"Madre ficción" y una profunda exploración sobre el arte, los lazos de familia y la identidad rioplatense

 

TEATRO

       El reconocido dramaturgo y director   Mariano Tenconi Blanco presenta su nueva obra,   “Madre Ficción” , coproducción entre   Compañía Teatro Futuro y la  Comedia Nacional de Montevideo . Las funciones son los  jueves de noviembre a las 22 horas en el  Teatro Metropolitan (Av. Corrientes 1343, CABA).

   La pieza, protagonizada por  Diego Velázquez, Camila Peralta, Marcos Ferrante y  Valeria Lois, junto a los músicos en escena Ian Shifres y  Gonzalo Pérez Terranova, explora la compleja relación entre la creación artística, los lazos familiares y la identidad rioplatense.

     “Madre Ficción” se centra en la historia de un dramaturgo argentino que, al recibir el encargo de escribir una obra para la Comedia Nacional de Montevideo, se enfrenta a un bloqueo creativo.

        Su intento inicial de basarse en figuras literarias como Florencio Sánchez o Juan Carlos Onetti se estanca. El problema, sin embargo, es más profundo: Uruguay no es un país cualquiera para él, sino el de su madre y su abuela, idealizado por los relatos de su infancia.

       La obra se convierte en un viaje íntimo donde el protagonista comprende que su verdadera historia está en sus orígenes personales. Así, el mito literario se transforma en un relato sobre su prehistoria: la vida de su abuela y su madre. A lo largo de la trama, se entrelazan un siglo de historia, la cultura de ambas orillas del Río de la Plata y el poderoso amor materno.

     Mariano Tenconi Blanco comparte la conexión personal con su obra: "Al igual que el protagonista, recibí el encargo de la Comedia Nacional de Montevideo, y mi madre y mi abuela también son uruguayas. 'Madre Ficción' es un sincero homenaje a ellas ya todas las madres".

       Además, el director destaca la relevancia cultural de la pieza: "Es un tributo al Río de la Plata, ese inmenso lazo que une a Montevideo y Buenos Aires a través de nuestra rica cultura compartida, desde la gauchesca y el tango hasta autores como Florencio Sánchez, Copi, Hudson y Levrero".

     “Madre Ficción” es una extraña autobiografía, un ensayo sobre literatura uruguaya, una comedia musical, un diario íntimo, un manifiesto sobre el arte, teatro político, teatro dentro del teatro, oda al Río de la Plata y una celebración a todas las madres. Escrita y dirigida por Tenconi Blanco se puede ver todos los jueves de noviembre a las 22 horas en el Teatro Metropolitan, Av  Corrientes 1343, CABA). Localidades $30.000 disponibles en   PLATEANET  Duración: 93 minutos.  

      Dramaturgo y director de teatro, Mariano Tenconi Blanco nació en Buenos Aires,  en 1982. Integra desde 2013 la Compañía Teatro Futuro junto al músico Ian Shifres y la productora Carolina Castro. Como autor y director estrenó 15 obras y fue régisseur de tres óperas.

      Fue destacado por los Premios Konex como uno de los diez directores de la década 2011-2021 y como uno de los diez dramaturgos de la década 2014-2024. Obtuvo el Premio “Germán Rozenmacher” de Nueva Dramaturgia (2015), organizado por el Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA) y el Centro Cultural Rector Ricardo Rojas, con su obra   “Todo tendría sentido si no existiera la muerte” .

       También obtuvo el primer premio del 18º Concurso Nacional de Obras de Teatro del Instituto Nacional del Teatro (2016) con su obra   “La vida extraordinaria”. Sus obras han recibido numerosas nominaciones y premios como Trinidad Guevara, ACE, Teatros del Mundo, Teatro XXI, Premios Hugo, Premios Luisa Vehil, entre otros.

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Cuatro nuevas muestras de artistas argentinos conviven desde noviembre en el Centro Cultural Recoleta

 

ARTES PLÁSTICAS

    En el año de su aniversario 45, se inauguran cuatro exposiciones en el Centro Cultural Recoleta (CCR):  "Artistas y arquitectos. Bedel, Benedit y Testa", muestra que celebra los años de la institución en un recorrido curado por Cecilia Rabossi que se desplegará en las salas 7, 8 y 9; “Lo que arrastra la corriente”, curada por Mercedes Lozano y Violeta González Santos en la sala 4;   “Ombligo” , curada por Nicolás Cuello en la sala 10 y “Punto de Mira”, con obras de María Martha Pichel y cuarduría de Laura Isola en la sala 13.  

       “Artistas y arquitectos. Bedel, Benedit y Testa” se centrará en el proyecto arquitectónico de remodelación y reciclaje del asilo de ancianos General Viamonte por parte de los artistas y arquitectos Jacques Bedel, Luis F. Benedit y Clorindo Testa, que se llevó a cabo entre los años 1979 y 1983, así como en su producción artística realizada en dichas décadas, ya sea de forma individual o como integrantes del Grupo de los Trece, conocido posteriormente como grupo CAyC.

      La sala 7 expondrá el decreto que habilita la realización de la obra, los planos, los registros, las fotografías de las diversas etapas de la remodelación del CCR y su recepción en medios gráficos en diálogo con las propuestas artísticas más diversas.

       También habrá registros fotográficos y bocetos de los arquitectos en tanto integrantes del Grupo de los Trece en la XIV Bienal de San Pablo de 1977, con la exposición “Signos en ecosistemas artificiales”, con la que obtuvo el Gran Premio Itamaraty.

     Por su parte, la sala 8 desplegará el recorrido histórico del edificio que hoy ocupa el Recoleta, espacio que fue convento, escuela de agricultura, jardín botánico, prisión y cuartel, asilo de mendigos, hospital de enfermos mentales, asilo de ancianos que en 1947 recibió el nombre de General Viamonte y que, un año después, fue declarado monumento histórico.

        En la sala 9 se exhibirá el arco temporal de las obras que integran “Rapsodias” de Jacques Bedel (entre 2017 y 2023), en las que el artista experimenta con los más variados materiales ―polietileno, PVC laminado, PMMA, PVC tejido, sílice, cuarzo, policarbonato― para crear piezas a una escala monumental que se refieren a lo sublime ya lo trascendente.

      “Lo que arrastra la corriente” curada por Mercedes Lozano y Violeta González Santos en la sala 4 tomará como eje el agua y los ríos, entendidos como espacio público, derecho humano y territorio afectivo. La muestra compartirá los acercamientos de María Daud, Agustín Míguez e Inés Tillous sobre tres cuencas fluviales importantes de Argentina.

      “Ombligo” integrado por obras de los artistas Jazmín Kullock y Porkeria Mala  (sala 10), con curaduría de Nicolás Cuello, presentando un conjunto de pinturas de gran formato y una extensa serie de esculturas blandas explorando, a través del género del autorretrato, la dimensión social de lo íntimo, la conflictividad afectiva del reconocimiento mutuo y la sinceridad del reflejo grotesco.

       “Punto de mira”  de la artista María Martha Pichel, con curaduría de Laura Isola y en la sala 13, invitará a reflexionar sobre la relación entre el espacio, la precisión y la fuerza simbólica de la geometría en conexión con el cuerpo y la acción. La serie de obras expuestas está inspirada en la secuencia de tiro con arco y flecha, resaltando acciones esenciales y cronológicas: postura, encaje, dibujar, apuntar y soltar.

       Las cuatro exposiciones podrán visitarse con entrada libre y sin costo para argentinos y residentes, de martes a viernes de 12 a 21 horas, sábados, domingos y feriados, de 11 a 2, en el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930). Programación completa en:  http://www.centroculturalrecoleta.org/ .

Figura del jazz internacional, John Pizzarelli se presenta el próximo fin de semana con su trío en Bebop Club

 

MÚSICA

          El legendario guitarrista y cantante John Pizzarelli, una de las grandes figuras del jazz mundial, llega a Buenos Aires para presentarse en el Bebop Club el 31 de octubre y 1 de noviembre en dos funciones cada día: a las 20 y 22.30.

     Reconocido por su virtuosismo, su calidez vocal y un estilo que combina swing, bossa nova y el Great American Songbook, Pizzarelli se consolidó como un intérprete único, capaz de tender puentes entre generaciones y géneros musicales con un carisma inigualable en escena.

      A lo largo de más de tres décadas de carrera compartió proyectos con artistas como Paul McCartney, James Taylor, Natalie Cole y Frank Sinatra, además de una extensa discografía celebrada por la crítica internacional.

       Conocido como un auténtico entertainer de la vieja escuela, Pizzarelli se presentará en el escenario de Bebop acompañado por Mike Karn en contrabajo e Isaiah J. Thompson en piano, en dos noches que prometen ser inolvidables.

      El cantante y guitarrista John Pizzarelli (Paterson, Nueva Jersey, 6 de abril de 1960),  siguió la estela de su padre, el guitarrista Bucky Pizzarelli. Acompañando a su padre, tuvo oportunidad de conocer a Erroll Garner, Les Paul y Django Reinhardt.

        Aprendió a tocar la guitarra en el seno familiar y en 1980, a la edad de 20 años, se presentó en concierto junto al saxo tenor, Zoot Sims.

      En 1986 comenzó a tocar con el trío de Tony Monte y en 1990 se lanzó a hacer carrera solo, a la cabeza de diversos tríos sin batería. Miembro de una familia de prestigiosos guitarristas, John Pizzarelli se ha convertido en uno de los mejores intérpretes del gran American Songbook.

       Con una romántica y seductora voz, que nos recuerda los mejores tiempos de Chet Baker, y un inconfundible y brillante swing en su forma de tocar la guitarra, John es el mejor exponente actual del estilo que inauguró el trío de Nat King Cole, uno de sus ídolos.

     John Pizzarelli ha cultivado una carrera de cantante de standards y baladas de club nocturno, así como de guitarrista sublime e inventivo. Usando a Cole y Frank Sinatra y las canciones de Sammy Cahn y Jimmy Van Heusen como modelos, Pizzarelli se encuentra entre los revivalistas del gran cancionero americano.

     Desde 1992, sus giras, actuaciones y conciertos, las realiza con el nombre de John Pizzarelli Trío. En 1993, tuvo el honor de abrir los conciertos de Frank Sinatra y participar en su 80 cumpleaños en el Carnegie Hall.

 

Ibsen y Chejov, dos autores fundamentales del teatro europeo, unidos a través de dos puestas del CTBA

 

TEATRO

     Se repuso en el Teatro Alvear el clásico de Henrik Ibsen "Los pilares de la sociedad", en una original versión de la pieza del autor noruego que marca el debut como director del actor Jorge Suárez.

     Este verdadero clásico del autor escandinavo cuenta con adaptación de Jorge Suarez, Juan Carlos Fontana, Martín Seefeld y Carolina Solari, dirección adjunta de Eduardo Gondell y dirección general de Jorge Suárez.

        El elenco está integrado por Martín Seefeld, Eleonora Wexler, Mara Bestelli, Gerardo Chendo, Edgardo Moreira, Pablo Finamore, Antonia Bengoechea, Alfredo Castellani, Daniela Catz, Susana Giannone, Gilda Scarpetta, Agustín Suárez, Lolo Crespo, Fernando Sureda, Luis Longhi y Donata Girotti.

     "Los pilares de la sociedad" se presentará de miércoles a sábados a las 20 horas y los domingos a las 19 horas en el Teatro Presidente Alvear, Av.Corrientes 1539.

          Karsten Bernick, poderoso empresario dueño de un gran astillero y alcalde de su pueblo, está considerado un “pilar de la sociedad” por su rectitud y filantropía. Pero tras esa fachada moral se esconden negocios turbios, engaños y dobleces del pasado: la inesperada vuelta de Johan Tonnesen, su cuñado, amenaza con destapar viejos secretos de individuos que, por obtener dinero y renombre, están dispuestos a sacrificar la verdad y la justicia.

        Con "Los pilares de la sociedad", estrenada en 1877, Henrik Ibsen comienza su período de realismo crítico con el que denuncia la hipocresía moral y social de la burguesía de su tiempo.

         Se trata de una de las piezas menos representadas del autor noruego que, sin embargo, conoció un montaje en el Teatro San Martín en 1986 con adaptación de Jorge Goldenberg, dirección de Roberto Villanueva y, entre otras, recordadas actuaciones de Aldo Braga, Alicia Berdaxagar, Hugo Soto, Graciela Araujo y María Cristina Laurenz.

        Este nuevo acercamiento no solo pone el acento en las circunstancias políticas y sociales sino también en ese borde del precipicio, en esa puesta en abismo que reclama el melodrama para que, gracias a la acción, las cosas finalmente cambien.

       "Los pilares de la sociedad" cuenta con diseño de escenografía de Marlene Lievendag y Micaela Sleigh, diseño de vestuario de Laura Singh, diseño de iluminación de Ricardo José Sica, colaboración artística de Carolina Solari y diseño sonoro de Diego Vila y Betty Gambartes.

             Henrik Ibsen (Skien, 1828-Cristianía, 1906, actualmente Noruega) es el mayor dramaturgo noruego de todos los tiempos y, sin dudas, el padre del teatro contemporáneo. Su denuncia de las evidentes injusticias y de la hipocresía de la sociedad de su época se plasmó en obras indispensables, que incursionaron en el realismo crítico, la fantasía y el simbolismo.

             Jorge Suárez es actor y docente especializado en Técnica de la Voz. Egresado de la Escuela Nacional de Arte Dramático (hoy parte de la UNA), en su carrera transitó con versatilidad roles en dramas y comedias tanto en el teatro como en la televisión y el cine.                  

 "La Gaviota" y el espíritu de Chejov

       Mientras tanto, se sigue presentando en  el Teatro San Martín "La gaviota", de Antón Chéjov, una de las piezas más relevantes en la historia del teatro en su versión dirigida por Rubén Szuchmacher y Lautaro Vilo,  "La gaviota" se presenta de miércoles a sábados a las 20.30 horas y los domingos a las 19.30 horas en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530), y con una duración de 110 minutos.  

          Con traducción de Alejandro González, versión de Rubén Szuchmacher y Lautaro Vilo y dirección de Rubén Szuchmacher, está interpretada por Muriel Santa Ana, Diego Cremonesi, Juan Cottet, Carolina Kopelioff, Vando Villamil, María Inés Sancerni, Mauricio Minetti, Pablo Caramelo, Carolina Saade, Diego Sánchez White, Fernando Sayago, Alejandro Vizzotti y Jimena Villoldo.

          " La gaviota" cuenta con diseño de escenografía y vestuario de Jorge Ferrari, diseño de iluminación de Gonzalo Córdova, música y diseño sonoro de Jorge Haro, diseño de movimiento de Marina Svartzman, asistencia de dirección de Pehuén Gutiérrez, asistencia de escenografía y vestuario de Florencia Tutusaus y grabación música entreactos 3 y 4: Cecilia Quinteros (Violoncello), Alex Elgier (Piano).

           Las actrices Carolina Kopelioff y Carolina Saade y los actores Juan Cottet y Diego Sánchez White fueron seleccionados de entre 32 participantes del Taller-Laboratorio Chejov dictado por el director Rubén Szuchmacher y con la participación de la actriz Muriel Santa Ana, la coreógrafa Marina Svartzman y la producción del CTBA, realizado en el Teatro San Martín entre el 18 y el 23 de abril de 2025.

       “…estoy escribiendo una obra de teatro que seguramente no terminaré hasta finales de noviembre. Disfruto mucho haciéndolo, aunque tengo que luchar contra las leyes escénicas. Es una comedia, tres papeles femeninos, seis masculinos, cuatro actos, un paisaje (una vista sobre un lago), muchas conversaciones sobre literatura, muy poca acción y diez toneladas de amor”, recuerda Rubén Szuchmacher cómo describe Antón Chéjov, en 1895, su proyecto sobre La gaviota.

           Estrenada en 1896, "La gaviota" (una pieza que, solo en apariencia, trata sobre los conflictos románticos y artísticos de un puñado de personajes de distintas generaciones) es una de las obras cumbre en la historia del teatro, y uno de los puntos más altos en la carrera de cualquier artista dedicado a la tarea teatral.

              Rubén Szuchmacher es actor, director, régisseur, docente y gestor cultural. Su producción artística, reconocida por todas las entidades que otorgan premios en el país, incluye trabajos en ámbitos oficiales, comerciales e independientes tanto en Argentina como en Latinoamérica y Europa.

            En el Complejo Teatral de Buenos Aires se recuerdan sus trabajos para Ifigenia en Áulide, de Eurípides, Galileo Galilei, de Bertolt Brecht, Enrique IV, de Luigi Pirandello, Lo que pasó cuando Nora dejó a su marido o Los pilares de las sociedades, de Elfriede Jelinek, y para Sueño de una noche de verano, Enrique IV Segunda Parte y Hamlet, de William Shakespeare.

             En 2013 fue declarado Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura porteña, y en 2023 recibió el Premio a la Trayectoria del Fondo Nacional de las Artes.

 

 

Inés Bayala y su homenaje a las heroínas de la Independencia Iberoamericana en "Condenadas al olvido"

 

MÚSICA

     Un nuevo disco de la cantante Inés Bayala  elaborado como tributo a las heroínas de la independencia de Iberoamérica será presentado este viernes 24 a las 19 en el  Auditorio Arévalo del Consejo Profesional de Ciencias Económicas, Viamonte 1545, ⁶6º piso, con entrada libre y gratuita. 

     Realizar este nuevo trabajo, “Condenadas al olvido”, en homenaje a las heroínas olvidadas de la historia independentista iberoamericana, es un desafío para la compositora que, tras haber ganado un subsidio nacional del INAMU para su creación, dispuso su tiempo en un extensivo trabajo de investigación previo. Es una obra didáctica y necesaria, de memoria y reivindicación histórica.

       Incluye nueve canciones sobre: Remedios del Valle, Manuela Pedraza, Martina de Céspedes, Martina Chapanay, Manuelita Sáenz, Rosita Campuzano, María Quiteria y otras tantas mujeres prototípicas que unidas a las tropas o como espías fueron parte de los ejércitos independentistas de Iberoamérica. Muchas de ellas murieron en la pobreza extrema o en el campo de batalla y fueron enterradas en fosas comunes.

       Inés Bayala, quien actuará en formato de trío como guitarrista y cantante, junto a Andrés Bustos en percusión y Pedro Bragán en piano y acordeón,  es una artista que lleva toda su vida dedicada a la música y a la creación de canciones que son indispensables para el cancionero nacional argentino.

     Cantante, guitarrista y compositora de raíz folklórica con 6 discos editados y un EP audiovisual lanzado en 2021, “Historias de mujeres, patio adentro”. Abre su camino como creativa cuando la gran Mercedes Sosa elige y canta su obra "El anhelo de tu pañuelo" en 2002. 

      A partir de ese momento, escribe y la cantan artistas como Bruno Arias, Suna Rocha, Duratierra, Vanesa de María (Brasil), Anabella Zoch, Mónica Abraham y Paulina Torres, entre muchos otros.

        Es ganadora del “Concurso nacional de Canciones para una Argentina Sin Violencia 2022” de los Ministerios de Cultura y de Género de la Nación, ganadora del “FOLKLORAZO” (Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires), 1er premio Canciones de Raíz Folklórica del Fondo Nacional de las Artes, 1er. Premio Mercedes Sosa “Mejor video de cuarentena 2022”, entre otros reconocimientos.

      Además, Inés forma parte de MujerTrova (Movimiento de Mujeres trovadoras) y de Las Cumparsitas Asociación Civil de Autoras y Compositoras, trincheras desde las cuales se compromete a luchar por la equidad de oportunidades en lo laboral y lo social.

La épica del 17 de octubre a través de distintas miradas convocadas por Alejandro Horowicz en "Plaza tomada"

 

LIBROS

        Nunca más oportuna es l edición de "Plaza tomada", un libro en el que se recogen distintas miradas y visiones sobre esa fecha fundamental para los argentinos, sea cual sea su postura política, de la cual se cumplieron este viernes pasado 80 años. 

      ¿Qué quedó del 17 de Octubre de 1945? ¿Qué permanece, qué se desvanece, qué regresa con otro nombre o disfraz? Hoy, donde por las actuales circunstancias, se juegan dilemas u opciones como Patria o colonia, Estado o dependencia y otras antinomias, encontrarse con ópticas que reanalizan esos momentos resulta especialmente valioso. 

          Ochenta años después, "Plaza Tomada" reúne una serie de intervenciones originales que se interrogan en este aniversario, no para petrificarlo como ritual sino para volverlo campo de disputa. Cada autor fue convocado especialmente por Alejandro Horowicz, referente ineludible a la hora de pensar el peronismo, para componer una cartografía polifónica de su acontecimiento fundante, en clave contemporánea.

          Aquí el 17 de octubre no es solo un recuerdo ni una postal, es un problema abierto: Felipe Pigna reconstruye con precisión los días previos al retorno de Perón desde Martín García; Camila Arbuet explora la revulsión marica y travesti como línea desviada de fidelidad; Dardo Scavino, las connotaciones musicales que afloraban ese día; Gabriela Massuh abre su propia biografía, que se erige en oposición a su padre; mientras que María Pía López lee la intimidad de lo político.

    En otras líneas, Enrique Foffani cruza el octubre argentino con el octubre de la Revolución rusa; Macarena Marey observa el desborde de los pactos constitucionales; Cristián Sucksdorf detecta los rastros de la sobrevida de ese mítico día; Diego Sztulwark sopesa el valor de esa fecha en las luchas democráticas intestinas e Iván Horowicz aporta una mirada por momentos irónica.

            El mismo Alejandro Horowicz se pregunta en qué medida subsiste el "subsuelo sublevado de la patria", según la certera descripción de Raúl Scalabrini Ortiz. De esta coralidad, y de los contrastes y contrapuntos, se desprende lo que el subsuelo sublevado de la patria aún tiene para decirnos.

             Si la narrativa dominante del peronismo suele oscilar entre la hagiografía y la denostación, "Plaza Tomada" abre grietas: hay lugar aquí para los cuerpos invisibilizados, para los bordes impuros del movimiento, para los efectos no previstos. El libro no pretende unidad ni síntesis: apuesta por el desacuerdo, el cruce, la grata y enriquecedora disidencia de quienes piensan en voz alta.

           En el conjunto resuena una misma intuición: que el 17 de Octubre no es un hecho clausurado ni un simple mito, sino una zona en disputa, una escena que se reactiva cada vez que se la interroga.

La vanguardia de "Pop Brasil" y una antología de Valerie Brathwaite en dos nuevas muestras del MALBA

 

ARTES PLÁSTICAS

     A partir de 7 de noviembre, en el MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires) se inaugura la exposición “Pop Brasil: vanguardia y nueva figuración, 1960s-70s”, con curaduría de Pollyana Quintella y Yuri Quevedo, y que se podrá visitar hasta el 2 de febrero de 2026

     Organizada por la Pinacoteca de San Pablo con motivo del 60° aniversario de dos exposiciones fundamentales del arte brasileño –Opinião 65 y Propostas 65–, “Pop Brasil: vanguardia y nueva figuración, 1960s-70s” es la muestra más importante y extensa presentada en nuestro país sobre el arte innovador y radical de los artistas brasileños de esas dos décadas.

         La muestra presenta un conjunto representativo de más de 120 piezas, entre las que se encuentran obras del acervo de la Pinacoteca de San Pablo, y de las colecciones Roger Wright –considerada una de las más importantes de arte en Brasil dedicada a la producción artística de las décadas de 1960 y 1970– Malba y Costantini. Incluye obras de Anna Bella Geiger, Antônio Dias, Claudio Tozzi, Hélio Oiticica, Mira Schendel, Rubens Gerchman, Wanda Pimentel y Wesley Duke Lee, entre otros protagonistas fundamentales del período.

       En tanto experiencias expositivas seminales para el desarrollo de la llamada nueva figuración brasilera, Opinião 65 y Propostas 65 sirvieron como detonantes de estrategias colectivas capaces de abordar el contexto político y social del Brasil, teniendo como correlato la expansión de la cultura de masas, la resistencia a la dictadura militar (1964-1985) y el surgimiento de movimientos culturales como Tropicália y Cinema Novo.

       "Pop Brasil" hace hincapié en la radicalidad con la que los artistas brasileños se involucraron en la vida cotidiana de su país, creando obras que reconfiguraron la experiencia del cuerpo en su relación con las formas de protesta, la cultura popular, las políticas de género, el espacio público, el ámbito doméstico y el consumo.

       En este sentido, la muestra también se ocupa de la relación que en los años 60 y 70 forjaron las artes visuales con otros campos artísticos como la música y el cine. "Pop Brasil" permitirá al público experimentar la naturaleza radical de estas propuestas y comprender la relación histórica entre ellas.

 Valerie Brathwaite. Un propio andar fluyente

        Exposición organizada con la Pinacoteca de São Paulo, “Valerie Brathwaite. Un propio andar fluyente”, con curaduría de Alejandra Aguado se exhibirá en las mismas fechas que la anterior en el MALBA, Nivel 1.

    Primera exposición individual de la artista Valerie Brathwaite (Trinidad y Tobago, 1940) en un museo fuera de Venezuela, el país donde desarrolló su carrera. Reúne alrededor de cuarenta obras, entre dibujos y esculturas, que recorren su producción desde los años 70 y destacan su producción reciente.

       Formada en el Reino Unido, donde se integró rápidamente a la escena contemporánea, Brathwaite se instaló en Caracas en 1969. Allí llegó estimulada por una escena artística en la que las búsquedas de nuevas tendencias –la abstracción, el cinetismo y luego el arte conceptual– eran fuertemente incentivadas, lo que le permitió tener intercambios creativos con colegas de la talla de Gego o Mercedes Pardo, así como con críticos y curadores como Lourdes Blanco y Marta Traba.

        Brathwaite fue reconocida desde temprano por sus dibujos, grabados y esculturas cargadas de reminiscencias orgánicas y sensuales que, según sus palabras, se originan en su “fascinación por la belleza avasallante de montañas, rocas, piedras, plantas exóticas, pechos y piernas de mujeres, torsos masculinos, puestas de sol y los cuerpos maravillosos de los animales”.

          Esta exposición toma su título de una reseña que el crítico Roberto Guevara le dedicó a la exposición individual de Brathwaite en el Museo de Bellas Artes de Caracas en 1975. Incluye una serie de obras sobre papel producidas entre 1972 y 2002 y un conjunto de esculturas blandas que la artista viene realizando desde 2004.

        En ese “propio andar fluyente” queda de manifiesto no sólo la independencia de su trabajo sino el carácter pionero de su producción. A través de medios diversos y de un juego sutil entre abstracción y figuración, Brathwaite ofrece una mirada femenina de profunda raíz ecológica, bajo la cual funde las formas de la naturaleza para expresar el vínculo que une y atraviesa todo lo vivo.

Silvio Rodriguez, un elegido que despliega sus alas de colibrí en su reencuentro con el público argentino

 

MÚSICA

        Un viejo tema del español Ismael Serrano evoca a la amistad en un tema llamado “Canción para un viejo amigo”. De algún modo, cuando regresa a Buenos Aires un viejo amigo desde el arte, el afecto y hasta la devoción, siempre es una buena noticia.

        El cubano Silvio Rodriguez, uno de los puntales de la Nueva Trova de su país, hacía 7 años que no venía por estos pagos. Por estos días saldó su deuda, no solo en Argentina sino en una gira que abarcó otros países de Sudamérica, incluyendo entre otros a Chile y Uruguay.

       Y más allá de sus bien llevados 78 años, Silvio sigue conmoviendo con la palabra justa y la melodía perfecta, mientras su mensaje no solo hace escala en el amor en toda su concepción, sino también en la utopías y los sueños de una revolución por un mundo mejor. Raro, justo en épocas de exaltación orgullosa de la violencia y el odio desde muchos sectores.

         El último fin de semana, el Movistar Arena estuvo repleto, y allí, el trovador cubano ofreció sus dos primeros shows, y aún le queda pendiente el último, el próximo martes 21 de octubre.

     Raro destino el del autor de “Rabo de nube”, ocupar el mismo escenario que pocos días antes tuvo sabor a mitin bizarro donde justamente el rockstar que además es “presidente”  presentó un libro y “perpetró” una serie de canciones de rock y de hits populares que eran la antítesis de la inspiración artística y musical. 

    Con la excusa de un nuevo disco, llamado “Quiero saber”, del cual anticipó algunos temas, Silvio no dejó de cantar varios de sus clásicos, y pudo sortear las dificultades de una afonía inoportuna.

     Esta vez, extraño en los shows musicales de las últimas décadas, no hubo pantallas laterales ampliando la imagen. Era solo la austera presencia de los músicos en el escenario y su comunión con un público fiel, gratificado y agradecido por su entrega.

        Junto a él, una afiatada y excelente banda, que lo acompaña hace varios años, y que integran Niurka González en flautas (su pareja de vida), y la hija de ambos, Malva, en voces y ocasionalmente en piano,

        Silvio arrancó las veladas con palabras de José Martí: “Ser bueno es el único modo de ser dichoso. Ser culto es el único modo de ser libre. Pero, en lo común de la naturaleza humana, se necesita ser próspero para ser bueno”.

     Después, vino la sucesión, a lo largo de dos horas, de canciones más o menos conocidas, pero que en seguidores de culto como son los del cubano, encontraban una repercusión inmediata.

     Así, desfilaron “Ala de colibrí”: “Hoy me propongo fundar un partido de sueños”, un clásico como “Sueño con serpientes”, “Virgen de Occidente”, “Viene la cosa”, “La bondad y su reverso”, y luego una de sus gemas más emblemáticas: “Pequeña serena diurna”, que hizo brotar emociones y  ovaciones: inoxidables versos como “Soy feliz, soy un hombre feliz y quiero que me perdonen por este día los muertos de mi felicidad”.

       “Nuestro después”, fue una aproximación a su nueva producción, tras lo cual vinieron  “Casiopea”, un tema introspectivo. La “Tonada del albedrío” volvió a mostrar al Silvio más combativo, que citando a Ernesto “Che” Guevara cantó que “en el imperio mañoso nunca se debe confiar” y desató una ovación, con un significado especial sobre todo en estos días.

     Tras una breve pausa que se permitió tomarse, su amigo el poeta argentino Jorge Boccanera  recitó cinco textos en un interludio que dividió en dos la velada.

     A su vuelta, realizó un tributo a compañeros de generación musical al versionar “Creeme” de Vicente Feliú, “Te perdono”, de Noel Nicola; y el clásico de clásicos “Yolanda”, de su fallecido compañero de aventuras Pablo Milanés.

       El recuerdo a José Pepe Mujica también estuvo presente en el tema  “Más porvenir” que habla sobre la inutilidad de la venganza y el resentimiento, que  no fueron nunca el camino elegido por este referente latinoamericano: “Supe arrancarme clavos y seguir sonriente. No quise ser esclavo de una cuenta pendiente”.

        Hubo espacio para “Eva”, una hermosa canción de aires casi barrocos que es bandera del feminismo, y no faltaron  “La canción del elegido”, viejo tema dedicado al Che, a las que siguieron “Quién fuera” (“Quien fuera Lennon y McCartney” dice una de sus estrofas, en un guiño por su amor a The Beatles) y “Te amaré”, una de las más hermosas canciones de amor escritas.

         Silvio leyó después, el poema “Halt!” de Luis Rogelio Nogueras, escrito en Cracovia en 1979 y de enorme actualidad ante el genocidio que padece el pueblo palestino en Gaza. Fue la previa de un final con otras joyas de su trayectoria, como  “La era está pariendo un corazón” y “Ángel para un final”, y su casi himno-alegato de principios “El necio”: “Yo no sé lo que es el destino. Caminando fue lo que fui. Allá Dios que será divino. Yo me muero como viví”.

     Tras el saludo con el público de pie gritando “Silvio, Silvio”, el cubano volvió solo con su guitarra y ya con un hilo de voz regaló otros dos de sus temas más emblemáticos: “Historia de la silla” y “Rabo de nube”, canto de fe y esperanza que quedó sonando en la noche de Villa Crespo.

       Un concurrente, todavía hechizado por la emoción, señaló que fue “un auténtico acto de desagravio a la música, al buen gusto… y a los oídos de millones de argentinos”, y afirmó que “este podría bien ser una acto de exorcismo”. Queda aún una fecha más, que podrá traer alguna sorpresa o cambio en el repertorio, pero que marca que el lazo entre Silvio y el público argentino sigue siendo indestructible.

     La banda que acompaña a Silvio está integrada por:  Piano: Jorge Aragón y Frank Fernández (en Ángel ciego); Batería y percusión: Oliver Valdés; Vibráfono y congas: Emilio Vega; Contrabajo: Jorge Reyes; Tres: Maykel Elizarde; Guitarra: Rachid López; Flautas, clarinetes y coros: Niurka González; Violoncello: Alina Neira; Violines I: Javier Cantillo y Anabel Estévez; Violines II: Aylin Pino y Jenny Peña; Violas: Gretchen Labrada y Osvaldo E. Castro; Cellos: Roberto Carlos Ramírez y Carolina Rodríguez; Coros: Malva Rodríguez

Pablo T. Quirós

 

Obras que tributan en la escena el pensamiento y la acción de Pablo Picasso, Norma Pla y Franz Kafka

 

 

TEATRO

      Entre las opciones teatrales para este mes y el próximo, se destacan una semblanza del gran Pablo Picasso, el retrato de una jubilada en épocas del menemismo y una pieza basada en textos de Franz Kafka.

         Todos los viernes y sábados de octubre se puede ver “Un Picasso” a las 21 horas, un unipersonal protagonizado por Fito Yannelli, con autoría y dirección de Javier Margulis.  Esto será en Mil80, Muñecas 1080, en el barrio de Villa Crespo.

      “Yo no veo lo que pinto. Pinto la emoción que siento...” decía el pintor nacido en Málaga y autor de obras célebres, sin ir más lejos el controvertido y desafiante “Guernica”.

     Desde su estreno, “Un Picasso” viene presentándose con localidades agotadas. “Un Picasso” es un monologo polifónico en el que la vida del artista se despliega en diferentes registros, poético, brutal, humorístico, nostálgico, lúcido... Es un autorretrato final en el que se celebra la potencia del arte.

     Es el último día de su vida. Pablo Picasso, solo, habita su reino de pinceles, lienzos y recuerdos. Abstraído en sus recuerdos, los acontecimientos de su vida fluyen desordenados aunque su memoria se empeña, con dificultad, en ordenarlos.

      Pinta, escribe, observa detenidamente su obra, intenta apresar los momentos trascendentes de su vida. Es consciente de la revolución que produjeron su mirada y su pincel en las artes visuales del siglo XX.

     En “Un Picasso”, al artista le es inevitable asociar su obra con las mujeres que marcaron su camino: la intensidad de cada romance se entrelaza con transformaciones decisivas en su pintura.

El diario íntimo de una jubilada

      Mientras tanto, todos los martes a las 21, en el Nün Teatro Bar, en Ramirez de Velazco  419, CABA, se presenta hasta fin de mes “La calle está llena de gente inmortal”, con dramaturgia y dirección de Natalia Anselmi  y con Sharon Luscher como protagonista exclusiva.

   Rebautizada como el “diario íntimo de una jubilada en la Argentina del menemato,  una jubilada escribe, aferrada al mundo por la palabra. Mientras una  actriz ensaya un cuerpo futuro.

       "La calle está llena de gente inmortal" es un unipersonal que pone en escena el cuerpo de la escritura del diario íntimo de Vilma, una jubilada en la Argentina de principios de los años 90, que comienza a escribir para no olvidar.

        “Esta es nuestra ofrenda a la abanderada de jubilados y jubiladas: Norma Plá”, expresa el equipo artístico de esta obra.

         La puesta de Natalia Anselmi instala el contraste temporal entre un cuerpo joven en escena y una voz en off que cumple distintas funciones: soporte de la estructura narrativa y paisaje sonoro.

       Además, establece un vínculo de no correspondencia entre lo sonoro y lo visual, utilizando el collage y proyecciones de imágenes inspiradas en los trabajos de la diseñadora y fotógrafa Grete Stern.

    En “La calle está llena de gente inmortal”, lo histórico (lo público) se desarrolla en paralelo al despliegue del mundo interior de esa voz que escribe (lo privado). Paradójicamente, de la misma manera en que nuestro pasado y la lucha de los jubilados y jubiladas contienen nuestro presente.

Kafka y las huellas del señor K

       Basada en textos del escritor checo Franz Kafka, se estrena además “Procedimientos para inhibir la voluntad de los individuos” de Francisco Enrique sobre textos de Kafka, con música y canciones de Pablo Dacal y dirección y puesta en escena de Enrique Dacal.

       Esta obra se puede ver todos los sábados a las 21 horas en la sala Tadrón, en Niceto Vega 480, hasta el 13 de diciembre.

        La obra nos pone frente al Sr. F y al Sr. K, - en escena Néstor Navarría y Marcelo Sánchez, respectivamente,   quienes nos guían por un laberinto seguro y protector de todo posible enemigo que pueda acecharnos a la espera del momento para destruir nuestra tranquilidad, la integridad de nuestras posesiones y la posibilidad de ser feliz aún en medio de la segura oscuridad que supimos elegir.

     Cada uno de los protagonistas cumple con el probado derrotero de levantar murallas y poner cerrojo a las posesiones, para conservar el estado de las cosas que heredará la posteridad. Están convencidos de que la prevención garantiza el fracaso de cualquier atrevimiento de agresión o saqueo. Explican el miedo, preparan la reacción, prometen el peligro.

     Orgullosos del laberinto, cada uno controlará su mundo y vigilará al otro...Pero ¿Hay otro? El Sr. F y el Sr. K - vidas paralelas de existencia complementaria - adoctrinan, desde la caverna, sobre como deberán seguirse los Procedimientos para inhibir la voluntad de los individuos… “No observamos, como creemos, nuestros sueños. Más bien, somos quienes dormimos, mientras lo innombrable vigila… El enemigo siempre está al acecho...”

 

 

Canal Encuentro ofrece un ciclo de documentales argentinos en octubre y noviembre

 

CINE

        Canal Encuentro continúa, los viernes y sábados de octubre y noviembre a las 23 horas, con los estrenos en su pantalla de TV : la nueva temporada de No ficción (XI), el ciclo de cine documental argentino.

        Es importante aclarar que los estrenos serán únicamente para la pantalla de TV, ya que no se dispone de los derechos para las redes. Estos son los documentales que se exhibirán en Encuentro:

Viernes 17/10:

“Mavita, llena eres de gracia” . Dirección: Candela Vetrano. 70 min

        Mavita está por cumplir 80 años. A sus 28, enviudó con cuatro hijos, después de que su marido, Ricardo, perdiera la vida en un accidente de aviación en el que era copiloto. La tragedia atraviesa la vida de toda la familia. Candela, nieta de Mavita, la visita esporádicamente y comienza a filmar con curiosidad a su abuela, desentrañando la historia familiar. Mavita es una mujer independiente, sus hijos ya son adultos, y ella pasa sus días comprando cosas en internet y en remates, acumulando tesoros que exhibe amontonados en cada rincón de la casa. Sus objetos preciados, y un fanatismo inexplicable por todo lo que muere, llenan el vacío que dejó la pérdida.

Sábado 18/10:

“Entrecerros”. Dirección: Leonardo Cauteruccio. 2020. 68 min

      Entrecerros indaga en la relación que existe entre la vocación y el desarraigo a través de dos historias de personas oriundas de la comunidad diaguita-calchaquí de Amaicha del Valle, Tucumán, Argentina. Mirta vive con su madre, su hermana y su sobrina en una casa situada en la cima de un cerro. Los exigentes trabajos  rurales que realiza y el cuidado de la salud de su madre se contraponen con su deseo de ser monja. Rubén se encuentra próximo a recibirse de profesor de educación primaria. La intención de ejercer su profesión dentro de la comunidad se verá afectada por las reglas del sistema educativo.

Viernes 24/10:

“Llamas de nitrato”. Dirección: Mirko Stopar. 62 min

¿Qué fue de la Juana de Arco de Dreyer? Llamas de nitrato cuenta la historia de Renée Falconetti (1892-1946), la actriz francesa que interpretó el rol principal en la mítica película muda La pasión de Juana de Arco de Carl Dreyer. Desde los luminosos años de gloria como estrella teatral en la París de los 20 hasta sus oscuros últimos días en la Buenos Aires de los 40, el documental hace especial hincapié en la colaboración entre Falconetti y Dreyer durante el rodaje de Juana de Arco y en cómo esta performance, su única aparición en el cine, impactó en la vida de la actriz a tal punto que eclipsó todo lo que hizo, antes o después.

Sábado 25/10:

“Reflejo de un pescador”. Dirección: Lucía Cavallotti y Benjamín Delgado. 68 min

      Tulio, un pescador de río que hace más de treinta años participa en el concurso de la Fiesta Nacional del Surubí, nos relata anécdotas y reflexiona acerca de la naturaleza mientras se prepara para competir.

Viernes 31/10:

“El color que cayó del cielo”. Director: Sergio Wolf. 76 min

Una lluvia de meteoritos de hierro, hace 4000 años, provenientes de Marte o Júpiter, cayó en el sur de Chaco, noroeste de la Argentina. Varios siglos después, los españoles descubrieron allí, en el siglo XVI, el meteorito más grande del mundo, el Mesón de Fierro; pero desapareció y se desataron búsquedas, hasta llegar a los años 60 del siglo XX, cuando un geólogo enviado por la NASA llegó allí para investigar esas piedras espaciales, y poco después un traficante, buscando robar la piedra gigante.

Sábado 1/11:

“Una casa sin cortinas”. Dirección: Julián Troksberg. 91 min

La bailarina María Estela Martínez, más conocida como Isabel Perón, logró lo que no pudo Evita: ser la primera presidenta mujer de América. Sin embargo, su imagen se borroneó hasta transformarse en una figura fantasmal de la historia argentina.

 Viernes 7/11

“Ciclón fantasma”. Dirección: Diana Cardini. 62 min

         El río Luján, la Basílica y un parque de diversiones. Fabián construye el ciclón fantasma. Alejandro y Rosa recorren las orillas del río buscando fósiles. Los personajes quieren hacer realidad sus sueños en un espacio colmado de creencias.

Sábado 8/11

“Un hombre de cine”. Dirección: Hernán Gaffet. 113 min

      La historia política de la censura cinematográfica argentina narrada a través de la trayectoria profesional de Néstor Gaffet, abogado, distribuidor y productor de cine, publicista, ocasional guionista, crítico y docente. Llevó a Leopoldo Torre Nilsson a  triunfar en festivales internacionales para ubicarlo entre los mejores directores del mundo. Se especializó en distribuir cine de vanguardia y luchó tenazmente contra la censura cinematográfica desde 1955 hasta 1982, año de su fallecimiento. En dos ocasiones sus litigios con los censores llegaron a la Corte Suprema de   Justicia. Una historia hasta hoy oculta del país y del cine argentino.

 Viernes 14/11

“Los incrédulos”-. Dirección: Máximo Ciambella y Damián Coluccio. 72 min

      Esta película es un diario en tercera persona de los encuentros y desencuentros entre dos incrédulos y un profeta. Pero, antes que eso, es un disparatado viaje en el que sus valerosos personajes se verán implicados en una serie de sucesos (extra)ordinarios con una bola misteriosa, naves espaciales y productos regionales.

 

 

 

Chango Ibarra y su Banda Pueblo mixturan la cultura popular del corso y la chamarrita entrerriana

 

MÚSICA

   La cita es hoy en el CAFF (Club Atlético Fernández Fierro), para ver y escuchar la propuesta del Chango Ibarra junto a la Banda Pueblo. A partir de las 21 en Sánchez de Bustamente 772, el músico y creador de Entre Ríos dará rienda suelta a esa mezcla entre los sonidos de l corso y el paisaje sonoro del Litoral. 

    La Banda Pueblo está integrada por  Florencia Fernández Inella, Uriel Troncoso,Yasi Erazun, Agustina Sarlenga, Raúl Gutta, Mariela Noseda, Santiago Hernandez, Ceci Méndez. En esta ocasión estarán como invitados Hugo Spiazzi, Nadia Ojeda y Juan Martin Caraballo, Esteban Sarlenga, Japo Vela, Adri Abrigo y Mario Lopez Bondaz

     Chango Ibarra, músico y compositor entrerriano, creador de la “Chamarrita Comparsera”, como solista grabó los álbumes: “Asoliáu” (2015) y “Orillas” (2016). En 2022 lanzó “Yo te he soñado, Carnaval”, grabado junto a Banda Pueblo.

     Banda Pueblo es una agrupación y un concepto. Reivindica de alguna manera el funcionamiento y el espíritu de las comparsas, donde se integran músicos profesionales de gran trayectoria con músicos y artistas no profesionales.

         Además, tiene como propuesta para cada presentación invitar e integrar a distintas agrupaciones de músicos o bailarines y artistas relacionados con el carnaval de diversas formas.

         Propone una plataforma abierta que articula con las distintas manifestaciones profesionales y populares que se generan en torno a las prácticas del carnaval, invitando a cada show a diferentes grupos, con el foco en la participación local.

       La Chamarrita Comparsera es una mixtura entre la cultura del corso y el ritmo de la chamarrita, que es el que nos caracteriza musicalmente como entrerrianos.

        Cuando en esa región comienza a tomar fuerza la influencia del carnaval de Brasil y se mezcla con las formas locales de festejo, el carnaval entrerriano desarrolla características propias (como los pasos de baile y la interpretación de los tambores) que lo distinguen de otras manifestaciones.

         A lo largo del tiempo, estas manifestaciones del carnaval fueron mutando, trascendiendo lo popular y lo local y acercándose a formatos más globales.

 

Agustín Caponni y la banda Don Adams presentan en Buenos Aires sus nuevas propuestas rockeras

 

MÚSICA

        Agustín Caponni llega al Paseo La Plaza. El cantautor rionegrino presentará los temas de Secreto, su álbum debut y versiones de clásicos del rock nacional en un ciclo que comprende los cinco viernes de octubre. Agustín actuará el viernes 3, 10, 17, 24 y 31 de octubre a las 23:30 horas, en la Sala Cortázar del Paseo La Plaza, Avenida Corrientes 1660, con entradas por PlateaNet.

       Después de ser declarado de interés cultural por el Senado de la Nación y la legislatura de Río Negro el disco Secreto aterriza en la ciudad para un ciclo que promete una emotiva fiesta rockera. Una hora a todo rock matizada con temas de su álbum debut y clásicos nacionales que no pueden faltar para consolidar un show intenso, potente y vibrante.

      A los 6 años, Agustín vio por televisión el videoclip del tema “Pulsar” de Gustavo Cerati. La canción, se convirtió en el trampolín que lo incentivó a escuchar a Soda Stereo y a su vez lo llevó a estudiar guitarra.

         Tres años después formó su primer grupo con músicos mucho más grandes que él, con los que hacía versiones de rock nacional en el circuito local. Un tiempo después giró con su banda por toda la provincia de Río Negro y ciudades limítrofes y a los 17 años grabó Secreto, su primer disco de estudio con artistas de la talla de Alfredo Toth, Pablo Guyot, Alambre González y Bolsa González. 

      El álbum fue presentado por diferentes provincias y los elogios de prensa y público lograron el reconocimiento del Senado de la Nación y de la Legislatura de la provincia de Río Negro que lo declaró de interés cultural. 

      A partir de allí continuó con su carrera solista, pero debió transitar períodos dificultosos a raíz de varios inconvenientes de salud. Por eso, este ciclo es muy importante. Es su regreso cara a cara con el público y la chance de poder presentar por primera vez en Buenos Aires, los temas de su elogiado álbum debut.

 El Super Agente a puro rock

      Luego de su presentación en el Quilmes Rock 2025 y de dos funciones agotadas en Lucille, Don Adams,  la banda del Súper Agente regresa a NICETO CLUB el próximo jueves 16 de octubre, con Rey Bruja como banda invitada. Tickets a la venta a través de Passline.

         Don Adams se sube una vez más al escenario del mítico lugar de Palermo, para repasar veinte años de canciones y lanzar una nueva remera de cara al verano 2026.

      La banda cuenta con los integrantes originales Sebas Scala en bajo y Romo en batería. Además, se suman Mariano Acosta en teclados y Uli Thunders en guitarra.

  dejó de tocar en el 2008 y volvió con todo. Primero anunciaron su participación en el festival que los vio debutar donde lograron reunir a sus seguidores de siempre y a nuevas generaciones, y donde además quedó demostrado que la efusión, la potencia y el rock and roll de la banda sigue intacta.

        Luego celebraron los 20 años de su primer disco en Lucille, y ahora redoblan la apuesta para volver a encontrarse con sus fieles seguidores.

       Don Adams es una banda de rock and roll con guitarras al frente, canciones de tres minutos, y una estética que remite a la década del setenta. Sus integrantes son: Frankie Langdon (voz), Pil del Villar (guitarra, coros), Sebas Scala (bajo), Roche (guitarra y coros) y Romo (batería). 

      El grupo se  formó en Buenos Aires en 2003. Un año después publicaron su disco homónimo debut, con dirección artística de Juan Absatz y producción de Fernando Moya. Este trabajo incluía canciones como “Brooke McQueen”, “Italpark”, y “Nada Que Perder”.

      En 2006, fueron teloneros de The Strokes y Kings of Leon en el Club Ciudad de Buenos Aires. En 2007, sacaron Miniserie, un EP de cuatro canciones; y en 2008 lanzaron el álbum Segunda temporada completa.

"Murales" y los interrogantes sobre la desaparición y muerte de Santiago Maldonado en una novela gráfica

 

LIBROS

"Murales. Una historia sobre Santiago Maldonado", la novela gráfica de Daniel Feierstein y Juan Soto.  El tiempo pasa pero, como miles o millones, un joven sigue preguntándose qué pasó con Santiago Maldonado.

       “Murales” es una novela gráfica conmovedora, incluso, necesaria: a través de una trama que se despliega en el límite de la realidad y la fábula, Daniel Feierstein -que incursiona por primera vez en el terreno de la ficción- y el ilustrador Juan Soto construyen un relato sobre la desaparición forzada de Santiago Maldonado que nos enfrenta con las formas cotidianas, y muchas veces invisibles, de la violencia institucional.

      El punto de partida es conocido: un joven que desaparece en plena democracia, tras una represión de Gendarmería en el sur argentino. Pero a diferencia de una crónica o un ensayo, Murales escoge el lenguaje de la novela gráfica para contar lo que otros callan y señalar, con crudeza y belleza a la vez, lo que nos sucede como sociedad cuando decidimos no ver.

     La historia, protagonizada por un adolescente que comienza a descubrir lo que muchos prefieren ignorar se convierte también en una parábola inquietante sobre los mecanismos del silencio. Aquí, el olvido no es solo una falla de la memoria, sino una elección política y la memoria, entonces, se vuelve conjuro, resistencia y revolución.

       Feierstein introduce un elemento de ficción inquietante: quienes callan, quienes miran hacia otro lado, quienes prefieren la comodidad del discurso oficial, comienzan a transformarse lentamente... en gatos. Criaturas ágiles, silenciosas, esquivas. Una imagen que condensa, con ironía y precisión, la idea de la complicidad pasiva frente a la injusticia.

        Las ilustraciones de Juan Soto -potentes, expresivas, cargadas de texturas y simbolismo- no acompañan simplemente el texto: lo expanden y lo complejizan.

      “Murales” no ofrece respuestas simples: en cambio, lanza preguntas imprescindibles, y en un momento en que en la Argentina, el negacionismo y la impunidad intentan ganar terreno.

       ¿Qué recordamos? ¿Qué preferimos olvidar? ¿Qué precio pagamos como sociedad por callar? Y, sobre todo, ¿de qué lado estamos cuando elegimos mirar?