"Madre ficción" y una profunda exploración sobre el arte, los lazos de familia y la identidad rioplatense

 

TEATRO

       El reconocido dramaturgo y director   Mariano Tenconi Blanco presenta su nueva obra,   “Madre Ficción” , coproducción entre   Compañía Teatro Futuro y la  Comedia Nacional de Montevideo . Las funciones son los  jueves de noviembre a las 22 horas en el  Teatro Metropolitan (Av. Corrientes 1343, CABA).

   La pieza, protagonizada por  Diego Velázquez, Camila Peralta, Marcos Ferrante y  Valeria Lois, junto a los músicos en escena Ian Shifres y  Gonzalo Pérez Terranova, explora la compleja relación entre la creación artística, los lazos familiares y la identidad rioplatense.

     “Madre Ficción” se centra en la historia de un dramaturgo argentino que, al recibir el encargo de escribir una obra para la Comedia Nacional de Montevideo, se enfrenta a un bloqueo creativo.

        Su intento inicial de basarse en figuras literarias como Florencio Sánchez o Juan Carlos Onetti se estanca. El problema, sin embargo, es más profundo: Uruguay no es un país cualquiera para él, sino el de su madre y su abuela, idealizado por los relatos de su infancia.

       La obra se convierte en un viaje íntimo donde el protagonista comprende que su verdadera historia está en sus orígenes personales. Así, el mito literario se transforma en un relato sobre su prehistoria: la vida de su abuela y su madre. A lo largo de la trama, se entrelazan un siglo de historia, la cultura de ambas orillas del Río de la Plata y el poderoso amor materno.

     Mariano Tenconi Blanco comparte la conexión personal con su obra: "Al igual que el protagonista, recibí el encargo de la Comedia Nacional de Montevideo, y mi madre y mi abuela también son uruguayas. 'Madre Ficción' es un sincero homenaje a ellas ya todas las madres".

       Además, el director destaca la relevancia cultural de la pieza: "Es un tributo al Río de la Plata, ese inmenso lazo que une a Montevideo y Buenos Aires a través de nuestra rica cultura compartida, desde la gauchesca y el tango hasta autores como Florencio Sánchez, Copi, Hudson y Levrero".

     “Madre Ficción” es una extraña autobiografía, un ensayo sobre literatura uruguaya, una comedia musical, un diario íntimo, un manifiesto sobre el arte, teatro político, teatro dentro del teatro, oda al Río de la Plata y una celebración a todas las madres. Escrita y dirigida por Tenconi Blanco se puede ver todos los jueves de noviembre a las 22 horas en el Teatro Metropolitan, Av  Corrientes 1343, CABA). Localidades $30.000 disponibles en   PLATEANET  Duración: 93 minutos.  

      Dramaturgo y director de teatro, Mariano Tenconi Blanco nació en Buenos Aires,  en 1982. Integra desde 2013 la Compañía Teatro Futuro junto al músico Ian Shifres y la productora Carolina Castro. Como autor y director estrenó 15 obras y fue régisseur de tres óperas.

      Fue destacado por los Premios Konex como uno de los diez directores de la década 2011-2021 y como uno de los diez dramaturgos de la década 2014-2024. Obtuvo el Premio “Germán Rozenmacher” de Nueva Dramaturgia (2015), organizado por el Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA) y el Centro Cultural Rector Ricardo Rojas, con su obra   “Todo tendría sentido si no existiera la muerte” .

       También obtuvo el primer premio del 18º Concurso Nacional de Obras de Teatro del Instituto Nacional del Teatro (2016) con su obra   “La vida extraordinaria”. Sus obras han recibido numerosas nominaciones y premios como Trinidad Guevara, ACE, Teatros del Mundo, Teatro XXI, Premios Hugo, Premios Luisa Vehil, entre otros.

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Cuatro nuevas muestras de artistas argentinos conviven desde noviembre en el Centro Cultural Recoleta

 

ARTES PLÁSTICAS

    En el año de su aniversario 45, se inauguran cuatro exposiciones en el Centro Cultural Recoleta (CCR):  "Artistas y arquitectos. Bedel, Benedit y Testa", muestra que celebra los años de la institución en un recorrido curado por Cecilia Rabossi que se desplegará en las salas 7, 8 y 9; “Lo que arrastra la corriente”, curada por Mercedes Lozano y Violeta González Santos en la sala 4;   “Ombligo” , curada por Nicolás Cuello en la sala 10 y “Punto de Mira”, con obras de María Martha Pichel y cuarduría de Laura Isola en la sala 13.  

       “Artistas y arquitectos. Bedel, Benedit y Testa” se centrará en el proyecto arquitectónico de remodelación y reciclaje del asilo de ancianos General Viamonte por parte de los artistas y arquitectos Jacques Bedel, Luis F. Benedit y Clorindo Testa, que se llevó a cabo entre los años 1979 y 1983, así como en su producción artística realizada en dichas décadas, ya sea de forma individual o como integrantes del Grupo de los Trece, conocido posteriormente como grupo CAyC.

      La sala 7 expondrá el decreto que habilita la realización de la obra, los planos, los registros, las fotografías de las diversas etapas de la remodelación del CCR y su recepción en medios gráficos en diálogo con las propuestas artísticas más diversas.

       También habrá registros fotográficos y bocetos de los arquitectos en tanto integrantes del Grupo de los Trece en la XIV Bienal de San Pablo de 1977, con la exposición “Signos en ecosistemas artificiales”, con la que obtuvo el Gran Premio Itamaraty.

     Por su parte, la sala 8 desplegará el recorrido histórico del edificio que hoy ocupa el Recoleta, espacio que fue convento, escuela de agricultura, jardín botánico, prisión y cuartel, asilo de mendigos, hospital de enfermos mentales, asilo de ancianos que en 1947 recibió el nombre de General Viamonte y que, un año después, fue declarado monumento histórico.

        En la sala 9 se exhibirá el arco temporal de las obras que integran “Rapsodias” de Jacques Bedel (entre 2017 y 2023), en las que el artista experimenta con los más variados materiales ―polietileno, PVC laminado, PMMA, PVC tejido, sílice, cuarzo, policarbonato― para crear piezas a una escala monumental que se refieren a lo sublime ya lo trascendente.

      “Lo que arrastra la corriente” curada por Mercedes Lozano y Violeta González Santos en la sala 4 tomará como eje el agua y los ríos, entendidos como espacio público, derecho humano y territorio afectivo. La muestra compartirá los acercamientos de María Daud, Agustín Míguez e Inés Tillous sobre tres cuencas fluviales importantes de Argentina.

      “Ombligo” integrado por obras de los artistas Jazmín Kullock y Porkeria Mala  (sala 10), con curaduría de Nicolás Cuello, presentando un conjunto de pinturas de gran formato y una extensa serie de esculturas blandas explorando, a través del género del autorretrato, la dimensión social de lo íntimo, la conflictividad afectiva del reconocimiento mutuo y la sinceridad del reflejo grotesco.

       “Punto de mira”  de la artista María Martha Pichel, con curaduría de Laura Isola y en la sala 13, invitará a reflexionar sobre la relación entre el espacio, la precisión y la fuerza simbólica de la geometría en conexión con el cuerpo y la acción. La serie de obras expuestas está inspirada en la secuencia de tiro con arco y flecha, resaltando acciones esenciales y cronológicas: postura, encaje, dibujar, apuntar y soltar.

       Las cuatro exposiciones podrán visitarse con entrada libre y sin costo para argentinos y residentes, de martes a viernes de 12 a 21 horas, sábados, domingos y feriados, de 11 a 2, en el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930). Programación completa en:  http://www.centroculturalrecoleta.org/ .

Figura del jazz internacional, John Pizzarelli se presenta el próximo fin de semana con su trío en Bebop Club

 

MÚSICA

          El legendario guitarrista y cantante John Pizzarelli, una de las grandes figuras del jazz mundial, llega a Buenos Aires para presentarse en el Bebop Club el 31 de octubre y 1 de noviembre en dos funciones cada día: a las 20 y 22.30.

     Reconocido por su virtuosismo, su calidez vocal y un estilo que combina swing, bossa nova y el Great American Songbook, Pizzarelli se consolidó como un intérprete único, capaz de tender puentes entre generaciones y géneros musicales con un carisma inigualable en escena.

      A lo largo de más de tres décadas de carrera compartió proyectos con artistas como Paul McCartney, James Taylor, Natalie Cole y Frank Sinatra, además de una extensa discografía celebrada por la crítica internacional.

       Conocido como un auténtico entertainer de la vieja escuela, Pizzarelli se presentará en el escenario de Bebop acompañado por Mike Karn en contrabajo e Isaiah J. Thompson en piano, en dos noches que prometen ser inolvidables.

      El cantante y guitarrista John Pizzarelli (Paterson, Nueva Jersey, 6 de abril de 1960),  siguió la estela de su padre, el guitarrista Bucky Pizzarelli. Acompañando a su padre, tuvo oportunidad de conocer a Erroll Garner, Les Paul y Django Reinhardt.

        Aprendió a tocar la guitarra en el seno familiar y en 1980, a la edad de 20 años, se presentó en concierto junto al saxo tenor, Zoot Sims.

      En 1986 comenzó a tocar con el trío de Tony Monte y en 1990 se lanzó a hacer carrera solo, a la cabeza de diversos tríos sin batería. Miembro de una familia de prestigiosos guitarristas, John Pizzarelli se ha convertido en uno de los mejores intérpretes del gran American Songbook.

       Con una romántica y seductora voz, que nos recuerda los mejores tiempos de Chet Baker, y un inconfundible y brillante swing en su forma de tocar la guitarra, John es el mejor exponente actual del estilo que inauguró el trío de Nat King Cole, uno de sus ídolos.

     John Pizzarelli ha cultivado una carrera de cantante de standards y baladas de club nocturno, así como de guitarrista sublime e inventivo. Usando a Cole y Frank Sinatra y las canciones de Sammy Cahn y Jimmy Van Heusen como modelos, Pizzarelli se encuentra entre los revivalistas del gran cancionero americano.

     Desde 1992, sus giras, actuaciones y conciertos, las realiza con el nombre de John Pizzarelli Trío. En 1993, tuvo el honor de abrir los conciertos de Frank Sinatra y participar en su 80 cumpleaños en el Carnegie Hall.

 

Ibsen y Chejov, dos autores fundamentales del teatro europeo, unidos a través de dos puestas del CTBA

 

TEATRO

     Se repuso en el Teatro Alvear el clásico de Henrik Ibsen "Los pilares de la sociedad", en una original versión de la pieza del autor noruego que marca el debut como director del actor Jorge Suárez.

     Este verdadero clásico del autor escandinavo cuenta con adaptación de Jorge Suarez, Juan Carlos Fontana, Martín Seefeld y Carolina Solari, dirección adjunta de Eduardo Gondell y dirección general de Jorge Suárez.

        El elenco está integrado por Martín Seefeld, Eleonora Wexler, Mara Bestelli, Gerardo Chendo, Edgardo Moreira, Pablo Finamore, Antonia Bengoechea, Alfredo Castellani, Daniela Catz, Susana Giannone, Gilda Scarpetta, Agustín Suárez, Lolo Crespo, Fernando Sureda, Luis Longhi y Donata Girotti.

     "Los pilares de la sociedad" se presentará de miércoles a sábados a las 20 horas y los domingos a las 19 horas en el Teatro Presidente Alvear, Av.Corrientes 1539.

          Karsten Bernick, poderoso empresario dueño de un gran astillero y alcalde de su pueblo, está considerado un “pilar de la sociedad” por su rectitud y filantropía. Pero tras esa fachada moral se esconden negocios turbios, engaños y dobleces del pasado: la inesperada vuelta de Johan Tonnesen, su cuñado, amenaza con destapar viejos secretos de individuos que, por obtener dinero y renombre, están dispuestos a sacrificar la verdad y la justicia.

        Con "Los pilares de la sociedad", estrenada en 1877, Henrik Ibsen comienza su período de realismo crítico con el que denuncia la hipocresía moral y social de la burguesía de su tiempo.

         Se trata de una de las piezas menos representadas del autor noruego que, sin embargo, conoció un montaje en el Teatro San Martín en 1986 con adaptación de Jorge Goldenberg, dirección de Roberto Villanueva y, entre otras, recordadas actuaciones de Aldo Braga, Alicia Berdaxagar, Hugo Soto, Graciela Araujo y María Cristina Laurenz.

        Este nuevo acercamiento no solo pone el acento en las circunstancias políticas y sociales sino también en ese borde del precipicio, en esa puesta en abismo que reclama el melodrama para que, gracias a la acción, las cosas finalmente cambien.

       "Los pilares de la sociedad" cuenta con diseño de escenografía de Marlene Lievendag y Micaela Sleigh, diseño de vestuario de Laura Singh, diseño de iluminación de Ricardo José Sica, colaboración artística de Carolina Solari y diseño sonoro de Diego Vila y Betty Gambartes.

             Henrik Ibsen (Skien, 1828-Cristianía, 1906, actualmente Noruega) es el mayor dramaturgo noruego de todos los tiempos y, sin dudas, el padre del teatro contemporáneo. Su denuncia de las evidentes injusticias y de la hipocresía de la sociedad de su época se plasmó en obras indispensables, que incursionaron en el realismo crítico, la fantasía y el simbolismo.

             Jorge Suárez es actor y docente especializado en Técnica de la Voz. Egresado de la Escuela Nacional de Arte Dramático (hoy parte de la UNA), en su carrera transitó con versatilidad roles en dramas y comedias tanto en el teatro como en la televisión y el cine.                  

 "La Gaviota" y el espíritu de Chejov

       Mientras tanto, se sigue presentando en  el Teatro San Martín "La gaviota", de Antón Chéjov, una de las piezas más relevantes en la historia del teatro en su versión dirigida por Rubén Szuchmacher y Lautaro Vilo,  "La gaviota" se presenta de miércoles a sábados a las 20.30 horas y los domingos a las 19.30 horas en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530), y con una duración de 110 minutos.  

          Con traducción de Alejandro González, versión de Rubén Szuchmacher y Lautaro Vilo y dirección de Rubén Szuchmacher, está interpretada por Muriel Santa Ana, Diego Cremonesi, Juan Cottet, Carolina Kopelioff, Vando Villamil, María Inés Sancerni, Mauricio Minetti, Pablo Caramelo, Carolina Saade, Diego Sánchez White, Fernando Sayago, Alejandro Vizzotti y Jimena Villoldo.

          " La gaviota" cuenta con diseño de escenografía y vestuario de Jorge Ferrari, diseño de iluminación de Gonzalo Córdova, música y diseño sonoro de Jorge Haro, diseño de movimiento de Marina Svartzman, asistencia de dirección de Pehuén Gutiérrez, asistencia de escenografía y vestuario de Florencia Tutusaus y grabación música entreactos 3 y 4: Cecilia Quinteros (Violoncello), Alex Elgier (Piano).

           Las actrices Carolina Kopelioff y Carolina Saade y los actores Juan Cottet y Diego Sánchez White fueron seleccionados de entre 32 participantes del Taller-Laboratorio Chejov dictado por el director Rubén Szuchmacher y con la participación de la actriz Muriel Santa Ana, la coreógrafa Marina Svartzman y la producción del CTBA, realizado en el Teatro San Martín entre el 18 y el 23 de abril de 2025.

       “…estoy escribiendo una obra de teatro que seguramente no terminaré hasta finales de noviembre. Disfruto mucho haciéndolo, aunque tengo que luchar contra las leyes escénicas. Es una comedia, tres papeles femeninos, seis masculinos, cuatro actos, un paisaje (una vista sobre un lago), muchas conversaciones sobre literatura, muy poca acción y diez toneladas de amor”, recuerda Rubén Szuchmacher cómo describe Antón Chéjov, en 1895, su proyecto sobre La gaviota.

           Estrenada en 1896, "La gaviota" (una pieza que, solo en apariencia, trata sobre los conflictos románticos y artísticos de un puñado de personajes de distintas generaciones) es una de las obras cumbre en la historia del teatro, y uno de los puntos más altos en la carrera de cualquier artista dedicado a la tarea teatral.

              Rubén Szuchmacher es actor, director, régisseur, docente y gestor cultural. Su producción artística, reconocida por todas las entidades que otorgan premios en el país, incluye trabajos en ámbitos oficiales, comerciales e independientes tanto en Argentina como en Latinoamérica y Europa.

            En el Complejo Teatral de Buenos Aires se recuerdan sus trabajos para Ifigenia en Áulide, de Eurípides, Galileo Galilei, de Bertolt Brecht, Enrique IV, de Luigi Pirandello, Lo que pasó cuando Nora dejó a su marido o Los pilares de las sociedades, de Elfriede Jelinek, y para Sueño de una noche de verano, Enrique IV Segunda Parte y Hamlet, de William Shakespeare.

             En 2013 fue declarado Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura porteña, y en 2023 recibió el Premio a la Trayectoria del Fondo Nacional de las Artes.

 

 

Inés Bayala y su homenaje a las heroínas de la Independencia Iberoamericana en "Condenadas al olvido"

 

MÚSICA

     Un nuevo disco de la cantante Inés Bayala  elaborado como tributo a las heroínas de la independencia de Iberoamérica será presentado este viernes 24 a las 19 en el  Auditorio Arévalo del Consejo Profesional de Ciencias Económicas, Viamonte 1545, ⁶6º piso, con entrada libre y gratuita. 

     Realizar este nuevo trabajo, “Condenadas al olvido”, en homenaje a las heroínas olvidadas de la historia independentista iberoamericana, es un desafío para la compositora que, tras haber ganado un subsidio nacional del INAMU para su creación, dispuso su tiempo en un extensivo trabajo de investigación previo. Es una obra didáctica y necesaria, de memoria y reivindicación histórica.

       Incluye nueve canciones sobre: Remedios del Valle, Manuela Pedraza, Martina de Céspedes, Martina Chapanay, Manuelita Sáenz, Rosita Campuzano, María Quiteria y otras tantas mujeres prototípicas que unidas a las tropas o como espías fueron parte de los ejércitos independentistas de Iberoamérica. Muchas de ellas murieron en la pobreza extrema o en el campo de batalla y fueron enterradas en fosas comunes.

       Inés Bayala, quien actuará en formato de trío como guitarrista y cantante, junto a Andrés Bustos en percusión y Pedro Bragán en piano y acordeón,  es una artista que lleva toda su vida dedicada a la música y a la creación de canciones que son indispensables para el cancionero nacional argentino.

     Cantante, guitarrista y compositora de raíz folklórica con 6 discos editados y un EP audiovisual lanzado en 2021, “Historias de mujeres, patio adentro”. Abre su camino como creativa cuando la gran Mercedes Sosa elige y canta su obra "El anhelo de tu pañuelo" en 2002. 

      A partir de ese momento, escribe y la cantan artistas como Bruno Arias, Suna Rocha, Duratierra, Vanesa de María (Brasil), Anabella Zoch, Mónica Abraham y Paulina Torres, entre muchos otros.

        Es ganadora del “Concurso nacional de Canciones para una Argentina Sin Violencia 2022” de los Ministerios de Cultura y de Género de la Nación, ganadora del “FOLKLORAZO” (Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires), 1er premio Canciones de Raíz Folklórica del Fondo Nacional de las Artes, 1er. Premio Mercedes Sosa “Mejor video de cuarentena 2022”, entre otros reconocimientos.

      Además, Inés forma parte de MujerTrova (Movimiento de Mujeres trovadoras) y de Las Cumparsitas Asociación Civil de Autoras y Compositoras, trincheras desde las cuales se compromete a luchar por la equidad de oportunidades en lo laboral y lo social.

La épica del 17 de octubre a través de distintas miradas convocadas por Alejandro Horowicz en "Plaza tomada"

 

LIBROS

        Nunca más oportuna es l edición de "Plaza tomada", un libro en el que se recogen distintas miradas y visiones sobre esa fecha fundamental para los argentinos, sea cual sea su postura política, de la cual se cumplieron este viernes pasado 80 años. 

      ¿Qué quedó del 17 de Octubre de 1945? ¿Qué permanece, qué se desvanece, qué regresa con otro nombre o disfraz? Hoy, donde por las actuales circunstancias, se juegan dilemas u opciones como Patria o colonia, Estado o dependencia y otras antinomias, encontrarse con ópticas que reanalizan esos momentos resulta especialmente valioso. 

          Ochenta años después, "Plaza Tomada" reúne una serie de intervenciones originales que se interrogan en este aniversario, no para petrificarlo como ritual sino para volverlo campo de disputa. Cada autor fue convocado especialmente por Alejandro Horowicz, referente ineludible a la hora de pensar el peronismo, para componer una cartografía polifónica de su acontecimiento fundante, en clave contemporánea.

          Aquí el 17 de octubre no es solo un recuerdo ni una postal, es un problema abierto: Felipe Pigna reconstruye con precisión los días previos al retorno de Perón desde Martín García; Camila Arbuet explora la revulsión marica y travesti como línea desviada de fidelidad; Dardo Scavino, las connotaciones musicales que afloraban ese día; Gabriela Massuh abre su propia biografía, que se erige en oposición a su padre; mientras que María Pía López lee la intimidad de lo político.

    En otras líneas, Enrique Foffani cruza el octubre argentino con el octubre de la Revolución rusa; Macarena Marey observa el desborde de los pactos constitucionales; Cristián Sucksdorf detecta los rastros de la sobrevida de ese mítico día; Diego Sztulwark sopesa el valor de esa fecha en las luchas democráticas intestinas e Iván Horowicz aporta una mirada por momentos irónica.

            El mismo Alejandro Horowicz se pregunta en qué medida subsiste el "subsuelo sublevado de la patria", según la certera descripción de Raúl Scalabrini Ortiz. De esta coralidad, y de los contrastes y contrapuntos, se desprende lo que el subsuelo sublevado de la patria aún tiene para decirnos.

             Si la narrativa dominante del peronismo suele oscilar entre la hagiografía y la denostación, "Plaza Tomada" abre grietas: hay lugar aquí para los cuerpos invisibilizados, para los bordes impuros del movimiento, para los efectos no previstos. El libro no pretende unidad ni síntesis: apuesta por el desacuerdo, el cruce, la grata y enriquecedora disidencia de quienes piensan en voz alta.

           En el conjunto resuena una misma intuición: que el 17 de Octubre no es un hecho clausurado ni un simple mito, sino una zona en disputa, una escena que se reactiva cada vez que se la interroga.

La vanguardia de "Pop Brasil" y una antología de Valerie Brathwaite en dos nuevas muestras del MALBA

 

ARTES PLÁSTICAS

     A partir de 7 de noviembre, en el MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires) se inaugura la exposición “Pop Brasil: vanguardia y nueva figuración, 1960s-70s”, con curaduría de Pollyana Quintella y Yuri Quevedo, y que se podrá visitar hasta el 2 de febrero de 2026

     Organizada por la Pinacoteca de San Pablo con motivo del 60° aniversario de dos exposiciones fundamentales del arte brasileño –Opinião 65 y Propostas 65–, “Pop Brasil: vanguardia y nueva figuración, 1960s-70s” es la muestra más importante y extensa presentada en nuestro país sobre el arte innovador y radical de los artistas brasileños de esas dos décadas.

         La muestra presenta un conjunto representativo de más de 120 piezas, entre las que se encuentran obras del acervo de la Pinacoteca de San Pablo, y de las colecciones Roger Wright –considerada una de las más importantes de arte en Brasil dedicada a la producción artística de las décadas de 1960 y 1970– Malba y Costantini. Incluye obras de Anna Bella Geiger, Antônio Dias, Claudio Tozzi, Hélio Oiticica, Mira Schendel, Rubens Gerchman, Wanda Pimentel y Wesley Duke Lee, entre otros protagonistas fundamentales del período.

       En tanto experiencias expositivas seminales para el desarrollo de la llamada nueva figuración brasilera, Opinião 65 y Propostas 65 sirvieron como detonantes de estrategias colectivas capaces de abordar el contexto político y social del Brasil, teniendo como correlato la expansión de la cultura de masas, la resistencia a la dictadura militar (1964-1985) y el surgimiento de movimientos culturales como Tropicália y Cinema Novo.

       "Pop Brasil" hace hincapié en la radicalidad con la que los artistas brasileños se involucraron en la vida cotidiana de su país, creando obras que reconfiguraron la experiencia del cuerpo en su relación con las formas de protesta, la cultura popular, las políticas de género, el espacio público, el ámbito doméstico y el consumo.

       En este sentido, la muestra también se ocupa de la relación que en los años 60 y 70 forjaron las artes visuales con otros campos artísticos como la música y el cine. "Pop Brasil" permitirá al público experimentar la naturaleza radical de estas propuestas y comprender la relación histórica entre ellas.

 Valerie Brathwaite. Un propio andar fluyente

        Exposición organizada con la Pinacoteca de São Paulo, “Valerie Brathwaite. Un propio andar fluyente”, con curaduría de Alejandra Aguado se exhibirá en las mismas fechas que la anterior en el MALBA, Nivel 1.

    Primera exposición individual de la artista Valerie Brathwaite (Trinidad y Tobago, 1940) en un museo fuera de Venezuela, el país donde desarrolló su carrera. Reúne alrededor de cuarenta obras, entre dibujos y esculturas, que recorren su producción desde los años 70 y destacan su producción reciente.

       Formada en el Reino Unido, donde se integró rápidamente a la escena contemporánea, Brathwaite se instaló en Caracas en 1969. Allí llegó estimulada por una escena artística en la que las búsquedas de nuevas tendencias –la abstracción, el cinetismo y luego el arte conceptual– eran fuertemente incentivadas, lo que le permitió tener intercambios creativos con colegas de la talla de Gego o Mercedes Pardo, así como con críticos y curadores como Lourdes Blanco y Marta Traba.

        Brathwaite fue reconocida desde temprano por sus dibujos, grabados y esculturas cargadas de reminiscencias orgánicas y sensuales que, según sus palabras, se originan en su “fascinación por la belleza avasallante de montañas, rocas, piedras, plantas exóticas, pechos y piernas de mujeres, torsos masculinos, puestas de sol y los cuerpos maravillosos de los animales”.

          Esta exposición toma su título de una reseña que el crítico Roberto Guevara le dedicó a la exposición individual de Brathwaite en el Museo de Bellas Artes de Caracas en 1975. Incluye una serie de obras sobre papel producidas entre 1972 y 2002 y un conjunto de esculturas blandas que la artista viene realizando desde 2004.

        En ese “propio andar fluyente” queda de manifiesto no sólo la independencia de su trabajo sino el carácter pionero de su producción. A través de medios diversos y de un juego sutil entre abstracción y figuración, Brathwaite ofrece una mirada femenina de profunda raíz ecológica, bajo la cual funde las formas de la naturaleza para expresar el vínculo que une y atraviesa todo lo vivo.