas premiadas en el Salón Provincial de Artes Visuales: pinturas, textiles, dibujos, cerámicas, xilografía y talla en madera.  Esto será hasta el 27 de septiembre.

      Y también se presenta “Alma Naciente”, de Gabriel Altamirano, hasta el 27 de septiembre, curada por Gastón Fournier. “Alma naciente” explora las imágenes mentales con las que las personas construyen sus deseos, proyectan su futuro y sostienen emocionalmente el presente. Un proyecto en el que desplaza la mirada hacia un territorio íntimo: el instante en que el deseo deja de observarse desde afuera para comenzar a habitar el cuerpo.

Un tributo a Tita Merello, "una diva plebeya", en una muestra antológica de su inmensa trayectoria artística

 CINE

       Pocas artistas femeninas relacionadas con el tango y con el cine y la actuación han adquirido un nivel casi mítico como la gran Tita Merello.  Por eso, el homenaje que se hace de su trayectoria en la muestra  ”Tita Merello. Una diva plebeya” es una exhibición en la que obras contemporáneas y materiales de época rinden homenaje a una mujer que se construyó a sí misma y se convirtió en un ícono nacional.

      Cantante y actriz, Tita Merello se encuentra entre las grandes figuras de nuestra cultura: una artista que llevó su biografía y la sensibilidad popular al centro de la escena, y que nunca dejó de emocionar ni de revelar la intensidad de una trayectoria única.

         A través de una cuidada selección de películas, registros sonoros y documentos inéditos, en diálogo con obras creadas especialmente para la exhibición, la propuesta revisita el legado de Tita y reactiva su potencia simbólica en el presente. La muestra cuenta con curaduría de Lucía Ulanovsky.

       Por su voz inconfundible, su expresividad actoral y ese exceso de vida transformado en pasión creadora, aquella jovencita que debutó en los cabarets del bajo fondo porteño se convirtió en uno de los rostros centrales del tango y del cine clásico nacional.

          Tita Merello forma parte de las grandes figuras emblemáticas de nuestra cultura: una artista que llevó su biografía y la sensibilidad popular al corazón de la escena. Vivió hasta los 98 años; en su última década eligió esquivar los escenarios, pero su repertorio nunca dejó de emocionar ni de revelar la intensidad de una trayectoria única. 

          Al volver sobre las fascinantes facetas de su personalidad –transgresora, enamorada, artista de leyenda y diva plebeya–, la muestra recupera películas, imágenes de archivo y de fotógrafos argentinos, registros sonoros, documentos y testimonios orales, y los pone en diálogo con obras contemporáneas concebidas especialmente para la ocasión. El recorrido propone una experiencia que entrelaza memoria, afecto y cuerpo.

           Entre el mito y la realidad, la exposición revisita su huella y reactiva su potencia simbólica en el presente. ¿Quién fue Tita Merello? ¿Cómo se ganó el amor de su pueblo? ¿Por qué su presencia continúa interpelándonos? Este homenaje invita a escuchar, mirar y sentir la persistencia de una voz que todavía nombra lo que somos.

          En ese cruce entre archivo y creación, la muestra construye un espacio de encuentro en el que la historia personal se vuelve colectiva y el legado artístico se proyecta hacia nuevas generaciones.

          La exhibición puede visitarse de miércoles a domingos de 14 a 20 horas en el Palacio Libertad ( ex CCK), en Sarmiento 151 hasta el 20 de diciembre. No se requiere reserva previa de entradas.

Crisis de parejas, los libros que quedan y una relectura de Tío Vania en tres propuestas de la cartelera porteña

 

TEATRO

“TODA PERSONA VISTA DE CERCA ES UN MONSTRUO”, dramaturgia de María Zubiri y dirección de Mauro Antón

         Dos parejas, cuatro personas. En crisis cada una consigo misma y cada pareja en consecuencia. Se juntan a cenar y los otros a modo de espejo ponen de relieve los modos más monstruosos e íntimos de cada uno.

           Lo que aparentan, lo que son y lo que desean se debate en un encuentro que los conducirá a revelar verdades, y a rebelarse ante definiciones ancestrales y universales. Esta noche la situación los llevará a un paroxismo inesperado.

         María Zubiri resultó merecedora del premio Trinidad Guevara 2021 en el rubro Revelación. Actúan: Sol Kohanoff, Emiliano Pandelo, Maximiliano Prioriello, María Zubiri. Todos los domingos de agosto a las 19.30 en El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960.

       Esta obra fue estrenada en el año 2019 en el espacio Polonia, en 2020 realizó funciones por streaming, en 2021 volvió a Polonia, en 2022 al teatro Del Borde y en 2023 se presentó en El Extranjero. En 2024 se mudó a El Camarín de las Musas, donde transita este año su sexta temporada en cartel.

“ESTOS PEQUEÑOS LIBROS QUE QUEDAN”, dramaturgia y dirección de Cynthia Edul.       

       La elogiada obra de la dramaturga, directora y gestora cultural Cynthia Edul ofrecerá nuevas funciones los jueves 20 y 27 de agosto y jueves de septiembre a las 20 horas en Arthaus Central (Bartolomé Mitre 434).

      Interpretada por Mónica Raiola, Ignacio Sánchez Mestre y Agustina Muñoz, la obra despliega el vínculo entre una madre y una hija que buscan un objeto perdido en medio de una gran biblioteca con vida propia. Ese objeto que buscan, trae a su vez un dolor que sólo los libros pueden ayudar a nombrar.

         “Estos pequeños libros que quedan” pone el foco en la vida y en la poesía, la experiencia y la literatura. ¿Cómo se nombra lo perdido? Serán los poetas y escritores que habitan esa biblioteca los encargados de ponerle imágenes y sentido a todo aquello no se puede nombrar. Y entre libro y libro transcurre esa compleja relación entre una madre y una hija, los vínculos familiares y la historia misma de las mujeres.

        “La obra surge de una anécdota personal, que bien podría haber sido la consecuencia de haber leído mucho El Quijote. Entonces, fui a la biblioteca para encontrar en la ficción una forma de contar ese momento de mi vida”, comenta su autora.

        “Estos pequeños libros que quedan”, trama vínculos, escribe líneas de un poema, traza hilos invisibles que nos unen con lo que amamos y con lo que perdimos.

       La obra es una producción de Paraíso Club en colaboración con Arthaus y cuenta con el apoyo de Proteatro. Se puede ver en las fechas citadas en  Arthaus Central (Av. Bartolomé Mitre 434, CABA). Localidades $ 20.000 (descuento estudiantes y jubilados $14.000) disponibles en Alternativa Teatral

“EL AMOR ES UN BIEN”, una obra de Francisco Lumerman

         Sonia y su tío Iván viven en Carmen de Patagones, un pueblo al sur del país. Tienen un hostel en el que viven y trabajan, y además ensayan para sus recitales. El único huésped se llama Pablo, un médico joven que no sabe hasta cuándo va a quedarse. 

        Con la llegada del padre de Sonia, Alejandro, y su nueva mujer, Elena, la convivencia empieza a incomodar. Cinco vidas a la deriva entre canciones, dulces caseros y fracking; y una pregunta implícita: ¿Pueden hacer otra cosa? ¿Podemos hacer otra cosa del mundo?

        Dicen sus creadores: “volvemos en forma de ejercicio íntimo. Una puesta despojada. La platea está vacía, el público rodea a los actores. La escenografía: serán los muebles que ya estén en los espacios. El vestuario: la ropa de los actores. El elenco: va a ser el de todas las versiones, se irán rotando en las fechas. Itinerantes como una banda de rock que lleva su música donde puedan y donde los llamen.

         Una invitación a vernos reflejados y seguir preguntándole a Chejov. con una relectura de "El Tío Vania" como se hace cuando los paradigmas conocidos se derrumban. Actúan: Manuela Amosa, José Escobar, Jorge Fernández Román, Diego Faturos / Ignacio Gracia, Rosario Varela. En Moscu Teatro, Juan Ramírez de Velasco 535. Todos los domingos a las 19.30.

 

Maestro del saxo tenor, George Garzone se presenta junto a Jeff Watts en el marco del Jazz Buenos Aires

 

MUSICA

     Virtuosismo y explosión rítmica: George Garzone y Jeff “Tain” Watts en el San Martín. El maestro del saxo tenor se une a uno de los mayores bateristas del jazz contemporáneo en el marco de Jazz Buenos Aires, el ciclo presentado por Jazz at Lincoln Center.

          El sexto concierto del ciclo Jazz Buenos Aires, que tendrá lugar el martes 18 de agosto a las 20 horas, será un encuentro entre el virtuosismo del saxo tenor y la explosión percusiva del jazz.

         Las tríadas cromáticas de George Garzone y el elegante estallido de la batería de Jeff “Tain” Watts generan sobre el escenario una gran tensión entre color, melodía, ritmo callejero y la arrolladora presencia del swing. Dos notables músicos, clásicos y modernos a la vez, desplegarán su talento en la Sala Martín Coronado del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530).

        George Garzone (Boston, 1950) tocó en las orquestas de Frank Sinatra y de Elvis Presley, y aunque compartió grabaciones y escenarios con Joe Lovano, Kenny Werner, Tom Harrell, Dave Liebman y Kenny Barron, entre otros, siempre mostró una fuerte vocación de liderazgo, como lo evidencia con The Fringe, un trío de jazz fundado en 1971 que incluye al bajista John Lockwood y al baterista Francisco Mela y con el que ha publicado varios álbumes.

         Profesor del Berklee College of Music (donde tuvo como alumnos a Branford Marsalis, Donny McCaslin, Joshua Redman, Mark Turner y Esperanza Spalding, entre tantos otros), Garzone es además creador del Enfoque Cromático Triádico, un concepto de improvisación que desarrolló durante 25 años y en el que conecta tríadas sucesivas en distintas inversiones utilizando semitonos.

           Con una veintena de discos a su nombre y más de 30 como colaborador, es uno de los más importantes saxofonistas posteriores a John Coltrane, de quien recibió la mayor influencia: “es indudable que la herencia de Coltrane está presente en todos los saxofonistas de mi generación y, por supuesto, de las posteriores”, tal como le admitió a César Pradines en el diario Clarín, durante una de sus visitas al país en 2017.

        El baterista norteamericano Jeff “Tain” Watts (20 de enero de 1960, Easton, Pensilvania, Estados Unidos), reconocido por los expertos como uno de los bateristas más explosivos y al mismo tiempo elegantes del jazz, es un auténtico innovador que nunca deja de ofrecer la magia percusiva que ha sido su sello distintivo desde su aparición en la escena contemporánea.

          Trabajó con los hermanos Wynton y Branford Marsalis, participó en la película de Spike Lee Mo’ Better Blues y formó parte del programa The Tonight Show de Jay Leno. Es dueño de su propio sello discográfico (Dark Key Music), bajo el cual produjo sus últimos discos, Folk’s Songs (2007), WATTS (2009) y Family (2011). En 2017 recibió una beca Guggenheim en Composición Musical, y participó en siete grabaciones ganadoras del Grammy y en nueve más que fueron nominadas a ese mismo premio.

      Las localidades pueden adquirirse a través de www.complejoteatral.gob.ar , en tanto la venta presencial se realiza en Viamonte 560, y en la boletería del Teatro San Martín solo en día de función.

Se entregarán los Premios Konex a las personalidades más destacadas de las Humanidades Argentinas

 

 

PREMIOS

        La Fundación Konex comunicó que el Gran Jurado de los Premios Konex 2026 eligió a las 100 personalidades más destacadas de las Humanidades Argentinas. Se trata de 20 disciplinas integradas por quintetos de premiados que recibirán el Diploma al Mérito por su actuación en la década 2016-2025.

       El Gran Jurado está constituido por 20 destacadas personalidades. Su presidenta es Aída Kemelmajer de Carlucci (Konex de Brillante 2016; Konex de Platino 1998 y 1996), su Secretario General es Pablo Gerchunoff (Konex de Platino 2016) y cuenta con José Emilio Burucúa (Konex de Brillante 2016; Konex de Platino 2014 y 2004) como Invitado Especial.

          De forma excepcional las disciplinas consideradas son 21, incorporándose “Estudios de Género”. Cabe destacar que en esta edición se contemplan disciplinas vinculadas a la Historia, que hasta 2014 se premiaron en la actividad Letras.

       Estas personalidades recibirán el Premio Konex - Diploma al Mérito el martes 8 de septiembre en el Salón de Actos de la Facultad de Derecho de la UBA.

         El Gran Jurado además otorga: Menciones Especiales; Instituciones; Asociación Argentina de Derecho Constitucional; CEDES - Centro de Estudios de Estado y Sociedad; SADAF - Sociedad Argentina de Análisis Filosófico

    A la trayectoria: Guillermo Calvo, Ricardo Gil Lavedra, Juan Carlos Torre. Y en homenaje a los 40 años del Juicio a las Juntas: Carlos Nino-

           Con posterioridad a la ceremonia de septiembre, el Gran Jurado elegirá al Konex de Platino de cada quinteto y, entre ellos, a la figura de la década, quién resultará el Konex de Brillante. Han recibido este máximo galardón Gregorio Weinberg (1986), Gregorio Klimovsky (1996), Julio Olivera (2006), y Aída Kemelmajer de Carlucci y José Emilio Burucúa (2016).

      La ceremonia en la que se otorgarán los Konex de Platino, las Menciones Especiales, el Konex de Honor, el Konex Mercosur y el Konex de Brillante tendrá lugar el martes 10 de noviembre en el Salón de Actos de la Facultad de Derecho de la UBA.

            Los Premios Konex fueron creados por el Dr. Luis Ovsejevich en 1980 con el propósito de “sembrar el porvenir”, distinguiendo anualmente a las personalidades/instituciones más valiosas de la Argentina en 10 actividades culturales. En 2026 se cumple la 47° edición de estas distinciones. 

"La comarca santiagueña", un documental que se propone capturar la esencia y el arte de esa provincia

 

CINE

       Hace pocos días comenzó oficialmente en territorio santiagueño el rodaje de "La comarca santiagueña", un ambicioso largometraje documental que se propone capturar el latido vivo, el misterio y la esencia de la provincia.

      Bajo la dirección de los realizadores Eduardo Fisicaro y Silvia Majul, la producción adopta la célebre definición de Atahualpa Yupanqui, quien afirmaba que “Santiago del Estero está lleno de misterio, es una Comarca Embrujada”, para trazar un mapa poético, musical y humano que va mucho más allá del simple registro visual.

      Con la conducción y el relato apasionado de Miriam Talone y el conductor  Marcelo Jara, el filme inicia un itinerario dividido por bloques geográficos y culturales.

         La travesía desandará caminos emblemáticos: desde Loreto —tierra de Arnedo Gallo y el "Tata" Farías Gómez— hasta Añatuya, cuna de Homero Manzi; pasando por La Banda —la "tierra de poetas" que parió a Pablo Raúl Trullenque—, Quimilí y Villa Silipica.

        En este viaje se entrelazarán celebraciones masivas e identitarias como la Marcha de los Bombos y la Fiesta de la Abuela Carabajal, exponiendo el relevo generacional donde la chacarera renueva el aire de su gente.

Un diálogo entre el presente y el pasado

       El documental se construye a través de un espejo temporal donde el presente dialoga con el pasado. La producción registrará charlas íntimas con figuras clave de la cultura actual como las teleras de Atamisqui y los maestros artesanos Mario Paz, Indio Froilán, el bandoneonista Orlando Geréz y el bailarín Juan Saavedra.

       Este relato se complementará con un valioso material de archivo audiovisual grabado hace 20 años que recupera testimonios inéditos de leyendas fundamentales como Sixto Palavecino, Elpidio Herrera, Carlos Carabajal y Elsa Corvalán.

     Se suman además la participación de figuras de la talla de León Gieco, Peteco Carabajal, Cuti Carabajal, Marián Farías Gómez, el poeta Bebe Ponti,  entre otros. El arco musical y poético de la obra abrazará la historia grande de la región, desde Andrés Chazarreta y Los Carabajal, hasta Los Manseros Santiagueños, los Orellana Lucca y Jacinto Piedra.

       A nivel estético y cinematográfico, "La comarca santiagueña" apuesta por una experiencia sensorial que prioriza el sentir frente al paisaje. Con una propuesta que funde la modernidad y la herencia ancestral, la película se presenta como un acto de reivindicación y memoria popular, demostrando que la verdadera grandeza de Santiago habita en el espíritu de su gente.