Oscar Araiz propone en su nueva obra Quimera un tributo a la poética y la estética de Federrico García Lorca

 

MUSICA/DANZA

       El destacado coreógrafo y director argentino Oscar Araiz presenta Quimera, una creación inspirada en la poética y estética de Federico García Lorca, concebida especialmente para el espacio La Capilla del Centro Cultural Recoleta.

         En la mitología clásica ‘quimera’ es un monstruo con cabeza de león, vientre de cabra y cola de dragón, que como alegoría de la diversidad que escapa al pensamiento bipolar propio de Occidente.

      Metafóricamente se trata de una convivencia de naturalezas diferenciadas; así la diversidad de técnicas, estilos y experiencias presentes en el grupo que interpreta Quimera.

       Algunos de los personajes de este ejercicio teatral llevan el nombre de un color: Azul, Negro, Rojo, permitiendo una multiplicidad de interpretaciones. La disparidad predomina.

        Quiméricos son la paternidad, El Niño Muerto de “Así que pasen cinco años”, la frustración amorosa, el rito carnal que el amor exige; los temas confesionales. En Quimera predominan la exploración del fenómeno poético, su disparidad temática y visual, como el objeto y su humanización (el Maniquí y su vestido de novia), libre de literalismos lineales y en una atmósfera atemporal.

        Según Araiz “es bastante constante mi preferencia por la diversidad en los elencos con los que trabajo. En éste destaco la presencia de figuras con altos talentos académicos: Jazmín Gude Alonso, Valentin Fernández, Martín Alvarez (primeros bailarines del Ballet Estable del Teatro Argentino de La Plata gracias a la autorización de su directora Fernanda Bianchi, quien paseó por mi repertorio y dejó sus marcas), Sofía Mazza, maestra e intérprete de "Boquitas Pintadas" y "La Consagración de la Primavera".

     Menciona también a Yamil Ostrovsky (asistente y repositor desde largo tiempo y actual maestro creador y director de su compañía de Teatro del movimiento integrado por jóvenes ex alumnos del Instituto Superior de Arte con sobresalientes potenciales para asistir o coordinar diferentes aspectos de la profesión), Sofía Di Núbila o Pablo Ripari.Señala a "Sofía Brochard, actriz sensible, Marcela Suez brillante del flamenco que nos cedió generosamente su estudio, Lucía Fucci con formación contemporánea y Sofia Muñoz procedente de la Universidad de San Martín.

         Con vestuario de Renata Schussheim Quimera despliega -a lo largo de cinco escenas o cuadros-, diferentes atmósferas anímicas donde las fronteras entre lo visual, lo sonoro y la acción corporal se desdibujan para invitar al espectador a una experiencia sensible. "Procuro convocar al público a participar de un juego estético formal, emocional y simple", concluye Araiz.

       "Quimera",  con dirección de Oscar Araiz, se presenta los días jueves 22 y 29 de octubre a las 19 horas  en La Capilla del Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, CABA). La entrada es libre y sin costo para argentinos y residentes y el ingreso por orden de llegada hasta agotar la capacidad del espacio.

 

Una reacción de la comunidad cultural ante la anunciada expropiación de un local porteño emblemático

MÚSICA/LIBROS

      Es quizás una de las esquinas más tradicionales del ámbito porteño. Si bien se trata de un local comercial, Zivals fue durante más de medio siglo un lugar de confluencia de lo cultural, desde lo musical hasta lo literario. Ahora, ante el anuncio de su expropiación por parte del gobierno porteño para instalar allí la salida de una estación del subte F, parte del a comunidad cultural se moviliza en defensa de este espacio tan tradicional. 

        En medio de la campaña de concientización que están llevando adelante, luego de hacer público el tema en redes y medios,  desde la histórica disquería y librería,  anuncian la apertura de un nuevo sector que venían proyectando: “Inaugurar algo en este contexto también es un acto de resistencia”, dicen.

        Lejos de replegarse frente a la incertidumbre, Zivals decide ampliar su actividad cultural y abrir un nuevo sector destinado a muestras, presentaciones de libros y discos, intervenciones musicales en vivo, encuentros y actividades especiales para atesorar y compartir en comunidad.

         Asi, Zivals ofrece una serie de actividades y una programación especial desde el martes 20 de octubre, día en el que recibirán la placa por la Declaratoria como Sitio de Interés Cultural de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires (otorgado por la Legislatura de CABA y votado por unanimidad).

        Y para la semana del cumpleaños de Charly García habrá intervenciones artísticas especiales. Charly, una figura profundamente ligada a la identidad cultural de Zivals, que está presente en el gran mural realizado por el artista Martín Ron. Un mural reconocido por la Legislatura , que  "expresa una forma de resistencia cultural, de transmisión generacional y de compromiso con la circulación de bienes simbólicos".

        Participarán distintos artistas como Uberto Sagramoso, el histórico fotógrafo argentino conocido por tomar la emblemática foto de tapa del álbum Clics Modernos de Charly y retratar a grandes figuras del rock nacional, el jazz y la literatura, que inaugura una muestra de fotografías en el local.

         Además, presenta su libro, el escritor y dibujante Rep junto a Nico Cotta , con una propuesta especial que combinará literatura, dibujo y música, con DJ en vivo, a partir de su libro “Charly Absoluto”. Serán de la partida también Hilda Lizarazu y Lito Vitale que pasarán por Zivals dejando algunas de las maravillosas versiones de su álbum “Hilda canta Charly” (1 y 2).

        Y habrá otras intervenciones musicales para sorprender al público que transite por el local: Lidia Borda y Daniel Godfrid , la cantautora Gambo y el dúo de San Juan Lipp Suchen, entre otros. La esencia de este nuevo proyecto cultural es seguir aportando valor simbólico a la ciudad.

    Inaugurar este nuevo espacio es, también, según sus dueños,  una manera de reafirmar el deseo de seguir formando parte de la vida cultural de Buenos Aires.

        "Zivals NO está en contra del subte", solo piden ser escuchados. Las alternativas fueron presentadas al Ministerio de Movilidad e Infraestructura, pero hasta el momento no recibieron respuesta: "La solución es sencilla: correr 20 metros el acceso proyectado a la estación lo que permitiría preservar el local sin expropiar a nadie y sin modificar el trazado de la línea ni alterar el proyecto general. Las alternativas existen y garantizan la obra pública y, al mismo tiempo, preservan un espacio cultural con 55 años de historia. No estamos frente a una obra pública que necesita a Zivals para poder hacerse. Estamos frente a una obra pública que eligió hacerse sobre Zivals, teniendo alternativas más económicas, más funcionales y sin costos culturales", afirma Fernando Laviz, uno de los pilares de la familia Zivals. 

Un poco de historia

        Fundada en marzo de 1971, Zivals fue una de las primeras tiendas del país en combinar música y libros bajo un mismo techo. Construyó desde sus inicios una propuesta que sigue siendo una rareza en el mercado local: la condición de "especialista en todo"  con catálogo profundo en rock, tango, folklore, música clásica, jazz y música del mundo.

           En 2007 incorporó Acqua Records, sello dedicado a la música popular argentina con fuerte foco en el tango, hoy referencia obligada para coleccionistas dentro y fuera del país. Cuando a comienzos de los 2000 cayeron cadenas históricas como Musimundo y Tower Records, Zivals resistió y se consolidó como una de las últimas grandes tiendas físicas donde la música conserva un lugar protagónico.

Agenda teatral con varias propuestas: "La imagen presunta"; "La máquina electoral" y "Una semana más"

TEATRO 

"La imagen presunta", con dramaturgia y dirección de Adriana Garibaldi

      La sala Felisberto Teatro acaba de estrenar La imagen presunta, una obra con dramaturgia y dirección de Adriana Garibaldi,  que se propone como un homenaje a la fotografía analógica, invento de hace 200 años que fue evolucionando y conformando el modo de vernos, pensarnos, de habitar la historia y proyectarnos en el tiempo.

       La obra se desarrolla en un Prólogo y tres episodios (de Llorar, de Reir y de Pensar). Catorce personajes, ocho intérpretes que aportan su arte a este universo.

        “La imagen presunta es una evocación del gesto de posar y fotografiarse y mirarse reflejada en el papel – cuenta Adriana Garibaldi. Y también -continúa- sobre cómo la fotografía ha moldeado a los individuos y la sociedad en tanto conformadora del modo de vernos, pensarnos, de habitar la historia y proyectarnos en el tiempo. Se trata de una temática inconmensurable, que en la puesta abordamos desde distintos enfoques y modos”.

          Precisamente, dado este universo y el deseo de tratar muchos de estos tópicos, la obra se desarrolla en un Prólogo y los episodios De llorar, De reír, De pensar, tratados con tres procedimientos creativos diferentes y los recursos que brinda el acontecimiento teatral. Tres historias, tres momentos – años setenta, noventa y un presente cercano- todos, en un mismo espacio. La lluvia, como hilo conductor, atraviesa estas historias cuyos títulos remiten a la forma popular de nombrar los géneros cinematográficos, definidos por el efecto que las historias provocaban en los receptores.

     Con autoría de Adriana Garibaldi, cuenta con las actuaciones de Leticia Barbitta, Marcela Bea, Claudio Beltrán, Constanza Cilifrese, Lucía Correa Vazquez, Cecilia Labourt, José Toccalino, Maria Nydia Ursi-Ducó. Asistencia de dirección: Leticia Barbitta. Puesta en escena y dirección de : Adriana Garibaldi. Duración: 70 minutos. 

   Se puede ver en Felisberto, Yatay 112, en el barrio de Almagro, todos los sábados de octubre a las 21 horas.

“La máquina electoral”, dramaturgia de Julieta Grinspan. Dirección de Cintia Miraglia.

      Una comedia sobre los mecanismos electorales, sus rituales, sus contradicciones y aquello que creemos haber aprendido (y que seguro, no tenemos que olvidar).

      Día de elecciones en la ciudad de Nueva Armilla, todo está listo para celebrar la nueva victoria del Intendente. En el bunker de campaña solo falta que llegue el gran ganador mientras afuera un particular opositor parece dispuesto a hacer cualquier cosa para ganar.

      Pasilleos conspirativos, supersticiones, cuchicheos, falsos micrófonos y sorteos hacen de esta jornada electoral una comedia absurda y delirante, donde quizás nadie se acuerde de no sobrecargar a la verdadera protagonista de esta historia: La Máquina Electoral.

      Con las actuaciones de Leticia Torres, Julieta Grinspan, Carolina Guevara, todos los sábados de este mes a las 20 horas en El Portón de Sánchez, Sánchez de Bustamante 1034. Entrada libre, con sistema “a la urna”.  Duración 60 minutos

     “La Máquina Electoral” nace de una necesidad de mirar la política desde el humor.  Nos interesa ese territorio donde la realidad parece escrita por una dramaturga desquiciada: discursos que prometen todo, candidatos que se transforman, asesores que manipulan y una maquinaria que, mientras intenta funcionar, deja al descubierto sus propias contradicciones.

        La obra propone jugar con los códigos de la campaña electoral para hablar del poder, de quienes lo buscan y de quienes hacemos posible que esa maquinaria funcione. No desde la bajada de línea, sino desde la risa, la parodia y el grotesco. Porque a veces, para mirar de frente una realidad que nos atraviesa, el humor es una de las formas más incómodas —y más necesarias— de pensarla.

 "Una semana mas" , dramaturgia de Lisandro Penelas. Dirección de Ana Scannapieco

        Del mismo equipo de El amante de los caballos, Familia de artistas, El tipo y La heladería, se estrenó el 10 de octubre "Una semana más" en Moscú Teatro. 

    Dos hombres, un centro de desintoxicación y la amistad marginal como esperanza. Dos hombres se encuentran por azar en una casa de rehabilitación para alcohólicos en algún lugar de la provincia de Buenos Aires. No están obligados a quedarse.

      Pronto va a ser año nuevo y quisieran irse a sus casas y estar con sus mujeres o sus hijos, pero saben por qué están ahí. Mientras intentan estar mejor, la amistad marginal se vuelve esperanza. Necesitan suerte pero, ¿cuánto más van a quedarse? ¿Cuánto tiempo es una semana más?

    Este espectáculo fue estrenado en 2019 en una versión preliminar como parte del ciclo "Mentir para decir la verdad".

     Sus intérpretes son Lisandro Penelas, Francisco Lumerman, Nacho Gracia, también encargado de la música.  Asistentes de dirección: Catalina Lemeillet y Verónica Amor. Asistente de producción: Victoria Páez. Duración: 70 minutos. 

         "Una semana más" tiene funciones todos los sábados de octubre a las 19 y una función especial el jueves 22 a las 15 horas, en Moscú Teatro Escuela, Ramírez de Velazco 535, en Villa Crespo, y proseguirá todos los sábados de noviembre. Entradas en el teatro o por Alternativa Teatral. 

 

 

 

 

 

Las grandes películas de Win Wenders dentro del Encuentro de Cine Europeo, en la Sala Lugones del TSM

 

CINE 

           La Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín inicia un ciclo dedicado a la figura del cineasta alemán Win Wenders, con gran parte de su filmografía, y que incluirá proyectar dos veces, el 17 y el 30 de octubre, la versión del director de Hasta el fin del mundo, de 288 minutos, casi cinco horas de duración.

          La película, protagonizada por William Hurt, Solveig Dommartin, Sam Neill y Jeanne Moreau, se había estrenado en 1991 en una edición de 179 minutos que Wim Wenders aceptó por obligaciones contractuales, mientras el montaje que él concibió originalmente llegaba a las ocho horas.

      La proyección integra el ciclo En las rutas de Wim Wenders, que del 15 al 30 de octubre repasa diez películas del director alemán en copias restauradas, la mayoría en 4K, en el marco de la 22.ª edición del Encuentro de Cine Europeo en Argentina.

    El ciclo, organizado por el Complejo Teatral de Buenos Aires junto con la Delegación de la Unión Europea en Argentina, la Embajada de Alemania en Argentina, el Goethe-Institut Buenos Aires y la Fundación Cinemateca Argentina, se exhibe en la sala ubicada en avenida Corrientes 1530.

     Wenders nació en 1945, el año en que terminaba la Segunda Guerra Mundial, y se formó en la Alemania de la posguerra junto a Rainer W. Fassbinder y Werner Herzog, figuras centrales del Nuevo Cine Alemán. Esa generación heredó el impulso renovador de las vanguardias cinematográficas europeas surgidas del neorrealismo italiano.

       Esa tensión entre Europa y Estados Unidos atraviesa buena parte de la selección. Películas como Alicia en las ciudades (1974) y En el curso del tiempo (1976), filmadas con escaso presupuesto y guiones abiertos durante los rodajes, conviven en el programa con producciones realizadas ya en el circuito de Hollywood, como Paris, Texas (1984), escrita junto al dramaturgo Sam Shepard.

     “Viajé por Texas durante un par de meses y me di cuenta de que él tenía razón. Todo lo que yo quería estaba allí, en Texas: América en miniatura”, recordó Wenders sobre la elección de locaciones de ese film, según consta en el material del ciclo.

        Entre los títulos con mayor peso en la filmografía del director figura Las alas del deseo (1987), con Bruno Ganz, Peter Falk y Solveig Dommartin, la historia de dos ángeles que sobrevuelan un Berlín dividido por el muro. Wenders describió el origen de esa película como un impulso casi intuitivo: “Lo que yo deseé y lo que vi brillar fue un film en y sobre Berlín”, señaló, de acuerdo con el texto de difusión del ciclo.

      El programa también incluye Tokyo-Ga (1985), documental en el que Wenders viaja a Japón en busca del legado del cineasta Yasujiro Ozu, veinte años después de su muerte. “Las películas de Ozu, tan japonesas, son al mismo tiempo universales. He podido reconocer en ellas a todas las familias del mundo entero y también a mi propia familia”, afirmó el director sobre ese trabajo.

        La faceta documental de Wenders se completa con Buena Vista Social Club (1999), registro del viaje a La Habana junto al músico Ry Cooder para grabar con Compay Segundo, Ibrahim Ferrer, Omara Portuondo y otros músicos cubanos.

       Dos de las funciones incorporan, además, conversatorios posteriores a la proyección: el miércoles 21, tras El estado de las cosas (1982), con el crítico Diego Lerer, y el viernes 23, luego de Alicia en las ciudades, con el periodista cultural Javier Diz.

Programación completa

Jueves 15 de octubre: Las alas del deseo, a las 20:30 (127′).

Viernes 16 de octubre: El miedo del arquero al tiro penal, a las 18:00 (101′); El amigo americano, a las 20:30 (127′),

Sábado 17 de octubre: Hasta el fin del mundo (versión del director), a las 14:30 (288′); Paris, Texas, a las 20:30 (148′).

Domingo 18 de octubre: Buena Vista Social Club, a las 21:00 (105′).

Martes 20 de octubre: Buena Vista Social Club, a las 18:00 (105′); Alicia en las ciudades, a las 21:00 (110′).

Miércoles 21 de octubre: El estado de las cosas, a las 17:30 (121′, con conversatorio de Diego Lerer); El miedo del arquero al tiro penal, a las 21:00 (101′).

Jueves 22 de octubre: El amigo americano, a las 17:00 (127′); En el curso del tiempo, a las 20:00 (176′).

Viernes 23 de octubre: Alicia en las ciudades, a las 17:30 (110′, con conversatorio de Javier Diz); Tokyo-Ga, a las 21:00 (92′).

Sábado 24 de octubre: Las alas del deseo, a las 17:00 (127′); En el curso del tiempo, a las 20:00 (176′).

Domingo 25 de octubre: Tokyo-Ga, a las 15:00 (92′); Paris, Texas, a las 17:30 (148′); El estado de las cosas, a las 21:00 (121′).

Viernes 30 de octubre: Hasta el fin del mundo (versión del director), a las 18:00 (288′).

Más información en el www.complejoteatral.gob.ar.

 

Marcelo Lopez, entre la canción y la literatura, y la singular influencia de Litto Nebbia, con varios invitados

 

MUSICA

         Recién editado, el nuevo EP del músico mendocino Marcelo López, “Cuatro tardes en Melopea”, representa una síntesis de su trayectoria de más de tres décadas y su particular lenguaje artístico donde la canción dialoga permanentemente con la literatura.

      Grabado en los históricos estudios Melopea bajo la influencia del "ADNebbia" y con la ingeniería de Mario Sobrino, el disco propone un recorrido introspectivo a través de cuatro "estaciones" o canciones que buscan, como hilo conductor, una "salida".

       El trabajo se destaca por el equilibrio entre la música y la palabra, donde el piano de López sostiene imágenes poéticas sin intentar imponerse sobre ellas.

        En esta obra, el artista asume un rol de multiinstrumentista en las piezas más vinculadas a lo literario, como "Para Alejo" (homenaje a Alejo Carpentier) y "Pautas Eneras" (basada en el libro de Rodolfo Braceli), donde grabó la totalidad de los instrumentos.

       La instrumentación se completa con la participación de músicos de gran sensibilidad: En "Sereno", una reflexión sobre el paso del tiempo con aires de raíz argentina, colaboran Martín Castro, Jorge Garacotche y Facundo Guevara. En "Estado Crítico", el cierre del EP que aborda la fragilidad humana y la esperanza, participan Facundo Guevara y el reconocido bajista César Franov.

Canciones que invitan a la contemplación

     Este EP no es solo una colección de canciones, sino una invitación a la contemplación y a la escucha atenta.  “4 Tardes en Melopea” logra transformar el sonido en memoria, consolidando a Marcelo López como una voz fundamental de la canción de autor argentina.

     Marcelo López es pianista, compositor y referente de la música urbana argentina. Integró bandas emblemáticas como La Cofradía, Ala Disidente y Martes 13, y editó seis discos solistas, cuatro producidos por Litto Nebbia en Melopea.

      Ha compartido escenario con figuras del cancionero nacional como Alejandro del Prado, Rubén Goldín, Jorge Garacotche y Miguel Cantilo, y participa en proyectos colectivos como Tour de los Bares y Cantautores.

       En 2025 lanzó el disco “Marcelo López en vivo en Café Berlín” y prepara su debut en Madrid, consolidando una trayectoria que une blues, rock y canción de autor.

 

 

"Los Acantilados" una reflexión sobre secretos familiares, los mandatos y los abismos de la memoria

 TEATRO

    Escrita y dirigida por Ignacio Apolo, "Los Acantilados" es una obra que obtuvo el Primer Premio Concurso de Dramaturgia del Fondo Nacional de las Artes

     Un niño mira el mar desde los acantilados; un padre médico deja una herencia que debe ser repartida; una madre, atravesada por los mandatos, contempla con su hijo una tormenta esperando ver en un relámpago el llamado de dios; y un partido de tenis se juega como un destino entre hermanos.

    En la Argentina de los años ochenta, los secretos familiares, los abismos de la memoria y las verdades que lo arrasan todo sacuden a una familia que intenta descifrar si la verdad es una herramienta de salvación o una condena sin retorno.

    ¿Qué heredamos de nuestros padres y qué estamos obligados a confesar? ¿Siempre la verdad es el camino? ¿Qué deben pagar los hijos? ¿Qué decisiones tomamos y cómo nos hacen sentir? ¿Qué recompensas esperamos?

     "Los acantilados" es la primera obra de una trilogía en homenaje a Ibsen, auspiciada por la Embajada de Noruega y con música de Gisle Kverndokk. La obra transcurre en la Argentina de los años ochenta y retrata a una familia atravesada por secretos, herencias y verdades largamente ocultas.

          Un niño frente al mar, una madre atrapada por los mandatos, un padre ausente cuya herencia exige un reparto y una compleja relación entre hermanos componen una trama donde la memoria, la culpa y el deseo de saber se enfrentan constantemente.

         En el borde de esos abismos íntimos, la obra indaga qué heredamos de quienes nos precedieron, qué precio tiene la verdad y si la revelación conduce a la liberación o a una condena inevitable.

Los secretos familiares y la identidad 

            “En Los acantilados me propuse explorar cómo los secretos familiares modelan nuestra identidad y cómo el pasado sigue actuando sobre el presente. La obra indaga en los vínculos entre memoria, herencia y verdad, allí donde el afecto y la revelación conviven al borde del abismo.”, dice Ignacio Apolo

     El director es  dramaturgo, director teatral, docente y gestor cultural premiado nacionalmente (Fondo Nacional de las Artes e Instituto Nacional del Teatro, entre otros) e internacionalmente (Premio Internacional de Dramaturgia Casa de América). Su trabajo articula la creación escénica, la investigación dramatúrgica y la formación artística, desarrollando proyectos que exploran las relaciones entre escritura, puesta en escena y pensamiento crítico.

   Actúan: Ignacio Apolo, Junior Pisanu, Viviana Represas; Música: Gisle Kverndokk; Escenografía e iluminación: Felix Padrón; Vestuario: Gabriella Gerdelics; Fotografía: Akira Patiño; Asistencia de dirección: Maia Morosano; Dramaturgia y dirección: Ignacio Apolo

       Todos los domingos de octubre y noviembre a las 17 horas, en El Excéntrico de la 18ª, Lerma 420. Entradas por Alternativa Teatral.

 

La argentinidad, el muralismo y la soberanía en la visión del pintor Alejandro Dufort y su nueva obra

 

 

 ARTES PLÁSTICAS

       Enfocado en una temática social muy marcada, el muralista y pintor Alejandro Dufort cree en dejar un mensaje y un compromiso a través del arte. Dedicado a cuestiones como violencia de género y culturas originarias, ha contribuido con sus obras a distintas causas humanitarias.

       Dufort realizó más de 400 murales en la ciudad de Buenos Aires. Nacido en La Paternal, desde su adolescencia supo que lo suyo era la pintura, hay una premisa que es fundamental, y tiene que ver con el mensaje por sobre lo estético, y asegura que “no me interesa tanto que me digan que una obra mía es linda como que les haya llegado algo de lo que quise decir”.

       Pocos días atrás, Dufort inauguró un extenso mural en la calle Ramón Falcón 5627, casi Basualdo, en el barrio de Floresta, que mide a o largo de un muro 18 metros de largo por 3,30 de alto. al que bautizó como "La Argentinidad: Pasado y futuro", y como subtítulo "Muralismo y Soberanía, la causa Malvinas". 

      Según señala Dufort respecto de su reciente obra, "el título de este mural es una declaración de principios y la obra que ilustra este texto es mi manifestación estética definitiva. La Argentinidad no es una categoría abstracta ni un concepto de manual escolar; es una identidad viva que defiendo desde la pintura mural y de caballete apoyando el justo reclamo de soberanía sobre las islas".

      En este mural intento fundir la amada geografía de nuestras Islas Malvinas con el calor de la Madre Tierra. Demostrando que el territorio no es una abstracción jurídica, sino que tiene memoria y ha sido sembrado en el sentimiento popular.

Un símbolo de fuerza y resistencia

      Dice Dufort: Desde el asfalto y el cemento de nuestras calles emerge la bandera nacional. No está sostenida por un frío mástil institucional, sino por un puño de piedra y músculo, símbolo de la fuerza y la resistencia de nuestra gente. Como una cartografía viva, las Islas Malvinas y el Sol de Mayo humanizado dialogan plásticamente con ese puño de piedra aferrado a nuestros colores.

       La presencia de la fauna autóctona —el puma sigiloso en la base, el pingüino austral y el cóndor andino custodiando los suelos, mares y cielos—, junto con los diseños originarios, actúa como guardiana del territorio. Todos ellos nos recuerdan que Malvinas no es una causa aislada, sino una causa colectiva, nacional y latinoamericana.

     El arte desplegado en este muro expone esa verdad con contundencia. No hay pasividad en la obra, sino que es un ejercicio de memoria activa que proyecta la Argentinidad hacia el futuro como una herramienta de emancipación definitiva

     El subtítulo, "Pasado y Futuro", sintetiza la esencia misma del movimiento de transformación: la Memoria como combustible para las acciones futuras. "Pinté este mural con la intención de recordarnos que mientras haya un trapo celeste y blanco flameando en el corazón del pueblo, la lucha por el sentido y la soberanía de nuestra tierra seguirá siendo un destino inexorable".

     Dedicado al arte desde muy chico, Alejandro estudió en las escuelas Fernando Fader y Ernesto de la Cárcova, y ya hace 35 años que su modus vivendi es la pintura, pero nunca dejó de darle a su obra más personal un contenido social.

     Señala que “desde chico me gustó pintar, y mi madre fue quien más nos incentivó al arte tanto a mí como a mi hermano, y además nos aportó esa mirada de lo indigenista” mientras recuerda a su padre “que era barrendero, murió joven, y seguro estaría orgulloso del camino que elegí”.

      Admirador de pintores como Carpani, paralelamente Alejandro se gana la vida desde hace 40 años haciendo murales y pinturas para agencias de publicidad, especialmente en la vía pública, y calcula que “llevaré hechos más de 400 murales”.

         “Casi todo - explica- lo hago con aerógrafo, una técnica diferente y más ágil, y el trabajo callejero te exige otros cuidados, relacionados con la luz, la sombra, los árboles, los coches, en fin, se cuidan otros aspectos”.

       Entre sus múltiples trabajos, Dufort rescata la reproducción de un mural de David Siquieiros en Santa Fe, y algunos homenajes, con su propia óptica, a víctimas de la violencia como Marita Verón o Wanda Taddei, y reflexiona que “una vez leí que el pintor es cronista de su época, y todo lo que conocemos es a partir de esos artistas, y hasta que llegó la fotografía era la forma de reflejar la vida”.

      Alejandro, que alterna lo simbológico y lo figurativo con obras donde la figura humana luce más estilizada y casi sugerida, ostenta también el orgullo de haber expuesto una obra suya sobre violencia de género en el anexo de la Cámara de Diputados, que se exhibió durante más de un mes, y luego fue donada por el artista.