sábado, 29 de marzo de 2025

"El fondo de la escena" indaga sobre la identidad, la rebeldía y las imposiciones sociales

 

TEATRO

          Luego de escribir y dirigir “Matar el pensamiento” y “Volverte a ver”, el actor, director y dramaturgo, Federico Olivera, presenta “El fondo de la escena”, su tercer trabajo como autor y director, donde aborda el problema de la identidad y el relato familiar, indagando las imposiciones estigmatizantes que pueden eclipsar las aspiraciones personales y, al mismo tiempo, despertar el impulso de rebelión.

      Con las actuaciones de Fernanda Bercovich, Fabiana Brandán, Fiorella Cominetti, Lautaro Murua, Fernanda Pérez Bodria,  Cecilia Marani y Santiago Zapata, “El fondo de la escena” – presentada con gran eco en 2024-se puede ver los sábados de abril y mayo a la 19 en El Portón de Sánchez, Sánchez de Bustamante 1034, en el barrio de Almagro.

    “El fondo de la escena” cuenta la historia de tres hermanas que se reencuentran en el sanatorio en el que acaba de ser internada de urgencia su madre. Ese mismo sanatorio, que está en quiebra y está siendo desmantelado, alquila un sector de sus instalaciones para la filmación de una película de terror.

       Tanto las hermanas como el personal del sanatorio empiezan a trabajar como extras de la película. La obra despliega un juego de tensiones entre las tres hermanas que se agudiza a partir de la necesidad de encontrar un donante para la madre.

     La urgencia, el deseo de cada una y las viejas rivalidades se superponen con la ficción de la película que se está rodando, y se dispara la pregunta: ¿podremos realmente decidir lo que queremos para nosotras mismas o simplemente seremos participantes de nuestras propias contingencias, como simples personajes en una película que se repite como una cinta de Moebius?

     Según afirma su autor y director, “El filósofo alemán Martin Heidegger, en su obra Ser y tiempo (Sein und Zeit, 1927), relaciona la inautenticidad con la idea de Verfallen, la caída, donde las personas pueden sentirse reemplazables o intercambiables en una sociedad que tiende a tratar a los individuos como parte de una masa homogénea”.

    Agrega que  en este contexto, la idea de "lo original" se refiere a la singularidad y autenticidad de cada ser humano. Heidegger argumenta que las personas a menudo descuidan esta singularidad en favor de roles predefinidos y comportamientos socialmente aceptables” y remarca que la obra “explora parte de ese camino, confrontando lo que aspiramos ser frente a lo que nos sentimos obligados a representar”.

     “El fondo…” cuenta con vestuario de Soledad Cancela  y Jose Vecchietti - La Moderna; Arte de Natalia Byrne y Ezequiel Galeano; iluminación de Matías Sendón, asistencia de dirección de Luciana Castelloni y Abril Tula y la dramaturgia y dirección de Federico Olivera.

     Como actor de teatro, Olivera participó en Hamlet” de William Shakespeare en el teatro CCC, en “Conversaciones después de un entierro” de Yasmina Rezza en el teatro Broadway, en “Codicia” de David Mammet en el teatro Liceo, en “Visitando al Sr Green” de Jeff Baron en el teatro Multiteatro, en “De pies y manos” de Tito Cossa en el Teatro del Pueblo.

     Como director participó en “Don Juan de Molière” en el teatro Metropolitan, “Matar el pensamiento” en el teatro Portón de Sánchez y la coordinación teatral de “Glorias Porteñas" en el Teatro Gral. San Martín y gira por distintas ciudades de España.

     Su actividad como actor en televisión incluye una veintena de programas entre los que se destacan Mujeres de nadie, Mujeres asesinas, Padre Coraje, Los simuladores, La mujer del presidente, Son de diez y otros. Además trabajó en diversas películas como Las cosas del querer II, La vida según Muriel, Líneas de teléfono, Espérame mucho, entre otras.

 

viernes, 28 de marzo de 2025

Benveniste y Rodriguez, pioneros del arte cinético en una muestra antológica de su obra

  



ARTES PLÁSTICAS

      El Museo Nacional de Bellas Artes abrió al público “Benveniste/Rodríguez. Percepción e ilusión”, la muestra que reúne, obras centrales de la producción temprana de Perla Benveniste y Eduardo Rodríguez, pioneros del arte cinético en la Argentina, junto con piezas surgidas de su trabajo reciente.

      Con la presencia de los artistas Perla Benveniste y Eduardo Rodríguez, el Museo Nacional de Bellas Artes inauguró el jueves 27 de marzo la exposición temporaria “Percepción e ilusión”, curada por María José Herrera, que reúne más de cincuenta obras tempranas y recientes de estos dos pioneros del arte cinético en la Argentina.

       La inauguración contó con la presencia del subsecretario de Cultura de la Nación, Leonardo Cifelli; el director del Museo Nacional de Bellas Artes, Andrés Duprat; la directora artística del Bellas Artes, Mariana Marchesi; y la curadora de la exposición, María José Herrera; entre otros funcionarios, artistas y personalidades de la cultura.

     “Esta muestra es un merecido homenaje a una pareja de artistas que, desde poéticas profundamente personales, han dejado su impronta en la historia visual de nuestro país”, afirmó Duprat.

       Herrera, por su parte, señaló: “El arte cinético argentino tiene un pasado y un presente. Un presente en el cual Perla y Eduardo son protagonistas, así como muchos jóvenes que trabajan a partir de imágenes digitales. Aquí lo que vamos a ver son imágenes absolutamente no-digitales, o sea analógicas, con distintos mecanismos a veces sencillos pero muy poéticos y eficaces”.

     El arte cinético es un arte geométrico y como tal no tiene significados o simbolismos explícitos ‒agregó la curadora‒, pero lo que uno termina descubriendo es que el movimiento es parte de la vida. Lo que se mueve está vivo. Este es un arte que busca el movimiento, un arte de participación, de contemplación. Hay que tomarse el tiempo de ver pasar una secuencia a la otra y van a ver que realmente es una sensación de felicidad y de belleza”.

    Al tomar la palabra, Benveniste manifestó su emoción: “Esto es para mí un momento muy importante. Ser mostrada en este Museo es un placer enorme”. En relación al título de la exposición, la artista comentó: “La ilusión para mí es poder encontrar los materiales, jugar con el acrílico, las transparencias… Y la percepción es la base de nuestro trabajo, sentir sensaciones, emociones, y desde ahí el cuerpo presente, porque el que lo percibe es el cuerpo”.

Arte para mirar y sentir

      A su turno, Rodríguez declaró: “Pese a nuestra edad, nuestro arte es muy joven. Es un arte que no necesita explicación, solo hay que mirarlo y sentirlo”.

       La exposición reúne más de 50 obras en la sala central del primer piso. Una de las obras de Rodríguez que pueden verse es “Espacio temporalizado”, con la que obtuvo el Gran Premio de Honor en el I Certamen de Investigaciones Visuales en 1970. Además, hay creaciones fechadas desde 1990 hasta el presente, pertenecientes a la colección del artista.

      En tanto, de Benveniste se exhibe “Retroanteroversión”, una caja cinética de 1969, donada por la propia autora al Bellas Artes. También pueden apreciarse series de obras de 2010, realizadas en madera y tela elástica, y otras más recientes creadas con acrílico, acetato y motores.

      “Benveniste/Rodríguez. Percepción e ilusión” puede visitarse hasta el 15 de junio de 2025 en la sala 33 del primer piso, de martes a viernes, de 11 a 19.30 (último ingreso), y los sábados y domingos, de 10 a 19.30, en el Museo ubicado en Avenida del Libertador 1473, CABA.

  “Desde los años 60 hasta la actualidad ‒precisa María José Herrera‒, Benveniste y Rodríguez trabajan con máquinas, relieves y esculturas cuya magia consiste en la transformación. Con ingeniosos mecanismos, formas y colores mutan casi al infinito, en una poética metáfora de la vida y su trascendencia”. 

      Esta exposición se suma a otras muestras emblemáticas de arte cinético celebradas en el Bellas Artes, como la exhibición en 1958 del franco-húngaro Victor Vasarely y “La inestabilidad”, del Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV), en 1964, que marcaron, respectivamente, los comienzos y la consagración del cinetismo en el país. Esta genealogía continuó en 2012 con “Real/Virtual. Arte cinético argentino de los años sesenta”, también curada por Herrera. 

Unidad entre la danza y la plástica

      Nacida en 1943, Perla Benveniste exploró desde chica el campo de la danza y estudió dibujo en la Escuela Panamericana de Arte. Egresó de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en la década del 60. El concepto de movimiento que incorporó de la danza fue retomado luego en sus obras cinéticas y performances. 

      Hacia 1969 participó de la muestra Luz, color, reflejo, sonido y movimiento en el Instituto Di Tella, donde exhibió cajas cinéticas. Atraída por la idea de un arte efímero, en los años 70 realizó sus primeras performances. 

       También en esa época se unió a las actividades impulsadas por los artistas nucleados en torno al Centro de Arte y Comunicación (CAYC). Participó en la creación colectiva de la obra Proceso a nuestra realidad (1973), conocida como Ezeiza es Trelew, que se presentó en el IV Salón Premio Artistas con Acrílicopaolini. 

 
Juegos de luz y color sobre el metal

  En 2011, junto con Eduardo Rodríguez, su marido, integró la muestra Desde otro lugar, curada por María Cristina Rossi en la Fundación Federico Jorge Klemm. Un año después, fue parte de Real/Virtual. Arte cinético argentino en los años sesenta, curada por María José Herrera en el Museo Nacional de Bellas Artes. Continúa desarrollando su práctica en torno al arte óptico y cinético. 

    En tanto Eduardo Rodriguez, nacido en 1934, egresó de la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano en 1960 y completó sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. En 1965, como parte de la muestra Valores del arte actual en la galería Guernica, presentó obras que juegan con efectos ópticos producidos por la acción de la luz y el color sobre fragmentos de metal. Hacia 1966 comenzó a experimentar con materiales plásticos como el acrílico y el poliéster. 

     En los años 80, dio inicio a sus esculturas de acrílico moldeado, tallado y torneado. Integró la muestra Desde otro lugar, curada por María Cristina Rossi en la Fundación Federico Jorge Klemm, que presentó piezas de su autoría junto a las de su esposa, Perla Benveniste. 

      En 2012 fue parte de Real/Virtual. Arte cinético argentino en los años sesenta, curada por María José Herrera en el Museo Nacional de Bellas Artes. Actualmente continúa trabajando en sus esculturas de acrílico y “luminomóviles”.

 

martes, 25 de marzo de 2025

A Joaquín no podrán robarle en Buenos Aires el mes de abril

 



  MÚSICA

      Ya hace casi 4 décadas que este declarado hincha consuetudinario del Athletic Madrid               mantiene un romance permanente con el público argentino. Luego de algún tiempo, Joaquín Sabina apostó con todo en su regreso (algunos dicen que el último, quién lo sabrá sino sólo él).

     Así, se despachó con una seguidilla de 10 recitales en el Movistar Arena que comenzaron justo en un día muy especial en Argentina, con la conmemoración del triste inicio de la última dictadura militar, a la que él se refirió elípticamente incluso en alguna de sus canciones.

    El autor de temas emblemáticos como “Y nos dieron las diez” o “Eclipse de mar” “ deslumbró ante una multitud en la primera de las diez noches que marcarán su despedida artística de los escenarios de nuestro país y que se extenderán hasta mediados de abril.

     En el marco de su última gira “Hola y Adiós”, el cantautor español brilló ante su amada Argentina en un Movistar Arena completamente agotado, donde fue aplaudido ininterrumpidamente durante poco más de dos horas.

     A las 21 en punto, y tras la apertura de Iván Noble, quien lo definió como “el maestro de la canción”, Sabina hizo su entrada al escenario con una amplia sonrisa y genuina emoción.

      La velada histórica comenzó con “Lágrimas de Mármol”, y el poeta reafirmó su condición de hijo adoptivo de Buenos Aires. “Mi relación con esta ciudad es muy larga y de amor verdadero. Es mi segunda casa… a veces, mi primera”, aseguró.

Un rito con historias y recuerdos

    Como es habitual, aunque especialmente dispuesto a exprimir cada segundo de este último vals, el ida y vuelta con el público entre canción y canción fue constante. Historias, recuerdos, abrazos y elogios permanentes con los fanáticos fueron el interludio de un listado de temas que repasó su carrera completa.

       A las dos piezas de su último álbum que abrieron la noche (“Lágrimas de Mármol” y “Lo Niego Todo”), le siguieron otras composiciones, en sus propias palabras, hechas “hace mil años”.

     “Calle Melancolía”, “19 días y 500 noches” y “Quién me ha robado el mes de abril”, fueron algunos de los clásicos que completaron el primer bloque.

      Además de una impactante puesta en escena, con obras de arte deslizándose por las pantallas y luces perfectamente combinadas, Sabina estuvo acompañado por Antonio García de Diego (guitarras, teclados y armónica), Jaime Asua y Borja Montenegro (guitarras), Josemi Sagaste (saxo y percusión), Pedro Barceló (batería), Laura Gómez Palma (bajo) y Mara Barros (coros).

      Tras presentarlos uno a uno, Joaquín abandonó el escenario por unos minutos para dar paso, justamente, a su exquisita banda, que interpretó dos temas de su autoría.

Dedicatorias a sus inspiradores

      Respecto de los aportes visuales, las mismas estuvieron compuestas por antiguos videoclips y dibujos del propio cantante así como increíbles ilustraciones de Oyeme, un estudio de Barcelona que llevó la propuesta a otro nivel y un maravilloso Peces de Ciudad con ilustraciones de Ana Juan.

     La noche estuvo llena de dedicatorias: para amigos presentes en el estadio, como Sergio Dalma, y para otros que ya no están, como Chavela Vargas. También hubo menciones especiales, abrazos simbólicos y hasta una sentida reflexión sobre la catástrofe de Bahía Blanca, a la que “he seguido por los periódicos”.

      Como en cada visita a nuestra tierra, Sabina recordó su amistad con Fito, Charly y Calamaro, enalteció a Buenos Aires como foco cultural y agradeció a los Yupanqui, Gardel, Goyeneche, Borges, Cortázar y Mercedes Sosa que tanto lo inspiraron.

     El segundo bloque fue una sucesión de hits y, por momentos, un dúo orgánico y armonioso entre el cantante y su gente. Tras himnos como “Una Canción para la Magdalena”, “Y Sin Embargo” y “Por el Bulevar de los Sueños Rotos”, un primer saludo al borde del escenario anticipó la despedida.

     Aunque habría tiempo para “una más” tras el segundo y último cambio de ropa, Sabina jugó con el nombre de la gira para subrayar el final: “Hasta aquí el ‘hola’, ahora viene el ‘adiós’.”

     Y en la siempre temida recta final, basta decir que, “Con la frente marchita”, Sabina interpretó las canciones más hermosas. Poesía atemporal de un hombre que se sabe tan joven y tan viejo, que explica por qué los amores que matan nunca mueren y que, con los ojos empañados, asegura que ya es demasiado tarde.

      “En Madrid siempre digo que, si alguna vez me pierdo, vayan a buscarme a Buenos Aires”, sintetizó Sabina, y no mintió. Al menos este y no otro será su destino durante nueve noches más.

   Estas noches serán el 26 de marzo, y los siguientes días de abril:  2, 4, 6, 9, 11,13, 16 y 18. 

Fotos: Guido Adler

viernes, 14 de marzo de 2025

Tributos a Ennio Morricone, John Lennon y James Bond en conciertos sinfónicos

  



 MÚSICA




    Luego de dos conciertos a sala llena en 2024, el próximo sábado 15 de marzo a las 21 horas y a pedido del público, vuelve el espectáculo “Ennio Morricone homenaje sinfónico “La música de las estrellas”. Será en el teatro Opera, Avenida Corrientes 860.

        Este sentido y merecido homenaje sinfónico contará una vez más con una fantástica puesta de producción integrada por más de 90 artistas en escena que incluye músicos, cantantes, coros, todo bajo la dirección del maestro Néstor Tedesco. Tendrá una gigante pantalla digital en la cual serán proyectadas imágenes de las grandes películas en las que el genial director desplegó su talento, sincronizadas en vivo con la orquesta en cada interpretación.

       De esa manera, se volverá a celebrar por casi dos horas la vida, obra y el bello legado musical del inolvidable maestro italiano. El repertorio recorrerá los mejores momentos de su extensa carrera como compositor, arreglador y director de las más destacadas bandas sonoras producidas para la industria del cine.  

       La magia musical de ENNIO MORRICONE transportará a la audiencia para sentir como tres bandoleros del viejo oeste se traicionan entre sí por bolsas de dinero enterradas en un cementerio, colmará el alma de intriga mientras Eliot Ness planea arrestar a Al Capone en los años 30 o como dos curas de la conquista española arriesgan sus vidas para llevar el evangelio de Jesús a las entrañas de Sudamérica.

        Contagiará de ternura a través del despertar del amor en Malena, tocará la fibra más íntima con la profundidad incomparable de Cinema Paradiso y emocionará con la contagiosa melodía de El Profesional. Varias de ellas y otras se convirtieron en escenas icónicas de eternos clásicos que contaron con el toque mágico e inimitable del inolvidable compositor y director italiano. Los IntocablesEl bueno, el feo y el maloEl profesionalCinema ParadisoEl clan sicilianoLa MisiónErase una vez en el oesteErase un tiempo en América, entre otros y más títulos cinematográficos dirán presente en este esperado homenaje sinfónico.       

Mi nombre es Bond…James Bond…

    De manera similar, y para los cultores de un personaje inoxidable del cine, por primera vez en nuestro país, se rendirá culto a la saga de espionaje más famosa del mundo. El próximo viernes 28 de marzo también a las 21 se presentará en el Opera el espectáculo “James Bond 007: homenaje Sinfónico. Su música, sus películas".

    El show contará con una formidable puesta de producción integrada por más de 90 artistas en escena que incluye músicos, cantantes y coros, bajo la dirección de Néstor Tedesco. El espectáculo tendrá una gigante pantalla digital en la cual serán proyectadas escenas de los clásicos filmes.   

       La icónica serie británica que originalmente nació de los libros escritos por Ian Fleming se convirtió en la saga más larga en la historia del cine. Se inició en 1962 y se extiende hasta el presente, con algunos paréntesis y un total de 25 películas oficiales, la mayoría de ellas producidas por Albert Broccoli.

      Son de las más taquilleras de la historia, transitando siete décadas a través de seis actores que retratan a 007: Sean Connery, George Lazenby, Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnan y Daniel Craig. Filmadas en infinidad de países y diferentes geografías, Argentina no escapa al manto e influencia de Bond, ya que Moonraker de 1979 con Roger Moore, tiene imágenes captadas en las Cataratas del Iguazú. 

    Por casi dos horas se celebrará la vida y obra musical del vasto repertorio de James Bond a través de piezas sonoras extraídas de clásicos como Dr. No, From Russia With Love, Goldfinger, Thunderball, You Only Live Twice, On Her Majesty’s Secret Service, Diamonds Are Forever, Live And Let Die, The Man With The Golden Gun, The Spy Who Loved Me, Moonraker, For Yours Eyes Only, Octopussy, A View To A Kill, The Living Daylights, License To Kill, GoldenEye, Tomorrow Never Dies, Die Another Day, Casino Royale, Skyfall y más. 

     También habrá imágenes de Casino Royale, la comedia surrealista de 1967 protagonizada por David Niven, con Peter Sellers, Woody Allen, Ursula Andress, Jacqueline Bisset, Orson Welles y más.

El sueño de John nunca termina

      Completando este verdadero tríptico dedicado a grandes hitos y creadores de la música, el próximo sábado 29 de marzo se rendirá tributo a John Lennon a través de un espectáculo inédito titulado: “Lennon Sinfónico: su voz y su imagen”.

    El homenaje sinfónico contará con una magnífica puesta de luces y sonido y una cuidada producción integrada por más de 40 artistas en escena. La orquesta acompañará en vivo la propia voz original de John y sus coros, bajo la dirección del maestro Daniel Zuker. El espectáculo contará con una pantalla gigante en la cual serán proyectadas escenas icónicas del genio de Liverpool digitalizadas en 3D.

      Por espacio de casi dos horas se celebrará la vida y obra musical de John Lennon a través de su maravilloso repertorio solista extraído de álbumes como John Lennon/Plastic Ono Band, Imagine, Some Time in New York City, Mind Games, Walls and Bridges, Rock’n Roll y Double Fantasy.

     De cada uno de esos discos y de algunos singles se desprenderán clásicos como “Mother”, “Working Class Hero”, “Power To The People”, “Imagine”, “Happy Xmas (War Is Over)”, “Woman Is The Nigger Of The World”, “Mind Games”, “Stand By Me”, “(Just Like) Starting Over”, “Woman” y “Watching the Wheels”.

      A modo de sorpresa, también habrá lugar para algunas perlas de su etapa con The Beatles. El espíritu de John y de los Fab Four se darán cita en el Opera para disfrutar de una velada inolvidable condimentada por imágenes y sonidos que estremecerán a la audiencia. Será un viaje musical que conducirá al espectador a momentos memorables que quedaron sellados en clásicos sin tiempo y en un legado que conmueve a más de una generación y que aún sigue vigente en todo amante de la buena música.  

"Ida y vuelta" propone un recorrido por la obra de Adriana Fiterman

 

ARTES PLÁSTICAS


       La actividad y la oferta en materia de exposiciones vuelve a tomar color en marzo con muchas propuestas. Entre ellas, se inauguró en La Casa Nacional del Bicentenario  “Ida y vuelta”, una muestra con pinturas de Adriana Fiterman.

      Desarrollada con la colaboración y la mirada de Silvia Gurfein, esta exposición será el primer homenaje realizado a la artista luego de su fallecimiento en el año 2020, y se puede visitar de miércoles a domingos de 15 a 20 horas en Riobamba 985, con entrada gratuita. Esto es en la vidriera y el tercer piso de la Casa del Bicentenario, hasta el 27 de abril.

       Hija del reconocido coleccionista Jacobo Fiterman, Adriana fue una artista y arquitecta que dedicó toda su vida al ámbito de la cultura participando de exposiciones con sus obras y como diseñadora de montaje.

    Desde 1991 fue alumna del maestro Carlos Gorriarena, cuyas enseñanzas contribuyeron a definir esta particular mirada que las obras de Adriana adquirieron a lo largo de su carrera. Su práctica como arquitecta estuvo íntimamente relacionada con los espacios de arte.

        Diseñó montajes de exhibiciones, espacios de varias galerías y desde fines de los años 90 hasta 2019, estuvo a cargo de la organización espacial de la Feria arteBA. Por fuera de ese ámbito, Adriana realizó numerosos montajes entre ellos el del Museo Carlos Alonso en Mendoza y el de la muestra Crítica, arte y sociedad en un diario argentino en la Fundación OSDE, en 2016. Era minuciosa al punto de la obsesión por el detalle.

       El título de esta exposición, Ida y Vuelta, surge de una de las pinturas más emblemáticas de Adriana Fiterman y refleja un tema central en su obra: el movimiento constante entre opuestos, la coexistencia de fuerzas contrarias y la exploración de dualidades. En 2006, la artista tituló una de sus muestras Dualidades, un concepto que reverbera en gran parte de su producción.

    Según la curadora Silvia Gurfein, “esta exposición es un homenaje a Adriana Fiterman, a su búsqueda incansable y a su capacidad para transformar sus observaciones y preguntas en poesía visual. Un viaje de ida y vuelta entre el arte y la vida, entre el pasado y el futuro, entre la presencia y la ausencia.

      Adriana Fiterman se formó como arquitecta en la Universidad de Buenos Aires, y desde muy joven incursiona en los talleres de pintura de Ideal Sánchez, Héctor Giuffré y Carlos Gorriarena; en acuarela en el taller de Sergio Merayo y Eduardo Cervera; y en dibujo en el estudio de Mónica Marcovich.

     En su profesión diseñó por muchos años el predio de exposiciones de arteBA, y en su carrera como artista participó de numerosas exposiciones individuales en diversos espacios culturales entre los que se destacan el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires, y las galerías Van Riel (Buenos Aires) y La Acacia (La Habana), junto con el Consulado General de Argentina en Nueva York, entre otras.

     También participó de diversas exposiciones colectivas nacionales e internacionales, y recibió distinciones y premios como el LIV Salón de Artes Plásticas “Manuel Belgrano” (2009); el Premio Estímulo Banco Provincia (1995), y IV Salón Nacional de Pintura AVÓN (1996).

 

 

Malba anunció a los autores que participarán de su residencia de escritores este año



    LIBROS


     

             Iniciada en 2018, la Residencia de Escritores de Malba (REM) organizada por el departamento de Literatura de Malba anuncia la visita de cinco nuevos escritores seleccionados para residir y trabajar en sus proyectos de escritura en la ciudad de Buenos Aires durante 2025.

         En su sexto año, la REM consolida su alianza con Ampersand, socio institucional de la Residencia. Con un número récord de 653 aplicaciones recibidas, vendrán cinco autores a Buenos Aires entre abril y octubre. 

         Los autores seleccionados para residir cinco semanas en Buenos Aires en 2025 son: Luis Chaves (Costa Rica, 1969)Alberto Fuguet (Santiago de Chile, 1963) con apoyo de Centro Cultural MATTA - Embajada de Chile en ArgentinaTimo Berger (Stuttgart, 1974), Rosa Berbel (Sevilla, 1997) con apoyo de Acción Cultural Española (AC/E), y Veronica Raimo (Roma, 1978con apoyo del Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires

           A partir de su lanzamiento en noviembre, esta sexta convocatoria online recibió un récord de consultas y participaciones: se recibieron 653 aplicaciones de autores de 58 países.

        Los autores fueron seleccionados por un comité honorario integrado por John M. Coetzee (Premio Nobel de Literatura); M. Soledad Costantini (Directora de Malba Literatura), Fabio Morábito (escritor, poeta y traductor) y Gustavo Guerrero (editor y académico).

           La Residencia en 2025 contará con nueva sede, a una cuadra del museo, lo que permitirá a los autores acceder libremente a la programación de Malba durante su estadía, así como consultar la biblioteca de Ampersand.

    Un puente entre España y Argentina

           La posibilidad de que uno de los cinco seleccionados sea de nacionalidad española surge del objetivo común de la Residencia de Escritores Malba y de Acción Cultural Española (AC/E) de favorecer la internacionalización de los creadores de España y Argentina, y construir puentes de colaboración con autores, editores y gestores de ambos países.

          La REM celebra en 2025, por segundo año consecutivo, la participación de escritores chilenos en las becas de colaboración, gracias al apoyo de la Centro Cultural Matta - Embajada de Chile en Argentina.

        En 2025, por primera vez, un convenio con el Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires permitirá también la participación de escritores italianos en una beca exclusiva para autores de esa nacionalidad. Así se cumplirá uno de los objetivos principales de la Residencia de Escritores de Malba: la consolidación de lazos culturales entre las naciones.

         Como en las ediciones pasadas, se organizará un programa especial en torno a la especialidad y a las obras de cada autor, sus procesos de escritura y creación, además de diferentes jornadas junto con otros colegas y organizaciones locales.

    Escritores que participan

          Luis Chaves (San José, 1969) Su obra incluye poesía, narrativa y crónica. Ha recibido reconocimientos internacionales y el Premio Nacional de Poesía de Costa Rica 2012. La Akademie Sáchalos Solitude de Stuttgart le otorgó la beca Jean Jacques Rousseau del 2011. Fue residente del prestigioso Berliner Künstlerprogramm (Programa de Artistas en Berlín) en 2015 y del Institut d’Études Avancées de Nantes en 2017. 

        Entre sus obras están la novela Salvapantallas (Seix Barral, 2015 / Los tres editores, 2024), el volumen que reúne toda su poesía hasta el momento Falso documental (Seix Barral, 2016), la crónica/novela Vamos a tocar el agua (Los tres editores, 2017 / Seix Barral, 2020) y las nouvelles La marea de Noirmoutier y O.W. ambas en 2020. La edición de 2020 de Vamos a tocar el agua, por el sello Seix Barral en Argentina, fue Libro del Año para la revista Rolling Stone. Fue elegido como escritor residente para la Residencia de Escritura de la Fundación Finestres (Barcelona) en octubre de 2022.

          Alberto Fuguet (Santiago de Chile, 1963). Su familia se trasladó a Los Ángeles (California) donde vivió hasta los 11 años. Llegó en 1975 a un Chile sitiado por la dictadura de Augusto Pinochet. Estudió periodismo en la Universidad de Chile. Partió publicando en revistas de oposición y luego comenzó a escribir columnas de cine y música. Fue crítico de cine para el diario El Mercurio. Ha trabajado en radio y ha sido columnista y cronista en numerosos medios chilenos y extranjeros, incluyendo The New York Times y Letras Libres.

         Ha publicado novelas, cuentos y libros de no ficción, que han sido traducidos a varios idiomas; entre ellos destacan: Enrique Alekan, Sobredosis, Mala onda, Por favor, rebobinar, Tinta roja, Las películas de mi vida, Cortos, Apuntes autistas, Missing (una investigación), Tránsitos, No ficción, Sudor y Rebalsar la piscina mental. Su novela Tinta roja fue adaptada al cine por el peruano Francisco Lombardi y estrenada en el Festival de San Sebastián del año 2000.

          Timo Berger (Stuttgart, 1974): Es autor y poeta, gestor cultural y traductor, escribe en alemán y castellano. Berger es cofundador del Festival Latinale (Berlín) dedicado a la poesía actual latinoamericana y cofundador del festival Barrio|Bairro Berlin que se celebra por primera vez en 2024. Fue también cofundador del Festival de Poesía Salida al Mar (Argentina, 2004-2007), y coordinó los eventos poéticos alemanes en la FIL de Guadalajara en 2011, año en que Alemania fue país invitado de honor. Actualmente dirige con Tomás Cohen el proyecto Vocations. Reimaginando la canción que inicia colaboraciones entre poetas y compositores contemporáneos.

         Su más reciente publicación como autor es Hecho en Perú. Poemas (Editorial Siesta, Berlín, 2024), #xtra muros. poemas públicos (Zoográfica, Madrid, 2018), Der Süden (parasitenpresse, Köln, 2014), Microclimas (Editorial Vox, Bahía Blanca/Argentina, 2014) y como compilador El contagio del fuego (3600, La Paz, 2018), El fin de la afirmación. Antología de novísima poesía en lengua alemana (Ediciones VOX/27 Pulqui, Buenos Aires, 2015) y De ahí nomás. Poesía actual de Centroamérica y el Caribe (Ediciones VOX, Bahía Blanca/Argentina, 2014).

         Rosa Berbel (Sevilla, 1997): Es poeta e investigadora en la Universidad de Granada, ciudad en la que reside. Ha publicado los libros de poesía Los planetas fantasma (Editorial Tusquets, 2022), Brillantes y caóticas (Sonámbulos Ediciones, 2021) y Las niñas siempre dicen la verdad (Hiperión, 2018).

         Por ellos ha obtenido, entre otros, el Premio Ojo Crítico de Poesía de Radio Nacional de España 2019, el Premio de la Crítica de Andalucía y el Premio de Poesía Joven Antonio Carvajal. En Polonia, ha publicado las traducciones Planety fantomowe (Los planetas fantasma, Editorial PIW, 2024) y Dziewczynki zawsze mówią prawdę (Las niñas siempre dicen la verdad, Editorial Fundacja Duży Format, 2023), a cargo de Pawel Orzel. Sus textos han sido también traducidos al inglés, alemán, neerlandés e italiano.

         Veronica Raimo (Roma, 1978): Ha escrito cuatro novelas, la más reciente, Nada es verdad (2022) fue finalista del Premio Booker Internacional, preseleccionada para el Premio Strega y ganadora del Premio Strega Giovani. Ha sido traducido a varios idiomas, entre ellos el español y está en marcha una adaptación cinematográfica.

         Sus relatos han aparecido en antologías y revistas, en Italia y en el extranjero, y ahora están recogidos en un libro, La vida es breve, etcétera (Einaudi, 2023) que será publicado en español en 2025. Ha coescrito el guion de la película “Bella addormentata” de Marco Bellocchio (2013). Colabora con artículos culturales en diversas publicaciones italianas, escribiendo sobre música, cine y literatura. Entre sus traducciones del inglés al italiano figuran obras de F. Scott Fitzgerald, Octavia E. Butler, Ray Bradbury y Ursula K. Le Guin.

           La Residencia de Escritores Malba (REM) es una iniciativa de Malba Literatura. Cuenta con la colaboración de Ampersand como socio institucional, y el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E), el Centro Cultural MATTA - Embajada de Chile en Argentina, y el Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires – Agregaduría Cultural de la Embajada de Italia en Argentina.



    jueves, 13 de marzo de 2025

    "Lado Gus", la apuesta de Gustavo Masó a pintar la vida con sus canciones

     

     





    MÚSICA

           Con una larga trayectoria como actor, guionista y algunos años atrás, vinculado a las murgas, Gustavo Masó decidió por estos tiempos encarar un nuevo camino. Si bien a través de la actuación tuvo la oportunidad de cantar, la novedad es que se animó a sacar por las redes su primer disco con canciones propias.

         Se trata de  ”Lado Gus”, una producción integrada por 7 temas, y que logró concretar gracias a la gestión de la UMI, la distribuidora AMA (argentina) y el INAMU, que le permitió subirlo a las distintas plataformas de la web.

            Las letras son de Gustavo, la música de Pablo Echaniz, y el arte de tapa de Marisol Carbajal. “Lado Gus” fue grabado en el estudio de Hernán Bruckner, guitarrista de la banda Arbol, y productor del disco.

         Los temas que integran este trabajo son “No soy todo lo que ves”, ”Encontré un amor perdido”, “Ella no se animó”, “Viaje el tiempo en mi cuerpo”, “Nadan felices los peces en el cielo”, “Hay que animarse a amanecer cada mañana” y “Sin alrededor”.

         El disco será presentado por Gustavo Masó el próximo sábado 15 de marzo a las 21 horas, en el Centro Cultural Resurgimiento, en Artigas 2262, del barrio de Agronomía, con entrada libre y gratuita.

         En charla con Datacultural, Masó expresa que “Lado Gus” nació como una necesidad de expresar cosas que yo siento, y de aportar un poco de amor y sensibilidad en medio de tanta atmósfera de violencia y odio, y detalla que “se trata de siete canciones que, en algunos casos, tuvieron su origen en obras de teatro musical que yo ya había hecho”.

           Comenta que “Hernán Bruckner, guitarrista de Arbol, y muy buen músico, a quien conocí por Pablo Echaniz, otro excelente artista, me dijo que mis canciones podían estar perfectas para armar un álbum”. Así, fui seleccionando los temas, que venían de obras que hice como “En busca de Pina Bausch”, “Qué lejos está el piso” o “Quiero vaciarme de todo y llenarme de nada”, entre otras.. Cada una cuenta una historia en las obras”.

         El proceso de los temas fue una simbiosis entre Masó, autor de las letras y de la melodía básica, , junto a Echaniz, (integrante además del grupo de música para chicos Ni Locos) que se ocupó de los arreglos y del aporte musical, tanto bandoneones como guitarra, en tanto Bruckner aportó el bajo en “Ella no se animó”, un ritmo de cumbia.  

        “Yo siento- dice Gustavo- que cada tema es una pintura de diferentes momentos propios y de la vida. Me siento bien cantándolas ya que me expresan en lo que transmito”.

        Destaca la tarea  de su ilustradora Marisol Carbajal, una ex alumna suya que además ilustró el libro de Masó “Feliz Existencia”, y creadora del logo del disco, que representa a un dragón, animal mítico que tiene que ver con el espíritu de Gustavo, un tipo tranquilo pero que también puede convertirse en un dragón ante la adversidad.

          Masó señala que "mi idea es empezar a armar hacia mediados de año un Lado Gus 2, con nuevas canciones y otras que tengo en carpeta". Y con respecto a este disco, define sus temas como "metáforas sobre distintas cuestiones: amores perdidos, atardeceres como preludio a un nuevo día, el temor a no enfrentar los desafíos, la necesidad de conocer a la gente más allá de “las orillas” de lo que muestra (“No soy todo lo que ves”) o la expectativa de iniciar cada mañana con una apuesta a descubrir mejores momentos.

          Con Hernán vamos grabando en 2024, quise concentrarme en mi obra, yo trabajé como actor en Salvajada, en series de Disney u otras obras. Las canciones son la obra de uno, son la semilla que germina.

    "Refugiarse en la belleza de la mirada"

         “Este álbum lo siento como una obra completa, con distintas facetas” y remarca que “los artistas somos especiales, no pensamos en vender sino en la necesidad de hacer y transmitir algo. No sabemos si vamos a ganar plata o si viene gente al teatro, pero necesitamos expresarnos más allá del éxito o no de lo que encaramos”..

        Y amplía que “yo como actor interpreto a un personaje y trato de hacerlo creible, pero haciendo música soy yo, digo lo que siento, no puedo cambiar el mundo, pero sí tal vez crear una mínima conciencia de belleza. Como digo en un tema de mi próximo disco, “Hay que refugiarse en la belleza de la mirada”.  

         No duda en afirmar que “hoy el discurso del poder va en sentido contrario, la violencia en la palabra y en la acción es muy fuerte. Muchos no toman conciencia que la palabra antecede lo físico. Hay que tener cuidado, por eso me aferro a la poesía y a las metáforas”, y se siente confiado en que hay mucha humanidad por dar y ofrecer.

          Aunque la música ocupa ahora un lugar importante, Gustavo Masó sigue siendo un actor, por eso viene preparando “Tiki Taka el paso del tiempo” una obra que habla de alguien compra historias usadas y les reformula.

        Masó brilló pocos meses atrás en “Salvajada”, de Mauricio Kartum, en el Metropolitan, junto a entre otros, Valentina Bassi y Carlos Belloso, Y en TV participó en “La Bastarda”, policial con la actuación del mismo Belloso y Eugenia Suárez. Además, participó en la obra “Mejores Enemigos” entre otras. También tuvo un personaje destacado en “La visita guiada” en el Cervantes, y recuerda entre otras películas que protagonizó a ”Koblic”, junto a Ricardo Darín y Oscar Martinez, y “Romper el huevo” de Roberto Maiocco

          Gustavo sabe que montar obras de teatro no es fácil pero siempre lo intenta. Dice que “hay muchas generaciones haciendo teatro, independiente y comercial, y en todos hay cosas buenas y malas, pero a mí solo me interesa hacerlo con dignidad, y darle credibilidad a lo que hago”.

        Como dice una de sus canciones: "beber de a poco, brindar de a ratos, y detener el tiempo en cada abrazo". 

    Pablo T. Quirós    


    LADO GUS: "Popurri"



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